Marco Cresci - DJ 412

TOH! N.6 www.toh-magazine.com

2011-11-03T10:32:00.003+01:00

TOH! N.5 www.toh-magazine.com

2011-06-27T16:47:00.003+02:00

TOH N.4

2011-04-28T18:05:00.004+02:00

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TOH! N.2

2010-11-24T10:48:00.002+01:00

TOH! Launch Party

2010-09-16T11:57:00.000+02:00

TOH!

2010-07-22T10:56:00.003+02:00

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THESE NEW PURITANS

2010-05-23T17:22:00.006+02:00

A palace where corridors and rooms follow one another and intersect in a tangle of spaces that can make you lose your direction completely and where it is difficult to enter and almost impossible to get out. It's not by chance that on the cover of Hidden, the new chapter of These New Puritans, there's the map of a labyrinth, a concept of construction related to the medieval age and handed on to us through the legend of Daedalus, Minos and the Minotaur, an era which deeply imbues this album. The four members of the band from Southend-on-Sea don't even sound the same anymore, so much this album is complicated and immense, full of trumpets, horns, deep medieval choirs, synthetic sounds and claustrophobic melodies, sinister and repetitive, that confuse and daze the listener, who will wander aimlessly in the dark.
History, its mythologies and the architectural structures have always been a clear passion as from their debut album, Beat Pyramid, for TNPS. The Barnett brothers, Jack, mind and voice, and George, drummer and model as well as muse of Hedi Slimane, who discovered them and asked them to write the music for the Dior Homme f/w 2007-08 show. The song “Navigate, Navigate” is now quite a rare 12” collector's item. Everyone awaits the release of Hidden with anticipation and Jack tells us how it all started.

What are the ideas on which the creative process of Hidden is based?

I got this idea of combining the same kind of production of a Britney Spears song with all those that can be considered as the values of the English music. I know it's a kind of idea that might seem confused and even impossible, but I think the outcome is just this. I would call it an album with a mixed technique.
As a matter of fact the outcome isn't quite something you catch on the first listening. You've got to listen to Hidden a few times to get into it and understand its nature, do you agree?

To be honest not quite, maybe because I created it myself but to me it's a rather immediate work, in fact I reckon it's even more accessible than Beat Pyramid. There're lots of little references in each song that make it lighter, more direct.
Your brother plays the drums. Percussions play indeed a leading role in this album. What's your point of view?

It's true, we've been listening to a lot of instrumental japanese music made just with percussions and drums, we wanted the sound of this album to be as huge as possible and percussions helped us getting to it.

The songs are very emotional, there's a sense of urge and fear flowing in each track. What did you want to tell us?

We originally intend to record a very aggressive album, actually it was meant to be called “Attack Music”, which is the title of one of the tracks but then, while we were developing it, it turned into a more intimate and melancholic album. It really was unintentional.

How was working with a children choir?

Great fun! Children are very adaptable, to them everything is a game. It's been fun to see these innocent children singing very confidently songs about attacks and violence. For us it was even a bit surreal, but as I'm a great medieval music fan, I thought it was the best way to recreate that kind of obscurity made with lightness.

There're so many sounds in Hidden. Did you use some common object to create uncommon sounds?

Yes, there's the sound of a melon struck by a hammer which recreates the sound of a head being smashed, but also the sound of chains, of noises caught on a camera and then put on tape, which comes out as an incredible futuristic effect.
What about your connection with the world of fashion, what are you attracted to?

It's stimulating, but for us it's just a way to keep on publishing our music.

Un palazzo in cui i corridoi e le stanze si susseguono e si intersecano creando un groviglio di spazi capace di far perdere completamente l'orientamento rendendo difficile l'accesso e quasi impossibile l'uscita. Non è un caso che sulla copertina di Hidden, nuovo capitolo dei These New Puritans vi sia posta la piantina di un labirinto, concetto di costruzione legato all’eta medievale e tramandato dalla leggenda di Dedalo, Minosse e il Minotauro, periodo storico di cui questo disco è intriso. I quattro di Southend-on-Sea non sembrano nemmeno più gli stessi per quanto complicato e immenso suona questo disco, ricco di trombe, corni, cupi cori medioevali, suoni sintetici e melodie claustrofobiche, sinistre e ripetitive che confondono e stordiscono l’ascoltatore che si troverà a vagare senza meta nell’oscurità. La storia, le sue mitologie e le strutture archittettoniche sono sempre state una passione evidente sin dal debutto Beat Pyramid per i TNP. I fratelli Harnett, Jack la mente e la voce del gruppoe George batterista e modello, musa di Hedi Slimane che li ha scoperti affidando loro il compito di comporre la musica per la sfilata Dior Homme f/w 2007-08 che è poi diventata Navigate Navigate oggi un 12” da collezione introvabile. Sempre alla maison Dior Homme i TNP hanno dato in esclusiva We Want War per la sfiltata S/S2010 un assaggio di questo nuovo album Hidden. Jack ci racconta come è nato.

Quali sono le idee alla base del processo creativo di Hidden?
Avevo quest’idea di unire lo stesso tipo di produzione che può avere una canzone di Britney Spears e di unirla con tutti quelli che sono i valori della musica inglese. Lo so che è un’idea che può sembrare confusa e anche impossibile ma credo che il risultato sia proprio questo. Lo definirei un album a tecnica mista.

In effetti il risultato non è molto da primo ascolto, bisogna ascoltare più volte Hidden prima di riuscire ad entrarvi e capire la sua natura, sei d’accordo?
A dire la verità non molto, forse perché io stesso l’ho creato ma per me è un lavoro piuttosto immediato, credo addirittura sia più accessibile di Beat Pyramid. Ci sono un sacco di piccoli riferimenti in ogni canzone che lo rendono più leggero, più diretto.
Tuo fratello suona la batteria infatti le percussioni in questo album hanno un leading role, qual’è il tuo punto di vista?
E’ vero, abbiamo ascoltato un sacco di musica strumentale giapponese fatta solo con percussioni e batteria, volevamo che il suono di questo album fosse quanto più grande possibile e le percussioni ci hanno aiutato ad ottenere questo risultato.

Le canzoni sono molto emozionali, c’è un senso di urgenza e di paura che scorre in molte tracce, cosa volevate comunicare?
La nostra idea originaria era quella di fare un disco molto aggressivo infatti doveva intitolarsi Attack Music che è il titolo di una delle tracce ma poi nel suo sviluppo ha preso una svolta più intima e malinconica, è successo senza premeditazione.

Com’è stato lavorare con un coro di bambini?
Molto divertente! I bambini si adattano a tutto, per loro qualsiasi cosa è un gioco è stato divertente vedere questi bambini innocenti cantare testi che parlavano di attacchi e violenza con totale disinvoltura. Per noi è stato anche un po’ surreale, ma essendo un appassionato di musica medievale ho trovato fosse il modo migliore per ricreare quel tipo di cupezza fatta con leggerezza.

Ci sono tantissimi suoni in Hidden, avete usato qualche oggetto comune per creare strane sonorità?
Sì, c’è il suono di un anguria rotta da un martello che ricrea il suono di una testa che si spacca, ma anche delle catene, dei rumori catturati con una telecamera e poi riversati su nastro, ne esce un effetto futuristico incredibile.

Cosa mi dici della vostra connection con il mondo fashion, cosa vi attrae?
E’ stimolante, ma per noi è solo un mezzo per poter continuare a pubblicare la nostra musica.

The Big Pink

2010-02-10T12:56:00.001+01:00

Sudici, capelli arruffati, occhiaie, dita giallo nicotina, un vecchio chiodo e dei jenas sdrulciti, i Big Pink appaiono ruvidi e cupi come la musica che fanno, creata nei bassifondi di Londra; un mix di shoegaze e industrial, lampi controluce e morbidi corpi nudi femminili. A Brief History of Love un album che sembra il titolo di un film d’essai in bianco e nero, una storia d’amore, droga, sesso sfrenato e cuori infranti. Robbie Furze polistrumentista e Milo Cordell, fondatore della Merok music, sono i Big Pink e grazie a pezzi come Velvet e Domino sono usciti dallo scantinato in cui facevano musica per svelarsi al mondo, intorpidendolo con synth e chitarre distorte. Pensate al lato struggente dei Jesus and Mary Chains, ai ritmi ipnotici dei Velvet Underground, alla virata dance e psycho dei Primal Scream, alla cupezza dei Joy Division, aggiungete sesso e melodia e siete pronti per ascoltare questo disco, sdraiati sul divano consunto nel vostro basement con la sigaretta accesa che vi si consuma tra le dita.

Ciao Milo, come va?
Bene grazie sono in coda allo sportello della banca…

Tutto avrei immaginato ma mai di trovarti in banca a far la fila, pensavo di sentirti con la voce impastata reduce da un party…
Ahahah! E’ un duro periodo di lavoro, quasi li rimpiango i party.

Quando avete inziato come Big Pink avevate in mente di creare epiche canzoni erotiche e torbide?
All’inizio a dire la verità volevamo suonare come qualcosa di più artistico, comporre musica sperimentale che potesse andar bene per la colonna sonora di un’istallazione d’arte o di un film. Abbiamo iniziato prima a sperimentare e poi continuando a condensare il nostro suono le composizioni si sono mano a mano accorciate diventando canzoni. Ci conosciamo da un sacco di tempo e quindi abbiamo una certa sintonia quando suoniamo insieme. Ci veniva naturale comporre un pezzo noise di venti minuti come Crystal Vision il brano che apre l’album, all’inizio era solo musica distorta senza voce. Se l’ascolti con questo concetto in mente ti apparirà chiaro il nostro modo di lavorare.

Credo che questo aspetto artistico e cinematico sia rimasto presente soprattutto in canzoni come Velvet che dici?
Potrebbe tranquillamente essere una colonna sonora, a dir la verità per me l’intero album potrebbe esserlo, è la colonna sonora della nostra vita. Mi viene in mente quando abbiamo ascoltato per la prima volta l’album con dei nostri amici a Bruxelles sul tetto di un parcheggio, la musica usciva dalla macchina, si vedeva tutta la città all’imbrunire, fumavamo spinelli e bevavamo vino era la scena perfetta per quel momento della nostra vita.

Collezioni e scatti fotografie in bianco e nero di modelle anni ’30, gore, freak show e vecchi film muti, un gusto che contamina i vostri video, le immagini, gli show, mi piace questo dare un senso a tutto il progetto che è al cento per cento voi. Quando hai cominciato ad archiviare immagini?
Lo faccio da sempre, per me immagini e musica sono due elementi che vanno mano nella mano, senza saremmo tutti ciechi e sordi, vogliamo che le persone siano connesse con il nostro mondo e mi piace trasmetterlo collezionandoe pubblicando sul nostro sito immagini di film, di fotografi che amo o di persone che stimo. Le canzoni fanno riferimento alle immagini e le immagini alle canzoni diventando un tutt’uno.

Deduco che quando componi hai gia un’immagine chiara nella tua mente, una storia, un film…
Assolutamente, la fotografia come la musica ha il potere di estraniarti e di portarti lontano, le fotografie che raccolgo sono molto emotive pur non trasmettendo emozioni, sono le nostre esperienze personali la referenza che ci serve per rendere il tutto emotivo. Questo ragionamento vale anche per la nostra musica.

Se penso a voi che create musica v’immagino in uno squat sporco circondati da persone spaced out alle sei di mattina. E’ questa scena vicina alla realtà?
Ahahah! No… non potrei mai comporre musica a quell’ora di mattina. E fortunatemente non viviamo più in uno squat, non riusciamo a suonare fatti durante un party, ci viene naturale farlo il giorno dopo con l’hangover.

E’ vero che in Inghilterra il testo di Domino è stato accusato di misoginia? E’ uno dei miei preferiti…
Grazie! Ma sì purtroppo è vero anche se per me è solo un testo scherzono che parla di un uomo che cerca la propria rivincita personale su una donna che lo ha deluso, è un testo molto personale come lo è ogni traccia del disco.

Esiste l’amore senza dolore?
No! Ho paura di dover ammettere che il dolore è parte integrante dell’amore, putroppo l’amore non è sempre giorni felici, un buon odore nell’aria o dei fiori appena sbocciati. L’amore fa male, l’amore è gelosia, l’amore è piena di cose orribili e più cresci e più te le trovi davanti. Quando hai diciotto anni non vedi tutto questo ma essere innamorati è un fottuta tragedia piena delle insicurezze della vita e prima o poi ti colpisce allo stomaco. Ma è bellissimo e per questo sei disposto ad affrontare tutto questo tenendo sempre le dita chiuse.

Come sono i Big Pink live?
Dal vivo ci divertiamo un sacco! Non siamo in due, la nostra formazione varia da quattro a sei, perché ci piace sottolineare che siamo una live band, ci piace suonare a volume altissimo, un muro di suono con le voci alti e forte, credo che dal vivo siamo più aggressivi.

Hai fondato la Merok records, etichetta che ha scoperto i Klaxons e firmato in Inghilterra Crystal Castle e Telepathe. Hai tempo tutt’oggi di seguirla?
Certo, stanno succedendo un sacco di cose, abbiamo alcuni nuovi progetti che stanno per uscire e un nuovo blog che se ne occupa, si chiama Don’t Die Wondering, sono sempre in cerca di volti interessanti.

Per chiudere qual’è la colonna sonora che ti accompagna in questi giorni?
Ieri mi sono fatto prestare la macchina da un mio amico e sono andato a fare un giro per Londra con la mia fidanzata, in macchina aveva Definitely Maybe degli Oasis e per me è stata una riscoperta, era molto che non lo ascoltavo ed è stata la colonna sonora perfetta per un giro tra le strade inglesi, ho avvertito delle buone vibrazioni e mi ha ricordato la mia infanzia. Recentemente invece ascolto moltissimo i Cold Cave, un gruppo di Filadelfia,
hanno pubblicato da poco l’album Love Comes Close ed è davvero buono, il cantante Wasley Eisold proviene dalla band hardcore Some Girls e adesso fa queste canzoni synth pop magnifiche.

Mi piace che avete creato una formula riconsocibile, potete essere più pop come in At War with the Sun, più epici come in Domino, o più noise come in Velvet ma in tutti i casi suonate come i Big Pink...
Mi lusinga che reputi il nostro suono riconoscibile nonostante abbiamo cercato di variare il nostro suono il più possibile all’internbo del disco. Ci fa molto piacere essere riconosciuti come band.

Suz “Shape of Fear and Bravery” (No Mad)

2010-02-10T12:53:00.003+01:00

Il trip hop, il raggae, il fumo, il cervello che si appanna, suoni che prendono lentamente coscienza, che s’intrecciano a formare melodie che ipnotizzano, rapiscono, intorpidiscono i sensi. Sono le canzoni di Shape of Fear and Bravery il debutto di Suz che da Bologna con complice Ezra riesce a creare un prodotto dal sapore multiculturale. Canzoni che parlano di quel malessere generazionale che spazia dal quotidiano al mal d’amore, canzoni dall’atmosfera inquietante come The Gathering che ti avvolge nel suo torpore e poi ti sguinzaglia nell’atmosfera contaminata dal jazz di Fear. Little by Little è un raggio di sole dopo un temporale sulla spiaggia, Hell is Abscence una sinistra ninna nanna. Un disco dalle sonorità cupe ma calde in cui Suz modula la sua voce con destrezza creando melodie accattivanti che ti penetrano nella mente fino a fartele cantare. Bellissime le illustrazioni di Eppesteingher che vanno perfettamente d’accordo con il mood oscuro e anche sognante dell’album.

Frankie Morello Athletic F/W 2010 - Soundtrack

2010-02-03T11:37:00.002+01:00

Noah and the Whale

2009-12-13T20:20:00.006+01:00

Ricordate i Noah and the Whale? Con il debutto Peaceful, the World Lays Me Down ci hanno dato un assaggio del loro folk rock emotivo guidato dalla voce profonda di Charlie Fink spalleggiata dai suoi giovani e talentuosi amici musicisti. In The First Day of Spring le emozioni e i sentimenti della band inglese si accentuano, si amplificano, con arrangiamenti sontuosi, archi, cori e una struttura da colonna sonora, il cinema è la fonte d’ispirazione primaria per la band. Un album imponente, dolce, malinconico nato sul finire di un’importante storia d’amore e accompagnato da un omonimo film girato dalla band stessa.

Charlie, The First Day of Spring è un album folk intimo, delicato, a tratti etereo e anche epico, ambizioso e coraggioso. Il vostro debutto era più folk pop e strutturato nella classica forma canzone, cosa vi ha cambiati artisticamente?
Musicalmente le influenze sono state le più diverse, ho ascoltato molta roba sperimentale, Jim O’Rourke, Yankee Hotel Foxtrot dei Wilco, il virtuosismo pianistico di John Cage, dal mio punto di vista il nostro debutto era un semplice album acustico questo è stato più un esperimento per noi.

La deluxe edition del disco è accompagnata da un film di 50 minuti, dobbiamo considerare l’album come una colonna sonora? Spiegami il progetto.
Sì lo è, il film ha una narrazione separata dal contesto del disco, è un film vero e proprio, recitato, uno completa l’altro. E’ anche stato proiettato in alcune sale indipendenti in Inghilterra ma non mi va di raccontare troppo di questo, và visto.

E’ vero che la maggior parte delle canzoni sono state scritte dopo che hai rotto con la tua ragazza, (la cantautrice Laura Marlin n.d.g.) e di conseguenza fortemente ispirate da questo avvenimento?
Posso dire che l’album delinea dei fatti che hanno caratterizzato la mia vita nell’ultimo anno, ma sei libero di vederla come preferisci, del resto le canzoni sono scritte anche per far immedesimare chi le ascolta in esse. All’inizio avevo in mente di fare un concept, ma poi ho capito che quel che più m’interessava era di creare musica che avesse una continuità, non un album fatto di pezzi ma da ascoltare come un flusso continuo dall’inizio alla fine.

Consideri questo album come un nuovo inizio?
Sì a cominciare dal titolo, la primavera segna sempre un nuovo punto di partenza e credo che questa sensazione sia il comun denominatore di tutti i pezzi del disco.

Love Of An Orchestra è un pezzo magnifico, inoltre è posto esattamente al centro del disco, avete registrato con un orchestra?
Love of an Orchestra è il cuore del disco, volevamo si percepisse questa sensazione, deve colpire con un Bang! E’ l’episodio più gioioso del disco anche se finisce come se fosse interrotto all’improvviso.

Un brusco risveglio alla realtà?
Esatto. Comunque non abbiamo registrato con un orchestra è il nostro Tom Hobden che si è occupato delle parti orchestrate, lui suona il violino e la viola, ha arrangiato gli archi e diretto le parti vocali. E’ il nostro orgoglio.

Il vostro debutto era una collezione di canzoni nato in un anno dalla vostra formazione come band, come vi sentite oggi, credete che il nuovo album rifletta in modo più chiaro e anche consistente la vostra identità di musicisti?
Senza ombra di dubbi, penso che ampli la nostra visione di band. Per noi questo album è un enorme progresso, vedi io non credo che la realizzazione di una band vada di pari passo con il successo, questo album indipendentemente da come verrà recepito per me è un grosso motivo di stima. M’interessa più ottenere rispetto come artista che ottenere un riconosciemento dettato dalle classifiche. Ma non fraintendermi amo tutt’ora il nostro primo disco e ne vado fiero, rifletteva quel che eravamo, solo che ora mi sento più ambizioso, più coraggioso e consapevole.

Una curiosità che ho letto in rete, è vero che il nome della band è un omaggio al film The Squid and the Whale?
Sì è vero, all’inizio volevamo chiamarci proprio come il film ma poi abbiamo assemblato parte del titolo con il nome del regista Noah Baumbach ed è uscito Noah and the Whale. E’ anche un modo per far sapere a chi ci ascolta che il cinema è un’influenza primaria per la band.

Tra un album e l’altro avete intitolato un tour Club Silencio, è un riferimento alll’inquitante club che si vede nel film Mullholland Drive di David Lynch?

Sì, amo Lynch e il suo modo visonario di vedere le cose, il passaggio tra realtà e finzione e come si confondono l’una nell’altra fino a non capire più quando un fatto è reale o finto. Club Silencio era un tour in cui musica e cinema diventavano un tutt’uno, c’era un programma di sala, un maschera virtuale che introduceva gli spettatori e dei filmati presi in prestito da vecchi film che amiamo ma anche immagini girate da noi. Volevamo dare un’idea old fashion, è stato un tour eccitante.

L’ultimo film di cui ti sei innamorato perdutamente?
La Vie en Rose di Olivier Dahan ma credo che il film più bello degli ultimi anni sia Il Petroliere di Paul Thomas Anderson.

The Flaming Lips “Embryonic” (Warner)

2009-12-13T20:10:00.003+01:00

Il primo ascolto di questa nuova fatica dei Flaming Lips è estraniante. Come se Wayne Coyne e soci non fossero più tornati sulla terra dopo il folle Christmas on Mars. Suoni alieni, sintetici, cupi, inquietanti, voci effettate, rumori, versi di animali e urla interpretati niente meno che da lady Karen O. Un disco che necessita più di un ascolto per esser apprezzato e che porta i Flaming Lips verso territori inesplorati dopo aver calpestato il suolo di Marte, non c’è la psichedelia a tinte scure di The Soft Bulletin, ne la ricerca più pop di Do You Realize?? quando potrebbe essere il momento di fare il salto verso il mainstream i Flaming Lips se ne fregano e creano un disco che è un’opera d’arte astratta sia nella produzione che nelle scelte stilistiche. Oltre ai “versi” di Karen O ci sono gli MGMT in Worm Mountain, perfetti come compagni in questa allucinata avventura sonica destinata a diventare il secondo masterpiece della band.

The XX

2009-11-05T14:57:00.004+01:00

Non c’è modo migliore per festeggiare l’arrivo dell’autunno di ascoltarsi il disco degli XX. Il loro suono caldo e scarno si sposa perfettamente con le tonalità delle foglie pronte ad abbandonare i propri rami per lasciarli spogli pronti a ricevere la protezione della prima neve. Questi quattro ragazzetti con base a Londra stanno facendo parlare molto, due voci, una maschile di Oliver e quella femminile di Romy che si accavallano alla perfezione su melodie semplici create da un giro di basso e da un pattern sintetico, strutture hip hop e ritornelli pop, detto così sembra non abbiano inventato nulla ma è come questi elemnti s’incastrano l’uno nell’altro a rendere speciali canzoni come Crystalized, VCR o Basic Space. Un disco fragile, intimo, emozionante, infinito, cupo. Oliver ci racconta la storia di una lunga amicizia che ha creato un disco sorprendente.

Oliver raccontami un po’ degli XX…

Cosa ti dico... Innanzi tutto che io e Romy ci conosciamo dalla nascita, siamo cresciuti insieme, per me è come una sorella. Sai quando ti basta uno sguardo per capire cosa frulla nelle mente di una persona? Jamie e Romy li abbiamo conosciuti a scuola a dodici anni quindi abbiamo un rapporto d’amicizia speciale anche con loro. Siamo una banda!

Una banda e anche una band, incredibile!

Già! Quasi da far invidia.

Forse per questo motivo quando create musica si crea un’alchemia speciale, perché siete cresciuti insieme...

Io e Romy abbiamo iniziato a cantare sovrapponendo le nostre voci proprio perché ci conosciamo così bene che più volte ci capita di rispondere a domande contemporaneamente con le stesse identiche parole.

Il vostro suono è unico, come avete deciso gli strumenti giusti per crearlo?

Non lo so, la verità è che abbiamo usato quel che avevamo a disposizione come una tastiera per bambini comprata su Ebay per cinque pounds! Abbiamo potuto permetterci un synth con i soldi della casa discografica ma nulla di più. Sì, abbiam fatto del nostro meglio con quel che avevamo.

L’incrocio tra basso, chitarra e dance beats è perfetto, crea queste melodie mellow dark affascinanti, come avete raggiunto questa formula?

Jamie è l’uomo dei beats e la sua influenza all’interna della band è molto forte, prima del suo arrivo le nostre canzoni erano più funky house e decisamente più brutte anche se in realtà non ci siamo mai considerati come una band elettronica. Jamie con i suoi beats va a completare il nostro suono e credo sia questo elemento a rendere particolare la nostra musica, è un processo molto naturale per noi soprattutto dal vivo.

E’ vero che la tua vera passione è l’R’n’B?

Decisamente! Ognuno di noi ha passioni differenti a livello di musica, io ho una sorella maggiore che mi ha fatto crescere ascoltando l’r’n’b americano di TLC e En Vogue. Ad esempio non ci crederai ma l’Intro che apre l’album è stato ispirato da Bleeding Love di Leona Lewis... la nostra intenzione era quella di iniziare l’album con un pezzo d’impatto e Leona ci ha aiutati in questo!

Ora sono curioso di sapere i gusti degli altri membri del gruppo…

Romy è decisamnte un tipo disco, Baria ama la drum’n bass e Jamie è più indie.

Quindi sarà una bella lotta mettervi d’accordo in studio!

Siamo due squadre, io e Romy ovviamente e Baria e Jamie, ci piace scontrarci verbalmente ma come fanno dei buoni amici, il lato positivo è che da quando ci conosciamo abbiamo imparato ad apprezzare i gusti gli uni degli altri e abbiamo trovato dei punti d’accordo, ad esempio siamo tutti fans delle CocoRosie.

Le vostre canzoni hanno un lato oscuro, chi è il cuore dark del gruppo?

Direi tutti, non era nostra intenzione creare un disco dark ma ci è uscito così.

The XX un nome molto grafico, perché lo avete scelto?

Proprio per questo, perché ci sono un sacco di cose che puoi farci, è un simbolo, ha un non so che d’industriale, ci si può giocare per creare le nostre t-shirt, ed è immediato. E’ un nome puramente visivo un concetto che credo vada parallelo con la nostra musica che è visionaria ma anche cinematica.

Sei d’accordo che l’amore ha il ruolo di protagonista nei tuoi tesi?

Sì non lo posso negare, è un disco che ruota intorno all’amore, siamo giovani e aperti a nuove esperienze che ci distruggono, ma di cui non possiamo fare a meno.

Cosa ti piace e come giudichi la scena musicale inglese oggi?

Ci sono pareri contrastanti a riguardo ma credo che oggi Londra sia ancora una città eccitante musicalmente parlando, amo i Big Pink, Micachu, i Trailer Trash Tracy’s, sono tutti incredibili musicisti.

Chi era il tuo idolo quando eri un bambino?

I miei genitori sono sempre stati dei grandi fans della musica, mia mamma impazziva per Tina Turner e mio papà per Chris Isaak, e credo che sceglierò lui perché è uno dei ragazzi più cool del mondo.

THE BIG PINK "A Brief History of Love" (4AD)

2009-10-20T12:11:00.003+02:00

Finalmente un gruppo sudicio, spettinato, ruvido, un po’ punkabbestia nell’attitudine, che esce dalle cantine buie della periferia londinese, con un syntetizzatore e una collezione di dischi shoegaze sottobraccio. Robbie Furze e Milo Cordell si sono fatti notare con Velvet un muro di suono compatto e sintetico, distorto, sensuale, con un testo romantico dall’andamento pop mixato da Alan Moulder (My Bloody Valentine), ad oggi il miglior singolo del 2009. Un album che parla d’amore e dei sentieri impervi che bisogna percorrere per raggiungerlo, in cui s’incontrano infatuazione, depressione, rabbia e desiderio. Domino è un pezzo grandioso, grandi cori, sentimento pop, testo spavaldo, Crystal Vision è come la prima cotta non si scorda mai, mentre Love in Vain è un pezzo che vi farà piegare le ginocchia e venire le farfalle nello stomaco. My Bloody Valentine, i Sonic Youth di Daydream Nation, Cure, The Contino Sessions dei Death in Vegas sono esempi per descrivere il mood di questo album allucinante. Attenti sarà amore a primo ascolto.

FLORENCE + THE MACHINE

2009-10-16T11:23:00.003+02:00

Florence Welch è un personaggio conosciuto nelle notti londinesi. Gli after che organizza nello squat dei Big Pink nella zona est della città sono leggendari, difficile trovare una party harder che le tenga testa. Nata a Londra ventidue anni fa, figlia dell’americana Evelyn Welch nota critica d’arte habitué dello Studio 54 e della Factory, da cui ha ereditato talento e desiderio di fare festa, Florence ha un carattere solare ed esuberante, ama la notte e la natura, è dolce ma anche ribelle, sicuramente da adolescente inscenava di dormire e scappava a notte fonda dai rami dell’albero che fanno capolino dal suo davanzale. Basta vedere quanto è a suo agio tra gli alberi di Hyde Park, dove l’abbiamo incontrata poco prima di aprire il concerto dell’estate: la reunion dei Blur. Lungs è il suo debutto discografico, ma per apprezzare del tutto Florence + the Machine bisogna vederla dal vivo, c’è un feeling speciale che la lega al palcoscenico che solca sempre a piedi nudi, come se si trovasse all’aria aperta, nella campagna inglese, con qualla sensazione di terriccio umido e prato che penetra tra le dita che fa sentire vivi e spavaldi. Quando le luci si spengono, inizia la magia, prima s’intravede una chioma rossa che sbuca dalla penombra avvolta da lampi in controluce, poi le sue lunghe gambe bianchissime che lascia sempre scoperte prima di rivelare la sua voce nitida, forte e meravigliosa tanto da farci credere di vivere un sogno, è come se per lei cantare sia la cosa più naturale del mondo. Un pò Kate Bush un pò Chrissie Hynde, eterea e punk, un vestitino a fiori e sopra un chiodo, l’arpa e la batteria, un sussurro e un urlo liberatorio, un attimo saltella leggiadra e subito dopo si lancia a terra a ginocchia nude, parte dolcemente e quando meno te lo aspetti arriva all’headbanging. Il mondo di Florence è fatto di contrasti e perdersi dentro è meraviglioso.

“Quello che faccio è quello che sono, non mi sono mai fermata a pensare: Cavoli che bella voce che ho! Ho sempre cantato nella mia vita sin da quando sono nata. Pensa che ho sempre avuto problemi di memoria a scuola, l’unico modo per me d’imparare un testo era trasformarlo in canzone”.

Nelle tue canzoni e nel tuo immaginario c’è una forte connessione con la natura e con gli animali, da dove nasce?

Credo sia l’Inghilterra stessa a trasmettere questo legame ai suoi abitanti, abbiamo una campagna meravigliosa e credo sia impossibile non subirne l’influenza in qualche modo. Amo i conigli, le volpi, i boschi la notte mi affascinano e mi terrorizzano allo stesso tempo, difficilmente se vedo un bell’albero resisto nell’arrampicarmici sopra. Ho sempre desiderato una casa sull’albero ma non l’ho mai avuta, probabilmente ero io stessa un albero in un'altra vita.

Il tuo album si chiama Lungs, (Polmoni n.d.g.), lo hai intitolato così perché la tua musica è come una boccata d’aria fresca da respirare a pieni polmoni?

Ahahah! Il concetto è questo: se spoglio la mia musica di tutto il superfluo resterebbero la batteria e la voce, la prima rappresenta il battito del cuore e la mia voce sono ovviamente i polmoni. Between Two Lungs è il pezzo che apre il disco e i miei live.

Hai vinto il premio della critica agli ultimi Brit Award mesi prima di aver pubblicato l’album, come ti sei sentita?

Sorpresa anche se cerco di non pensarci, l’attenzione della stampa mi fa paura, mi terrorizza a morte, io voglio solo fare la mia musica e non pensarci.

Le tue canzoni sono poetiche ed emozionanti, la tua voce è forte, le tue esibizioni live a tratti selvagge, nella tua musica dolcezza e forza diventano un tutt’uno, ti ci ritrovi?

Sì, sono una donna, sono vulnerabile ma anche forte, si pensa che le donne siano fragili e indifese ma non è così, siamo anche più forti degli uomini, io ce la metto tutta per raggiungere un obiettivo e mi batto per quello che faccio, scendere a compromessi non è nella mia indole e difficilmente cambio idea. La mia personalità ha molte sfaccettature, il mio disco è nato sul finire di una storia d’amore molto importante, c’è sofferenza ma anche forza. Questo album mi ha insegnato ad andare avanti, ho incanalato la mia rabbia e le mie amarezze in ogni singola canzone. Non ho mezze misure, sono dominata dalle mie emozioni, se sono contenta sono un vulcano in eruzione e se sono depressa non ho nemmeno la forza di parlare.

Qundi se i tuoi testi sono basati su esperienze personali pensando a Kiss with a Fist mi viene da chiederti se hai davvero dato fuoco al letto durante un litigio d’amore…

Ahahah! Diciamo che sono molto istintiva…

Tornando alla canzone, hai ricevuto più baci o più pugni nella tua vita?

Oh fuck... bacetti! Un sacco di bacetti.

Quando sei sul palco sei come posseduta dalla tua stessa musica, ascoltando le tue canzoni non ci si immagina una tale carica dal vivo che ti prende fino a farti fare stage diving sulle persone esaltate e allo stesso tempo sconcertate dalla tua energia live…

Mi sento libera sul palco! Felice di suonare la mia musica, credo che troppe persone nel quotidiano non si lasciano andare, sono vittime di troppe costrizioni, hanno timore di esprimere liberamente le proprie emozioni, io ne morirei. L’amore, la vita, la voglia di divertirsi, di fare qualcosa di stupido solo per farci sopra una risata, lasciarsi andare anche semplicemente ballando tra la folla ad un mio concerto, questo voglio da chi viene a vedermi, voglio respirare la libertà.

C’è anche un non so che di teatrale nei tuoi live ed anche nel modo in cui gesticoli mentre parli qui ora…

Dici? Beh diciamo grazie a Shakespeare.

Cosa t’ispira di più?

La competizione, il pormi delle domande, l’arte, una fotografia, camminare a piedi nudi nella rugiada mattutina, andare in bicicletta per le strade di Londra, la vita.

Com’è il tuo background musicale?

Da ragazzina ascoltavo musica punk, The Clash, The Ramones, poi sono arrivati il grunge e i Nirvana, poi ho scoperto il northern soul, i Talking Heads, Joy Division, e sono una grande fans dei mixtape.

Si dice che i party che organizzi a casa dei tuoi amici The Big Pink siano leggendari, cosa mi racconti a riguardo?

(Florence guarda in alto, poi per la prima volta arrossisce e ridacchia). Mi piace divertirmi non so che dire, anche se ultimamente non ne ho più il tempo e mi dispiace un sacco ora che mi ci fai pensare… Ho molti amici e sì mi piace fare casino con loro.

Mi piace il modo in cui mostri le tue gambe, è molto old style rock n roll!

Grazie! Ahahahah! Dimentico sempre d’indossare i miei pantaloni! Sai cosa mi è successo al concerto alla Brixton Academy?

No dimmi!

Indossavo un abito turchese molto leggero tenuto insieme solo da una spilla, durante il concerto si è aperta e mi sono ritrovate a cantare in canottiera e coulotte, ho chiuso il set lanciandomi sulla folla. Mi sono rivista e sembravo una pazza!

Sembra molto divertente, vedi che sei ancora punk sotto sotto…

Ahahah, ci sono molti modi di sentirsi punk e forse questo è il mio!

PATRICK WOLF

2009-10-16T11:19:00.002+02:00

Era il 2004 quando Patrick Wolf uscì come dalle pagine di un racconto di Charles Dickens giocando alla ruota con il cerchio tra suoni celtici e pop avant-garde con un effetto strano e meraviglioso allo stesso tempo. Dopo essersi dichiarato libertino in Wind in the Wires, il suo masterpiece, firma con una major e nel 2007 pubblica The Magic Position il suo album più pop, glam e queer. Ma il mondo mainstream non lo capisce così se ne va incompreso e snobbato come un Macaulay Culkin in Mamma ho Perso l’Aereo ma travestito da Principe Caspian in Gareth Pugh. Senza perdersi d’animo Patrick apre un sito e si autoproduce finanziato dai suoi fans che diventano azionari di questo nuovo capitolo della sua storia: Battle, un concept diviso in due parti The Bachelor e The Conqueror. Un lavoro pieno d’idee e dalle possibilità infinite, in cui la voce di Tilda Swinton incontra i suoni techno di Alec Empire, in cui l’innocenza si scontra con la sessualita, la perversione, la malinconia e tutte le crude verità che riserva la vita. Che la battaglia abbia inizio.

Il tuo nuovo album è la prima parte di un progetto doppio, chiamato Battle. Ora hai pubblicato The Bachelor e l’anno prossimo uscirà The Conqueror a completarlo. Com'è nata questa idea e il progetto in generale?
E' iniziato tutto con un album unico ma con due tipi molto differenti di canzoni che non sapevo come unire. Prima ho iniziato a scrivere di un tempo della mia vita in cui ero molto solo e con un punto di vista pessimista riguardo all'amore. Poi però sono entrato in un periodo felice della mia vita, in cui ho iniziato una nuova relazione e ho sentito che dovevo esprimere delle emozioni positive. Quindi mi sono ritrovato con due gruppi di sensazioni e di tracce molto diverse, e in tutto circa una quarantina di canzoni da registrare. Il problema a quel punto è diventato di tipo finanziario: era praticamente impossibile produrre tutto allo stesso momento. Allora ho iniziato a fare la prima parte e in luglio registrerò la seconda. Il secondo album sarà una sorta di sequel, come la parte 1 e 2 di un film. E più avanti potrebbero anche uscire insieme come Battle.

Parlando di te, sembra che l'opinione della gente sia divisa in due: c'è chi ti vede come un artista importante e che ha segnato una svolta, altri che ti considerano poco più di una pop star. Che ne pensi di questa duplice opinione?
So che ci può essere un'opinione un po' negativa di me ma penso che sia dettata spesso dal fatto che ho iniziato ad avere pubblico, a fare tour, ad avere un buon seguito, ormai da sei anni. Chiunque ha successo nella vita deve pensare che c'è qualcuno sempre pronto a farti scendere. Sono rispettato da persone che io considero importanti in diversi settori. Comunque, non cambierei la mia vita con niente al mondo: è importante essere controversi e creare opinioni diverse alla gente e dar loro qualcosa a cui pensare.

In tutto l'album c'è una sensazione parecchio triste, un sentire molto drammatico. Sembra quasi che non ti importi del lato bello delle cose...
Personalmente e dal punto di vista dei testi, penso che sia così. Musicalmente è una sorta di combinazione tra ciò che può essere definito felice e le parti tristi. Credo che la mia musica possa dare fiducia in qualche modo a chi si sente depresso.

Hai parlato dei testi. Citi spesso situazioni politiche o anche l'argomento del suicidio. Sono basati su fatti personali?
Sì, assolutamente. Scrivo direttamente dalle esperienze che documento nella mia vita. C'è la parte politica in cui io do le mie opinione su quello che succede e sì, nominando i suicidi, c'è la vicenda di un amico che è scomparso un paio di anni fa. Tutto quello che c'è nell'album è la trascrizione di un'esperienza diretta.

Guardando indietro nella tua carriera hai cambiato radicalmente la tua immagine. Prima sembravi una sorta di Peter Pan, sognante e fiducioso, adesso hai un lato dark molto più presente. Sei d'accordo?
Assolutamente. Penso che le persone a un certo punto chiedano di andare oltre la fantasia o il mondo magico che ho disegnato. E' una cosa che ho fatto spesso negli ultimi tre album, mentre adesso mi sembrava giusto andare in un'altra direzione. Credo sia un'evoluzione naturale.

Questa tensione si nota anche all'interno dell'album. Come riesci a passare dalle parti elettroniche a quelle acustiche anche all'interno della stessa canzone? Ti viene naturale?
Sì, è un istinto naturale. A volte è molto diretto e spontaneo, altre volte penso alle mie radici e le esploro a fondo volontariamente. Non discrimino tra elettronica e acustica: è come guardare il mondo in bianco e nero. Lo vedo come un processo naturale, è la mia natura, non mi interessa il suono finale dell'album, deve essere coerente con me.

Anche nel tuo video Volture si nota molto questo cambiamento...
Beh sì, il video è una metafora visuale: usare il mondo del sadomaso per esprimere una sorta di tendenza autodistruttiva, o almeno confusa. In alcuni momenti una persona può essere potente ma allo stesso tempo sottomessa, non soltanto dal punto di vista sessuale, ma proprio come metafora della vita.

L'hai diretto tu, vero?
Sì, ho fatto tutto io. Volevo sperimentare un approccio self-directed. L'ho creato io, parlando di me stesso.

Sembra che tu abbia una forte connessione con il mondo fashion e del design. Sia per i video che per i live, i tuoi look sono sempre curati ed eccentrici...
Non sono così connesso con la moda, in realtà. Ci sono dei miei amici che io considero più artisti che designer, che realizzano pezzi magari non legati ad alcun trend. Mi piace indossare alcune loro creazioni, ma le vedo come visioni creative, non come capi di moda.

Senti, ultima domanda: com'eri da piccolo?
Ero un bambino molto energico! Mi piaceva girare per casa nudo, gridare, correre, urlare, rompere le cose. In effetti, già da allora mi piaceva essere al centro dell'attenzione, come su un palco. Poi, avevo un ottimo rapporto con mia sorella: avevamo il nostro mondo parallelo, il nostro linguaggio. Poi, quando sono diventato un teenager è stato più duro mantenere questo mondo e mi sono dovuto scontrare con la realtà.

Marco Cresci e Matteo Zampollo

KASABIAN

2009-10-16T11:10:00.002+02:00

Il West Ryder Paper Asylum è un ospedale psichiatrico edificato a Wakefield nel 1800, il suo nome è stato preso in prestito dai Kasabian come titolo del loro terzo album. Un lavoro temerario che si prefissa di scavallare i limiti della psichedelia in un vortice di emozioni quali ansia, stupore, gioia, malinconia, ira, voluttuosità, smarrimento e genio, tutti insieme a scontrasri come racchiusi nel cervello del più normale dei matti. La band di Leicester è cresciuta sotto le ali protettive dei fratelli Gallagher, che è risaputo, odiano tutti e non si sa come i Kasabian se li sono ingraziati, sarà che, per dirla alla Liam, il loro rock è “cazzutissimo”. Genio e pazzia vanno da sempre di pari passo, per farsi aiutare in questa impresa Tom Meighan e Sergio Pizzorno, voce e chitarra non che menti del gruppo, lasciano contaminare il loro rock sudicio, che ha partorito successi come Club Foot e Shoot The Runner, dalle visoni del produttore Dan the Automator. Dan infila beat e sample a profusione traccia dopo traccia, stordendo e affascinando chiunque si addentrerà tra le stanze di questo manicomio i cui pazienti ideali si chiamerebbero Primal Scream, Ennio Morricone, Rolling Stones, Tarantino, influenze evidenti di questo lavoro visionario e ambizioso. Tom ci racconta com’è nata la follia.

Un album all’insegna di genio e sregolatezza che ruota intorno ad un manicomio, un idea da cui siete partiti o un naturale sviluppo sul tema?

La psichedelia è stato il punto di partenza, poi un giorno abbiamo visto un documentario in tv su questo manicomio dell’800 nei pressi di Leeds che si chiama West Ryder Paper Asylum, un titolo che suona psichedelico da solo, forse avevamo fumato troppo ma ci siamo detti: è perfetto.

Sembra abbiate “giocato” di più questa volta, è così?

Abbiamo giocato un sacco! Il nostro suono si è contaminato man mano, già nel nostro secondo album c’erano più elementi dance rispetto al primo e in questo abbiamo cercato di unire il rock e la dance con la psichedelia, è uscito un album disordinato e avventuroso. Il buon rock n’roll deve saper far ballare.

Quale credi sia il pregio di questo lavoro?

E’ un disco saturo, è impossibile recepirlo la prima volta che lo si ascolta, ogni volta da emozioni diverse e nuove, per questo siamo stati attratti dal concetto di “follia”. Credo sia un album che spinge chi lo ascolta a fare qualcosa, è pieno d’informazioni, di suoni che fan girare la testa, di alti e bassi che provocano un euforico rush.

Com’è caduta la scelta su Dan the Automator?

Siamo fan del suo lavoro con Unkle, Dj Shadows, Gorillaz, volevamo spingere il nostro suono verso direzioni nuove e lui con i suoi sample ci ha aiutato molto, prima del suo intervento le nostre canzoni suonavano un pò troppo simili al nostro secondo album, erano molto organiche e rock n’roll. Dan ci ha indicato la via giusta senza cambiare la nostra identità inserendo beat e sonorità vicine al mondo hip hop, ma inserite in un contesto rock.

Cosa hai imparato da lui?

A guardare oltre la scatola, a non seguire solo il primo istinto ma tornare indietro a guardare cosa si è fatto, pensare alle nostre canzoni in modo diverso, non c’è mai solo una via d’uscita. Ad esempio Where Did All the Love Go? Era un pezzo heavy rock n’ roll, lo abbiamo decostruito e ora è un pezzo groove, pop e sensuale.

Come nasce un vostro pezzo?

Da una chitarra acustica o dal piano, in modo molto semplice, ci sediamo e suoniamo, discutiamo, ognuno porta le sue idee. Alcune canzoni ci mettono settimane prima di vedere la luce altre come ad esempio West Ryder Silver Bullet sono nate in un paio di giorni.

A proposito di West Ryder Silver Bullet come avete convinto l’attrice Rosario Dawson a cantare per voi?

Eheheh… Cercavamo una donna da far cantare nel pezzo e Sergio è amico di Rosario così glielo abbiamo semplicemente chiesto e lei ha detto di sì! Avevamo in mente un duetto romantico e sexy alla Mickey and Mallory di Natural Born Killers. Rosario si è innamorata subito del pezzo ed è stata fantastica. Le abbiamo anche chiesto di chiedere a Tarantino se gli va di girare un nostro live ma stiamo ancora aspettando una risposta.

Hai dichiarato “In Inghilterra l’era del rock n’roll è finita” cosa intendi?

Ahahah! L’ho detto? Sì, sì è vero! Nel senso che l’essenza del rock n’roll è morta grazia alla discografia, oggi basta che ti colleghi in internet e riesci persino a vedere cosa succede nel backstage, tutto è troppo orientato verso i media, non c’è più mistero, enigma, qualsiasi cosa fai viene ripresa e messa in rete, una volta c’era un sano alone di mistero che oggi è andato perduto.

Il vosto primo album è del 2004, vedi un peggioramento nella scena inglese indie da allora?

Un drammatico peggioramento! “Tutto e subito” è la politica del music businness inglese, uno schifo.

Credi si stia perdendo l’abitudine di ascoltare un album dall’inizio alla fine?

E’ un valore che sta scomparendo. Oramai tutto si basa su di canzoni che compri a 79p su internet. Mi dispiace pensare che la gente non avrà la possibilità di ascoltare il nostro disco per intero perché è davvero bello e sarebbe un vero peccato. New generation: wake up!

LA ROUX - THE PARTY

2009-10-15T12:26:00.002+02:00

LA ROUX

2009-10-08T12:05:00.003+02:00

Si sentiva nell’aria e nella terra che la rivoluzione stava per cominciare, le ragazze hanno la musica in pugno e la vittoria in tasca su tutti i fronti musicali, Lady Gaga, Katy Perry, Ladyhawke, Little Boots, Florence and the Machine, Lissy Trullie, l’invasione delle cantanti vent’enni è cominciata e tocca a La Roux sferrare il colpo di grazia. Ciuffo rosso fuoco alla Tin Tin, una faccia androgina dallo sguardo posh capace di mettere in soggezione, un look che mixa tie dyed denym, camice stampa Versace, make up fluo e una passione per i camei che tiene al collo e al dito, Ellie Jackson è La Roux la nuova stella dell’electropop. Lanciata dalla Kitsunè con il singolo Quicksand, la rossa di Brixton raggiunge a sorpresa il secondo posto delle chart Uk con In It For The Kill, la sua musica è istantanea ma mai banale e nonostante peschi ancora una volta dai suoni anni ’80, risulta libera da ogni vincolo, senza pretese e intelligente. In un paio di mesi è diventata un’icona di stile è impossibile non chiedersi Who’s That Girl? la prima volta che la si vede con quel look maschile che ricorda Tilda Swinton e quell’attitudine di chi sa il fatto suo. Elly Jackson incontra Ban Langmaid discepolo di Rollo dei Faithless a diciassette anni ad un party, e qualche anno dopo insieme formano i La Roux. Lui compone e produce in studio ma odia le luci della ribalta e sceglie l’anonimato mandando in scena solo Ellie che subito diventa La Roux come unica identità. Raggiungerla a Londra è un’impresa impossibile, la stampa le sta addosso pronta a divorarsi ogni sua singola mossa, così per incontrarla voliamo a Berlino a Kreuzberg, in un giorno di fine maggio in cui sole, grandine, pioggia e vento si alternano in un turbinio delirante e senza sosta, ma siamo pronti a sfidare tutte le intemperie pur di parlare con La Roux, a costo di sciuparle il ciuffo.

Ciao Ellie, o La Roux? Chiariamo questo fatto…

La Roux è un duo, ci si confonde non è vero? Ma questo mi diverte, siamo io e Ben. In studio siamo un duo ma in ogni altro posto sono solo io, è come funziona per Goldfrapp anche se siamo molto diverse! (scoppia a ridere). Io sono La Roux ovviamente perché sono quella con i capelli rossi, ma siamo comunque La Roux entrambi…

Un altro fraintendimento che ti riguarda è che per via del tuo nome d’arte e perché sei stata lanciata dalla Kitsunè, in molti pensano che tu sia francese…

E ancora più divertente è il fatto che molte persone pensano che io sia di Glascow solo perché ho i capelli rossi! E se sei rossa devi essere scozzese per forza no?!

Il tuo album omonimo suona fresco, spontaneo e innovativo, è stato difficile fare musica attingendo dagli anni ’80 senza cadere nei soliti clichè?

Sì. Il fatto è che mi sento come nata nell’epoca sbagliata, mi sarebbe piaciuto moltissimo poter vivere gli anni ’80 ma sono nata nel 1988, non sto cercando di copiare nessuno, ne tanto meno di apparire cool, sono me stessa e la mia musica è spontanea quanto lo sono io. Se qualcuno trova la mia musica banale o pacchiana è un problema loro non mio. Io amo i Chromeo ma loro sono come un gioco, scherzano con gli anni ’80, li prendono in giro eccentuandone le caratteristiche, la mia musica invece si rifà agli anni ’80 ma con un tocco attuale, moderno.

Parlami del tuo immaginario, è molto forte e personale, è qualcosa che ti appartiene o c’è una ricerca alle spalle?

È naturale e strano allo stesso tempo, ho parlato molto di questo anche con Kinga Burza che ha diretto il video di In It fot the Kill e Quicksand e del fatto che anche se non volevamo sembrare anni ’80 è stato impossibile non esserlo. Anche per il video di Bulletproof è successo lo stesso, avevo giurato a me stessa: non voglio essere ‘80! Ma alla fine è impossibile liberarsene anche se è una reinterpretazione moderna sono lo stesso anni ’80, non c’è altro immaginario che si sposa così bene con la mia musica.

La melodia ha un ruolo fondamentale nelle tue canzoni, credi sia il segreto per raggiungere la perfezione?

Credo sia il segreto per una buona canzone, ma per raggiungere la perfezione ci vuole anche un buon testo, senza non puoi ottenere una canzone segreta. Ho detto segreta invece di perfetta? Ahahah! Ok è vero ho scritto una canzone perfetta ma è un segreto è la canzone più bella mai stata scritta ma non dirlo a nessuno! (scoppiamo a ridere). Nel pop le melodie mi mettono allegria.

Le melodie molto allegre sono spesso in contrasto con i testi che parlano di storie d’amore finite male, sono personali?

La maggior parte dei miei testi li ho scritti piangendo anche se suonano gioiosi, sono totalmente personali, sono incisi nel mio cuore.

Nell’album c’è un pezzo molto bello si chiama Tigerlily, è impossibile non cantarla e verso la fine c’è una voce maschile paurosa in stile Thriller, di chi è?

Non ci crederai ma è di mio padre! Non posso negarlo è totalmente copiata da Thriller, lo abbiamo fatto per gioco ma poi l’idea di mettere un pezzo così sfacciato mi divertiva. Michael Jackson è il mio eroe, non com’è adesso! Sarebbe pietoso.

Andrai a vederlo in uno dei suoi cinquanta concerti londinesi?

No, non avrebbe senso, primo perché non voglio dargli i miei soldi e secondo perché non credo che sarà veramente lui ad esibirsi, rovinerei in un istante uno dei miei più grandi sogni. Lo avrei visto negli anni ’80 quando faceva buona musica non oggi, ripeto non oggi!

Sei diventata immediatamente una faschion Icon, (Ellie eccitata esclama Yes! Facendo il tipico gesto di chi ce l’ha fatta), grazie al tuo ciuffo, jeans scoloriti, camice stile Versace e l’inseparabile medaglione cameo…

Sì ho candeggiato decine e decine di jeans ma sto cercando di usarli un pò meno anche se mi piacciono sempre solo che quando una cosa diventa di moda non riesco più a metterla! Mentre adoro le camice in stile cheap Versace.

E la passione per i Cameo da dove nasce?

Non lo so esattamente, ne sono affascinata, come adoro gli stemmi araldici, compro sempre anelli e ciondoli che li raffigurano nei mercatini e soprattuto nelle stazioni dei treni, (mi mostra un anello con un cameo e un altro con uno stemma reale n.d.g.), non mi piace spendere molti soldi in gioielli. A parte questo grosso ciondolo a cameo che è di Sylvie Markovina, una designer di gioielli australiana che amo.

Dovresti farti fare un ciondolo con la tua silhouette, sarebbe perfetto!

L’ho fatto! L’abbiamo stampata sulle magliette del merchandise.

Immagino che i kids londinesi stiano cercando gia da tempo di copiare la tua pettinature…
Sì lo fanno… (Fa il broncio)

E questo ti dispiace?

No è molto divertente il fatto è che lo fanno male…

Come una brutta copia?

Non è una questione di bruttezza è che è veramente difficile ottenere questo effetto anche una volta che hai imparato come farlo, ci vuole molto tempo, e soprattutto devi avere i capelli tagliati per essere pettinati in questo modo non può farlo chiunque. Io adesso ci metto cinque minuti a farmeli, ma sono allenata.

Adesso che ti ho qui di fronte a me posso dire che sei dolcissima, gentile e simpatica, ma ammetto che in foto e nei video hai uno sguardo che mette in soggezzione, lo sai?

Davvero? Interessante, ma vedi io non so posare davanti all’obiettivo ridendo e molte spesso assumo uno sguardo arrabbiato, ma non sono arrabbiata, penso che il sorriso non centri nulla con la mia immagine o con la mia musica, guardami (posa con un sorriso a pieni denti) non sembrerei Joker? Ahahah!

Hai appena concluso il tuo primo tour come headliner com’è andato?

Bene ma è stato molto faticoso, le date erano una dietro all’altra e trattandosi di un NME tour suonavamo sempre in piccoli club sporchi, cool ma molto sporchi. Non c’era mai nemmeno il tempo di avere un pasto decente, perché ci trovavamo in posti come Preston in cui non sanno nemmeno cos’è un ristorante giapponese. Non ho nulla contro Preston ma sono posti in cui non c’è nulla se non Mc Donlad o Tesco, così mangiare diventa difficile e alla fine del tour ero ammalata e stanca.

Tu, Ladyhawke e Little Boots, possiamo parlare di una nuova scena femminile?

Forse. Se provenissimo dallo stesso posto sicuramente potremmo parlare di scena ma io sono di Brixton, Little Boots di Blackpool e Ladyhawke neozelandese, quindi parlerei più di una coincidenza anche se riconosco che abbiamo spunti comuni, forse più con Little Boots perché Ladyhawke è molto Fleetwood Mac, ma sono due artiste che mi rispetto molto.

Quando potremo vederti dal vivo i Italia?
Tra poco partirò per un lungo tour europeo che toccherà l’Italia a marzo, per la precisione Milano, non vedo l’ora!

AIRYS

2009-10-08T11:53:00.002+02:00

Il giorno che Esco, il primo video di Airys, ha fatto la sua comparsa on line la comunità notturna milanese, e qui mi ci metto in mezzo, ha messo in atto una vera e propria rivolta su Facebook e tra insulti, commenti a sproposito e poche critiche costruttive il nuovo progetto di Syria oggi Airys è stato demolito nell’arco della durata della canzone stessa, o forse meno. L’intento di Airys e dei suoi alleati, Giulio Calvino e Sergio Maggioni degli Hot Gossip, è stato quello di provare a fare un disco di musica electro pop, che strizza gli occhi ai grandi del settore. Le canzoni di Airys attingono da Kylie, Goldfrapp, Madonna, Yelle unendo ritmi disco alla tradizione cantautorale italiana di Battisti e allo stile electro della prima Bertè. Una novità in Italia diciamolo. La cosa che stride è la connotazione del progetto strettamente legata ad un ambiente notturno milanese, che ha fatto diventare il tutto quasi una propaganda a favore di certe serate e locali in cui regna la voglia di apparire, in foto, in video, di persona. Il video di Esco è molto bello e la tecnica stop motion in Italia in pochi l’avevano usata, un applauso al regista. Vivo Amo Esco è il titolo di questo e.p. ben prodotto e costruito ma con un difetto che non sta nella musica ma nel nome, perché Airys? girarsi il nome al contrario ok è un gioco, ma si può giocare anche restando se stessi, si è più credibili, soprattutto con una carriera decennale alle spalle. Ma anche mascherarsi fa parte del popolo della notte, no?

Come sei diventata Airys?

Da quando vivo a Milano, città maledetta in senso buono, ho imparato a diventare più curiosa. A Roma avevo un’altra attitudine e frequentazioni. Da quando ho cominciato ad andare ad Ibiza a fare la vacanziera mi si è aperto un mondo che mi ha fatto venire voglia di frequentare un po’ di realtà danzerecce. Dall’ultimo album che ho fatto come Syria insieme ai La Crus mi si è aperto un mondo, mi sono lasciata andare verso nuove esperienze. Poi nei locali ho conosciuto gli Hot Gossip e mi sono ritrovata a fare dei dj set insieme a Giulio e Sergio e ci siamo subito trovati. All’inizio mi han proposto di fare un solo pezzo, un’esperimento alla Roisin Murphy all’italiana con un’attitudine cantautorale più nostra. Alla fine ci siam divertiti così tanto che è diventato un progetto concreto e dal prestare la voce siamo diventati un tutt’uno, con la voglia di divertirsi come comun denominatore.

Perché ti sei girata il nome al contrario e non sei rimasta Sirya?

Perché non mi andava di tenere il nome Sirya perché vorrei continuare a fare quallo che ho fatto come cantante prima d’ora, mi piaceva l’idea di avere una doppia personalità. Ecco credo che questa sia un problema strettamente legato all’Italia, all’estero quanti sposano cause diverse e artisti che fanno folk si mettono a fare electro sotto uno pseudonimo? Allora mi butto anche io! Non devo dimostrare nulla a nessuno e non ho più paura, non credo ci siano altre mie colleghe dotate di questo coraggio.

Hai un passato decennale in cui hai fatto un sacco d’esperienze diverse, è stato difficile sopravvivere?

Sì! Ma ti dico la verità, oggi mi sono rotta i coglioni di quella grande esposizione che ho avuto in passato, mi è servita e mi sono aiutata passando dal neomelodico, al radiofonico, lavorando con Jovanotti, Tiziano Ferro, Giorgia e tanti altri. Oggi esistono X-Factor e Amici e se voglio sopravvivere al sistema preferisco fare le mie cose anche se andranno a scontarsi con realtà che sono diverse dalla mia abituale. Oggi mi godo le cose in un altro modo e sono felice, tanto.

Oltre agli Hot Gossip hai coinvolto un po’ tutta la italo disco del momento in questo progetto…

L’italo disco del nord! Dariella, Amari, Peluche, Cecile, Titan, NT89, son tutti dj che mi è capitato di conoscere in questi anni in cui mi sono confrontata e siamo diventati un gruppo, per questo ho fatto remixare loro le mie canzoni.

Il video lo hanno girato i ragazzi di Died Last Night, è molto bello e innovativo per Italia…

I ragazzi di Died Last Night hanno scattato dodicimila foto per realizzarlo, il video di Esco per me è un documentario sul mio mondo notturno, non so come verrà percepito ma io sono contenta se il video passerà di notte, non mi interessa la heavy rotation.

Il primo riferimento che ho sentito ascoltando Esco a livello vocale è Loredana Bertè, cosa ne pensi?

Mi fa molto piacere, in effetti è un ottimo riferimento, perché è un po’ scanzonata com’è lei, io nel 96 ho vinto Sanremo giovani con un pezzo della Bertè che è Sei Bellissima quindi vedi, tutto torna, Loredana è nel mio cuore.

Io Ho Te invece è una cover della Rettore…

Amo quel pezzo, è cattivo e aggressivo, è la mia preferita del disco.

Kylie, Roisin Murphy, Madonna, Goldfrapp, Uffie, Yelle, c’è un po’ tutta la storia dell’electropop nell’ep dagli ottanta ad oggi.

Sì ma in versione “De Noantri” ahahah! Airys è un progetto totalmente pop, noi lo chiamiamo power pop-electro club, che non vuol dire tutto e nulla. Però ammettiamolo, in Italia questa cosa ancora non è uscita, siamo stati i primi senza essere estremi, abbiamo assorbito l’influenza estera e l’abbiamo interpretata. Io credo che dopo il primo concerto dei Justice a Milano è cambiato tutto, è esplosa una scena e si è ramificata, la musica è cambiata e c’è voglia di accogliere tante cose fine ad arrivare a raggiungere il proprio stile. In futuro.

Come pensi verrà recepita Airys?

Questo per me è un esperimento, per molti rimango Sirya, chi mi conosce sa che da me ci si possono aspettare certe cose soprattutto dopo il disco Un’altra Me, e molti puntano il dito soprattutto su Facebook dove mi dicono che non posso permettermi di fare questo perché tanto sono sempre quel che sono. Ma mi diverte, è un confronto continuo e non mi pesa, la verità è che non voglio criticare nessuno, faccio le cose in nome di un po’ di felicità. L’importante è farle dignitosamente.

Marco Cresci

THE DO

2009-10-08T11:42:00.002+02:00

Prendete un compositore di colonne sonore francese, intimista e tenebroso e fatelo incontrare con una finlandese sexy e rockettara, due personalità e due mondi così lontani e diversi quando si incontrano generano attrito o accade la magia, è questo il caso dei The DO. Dan Levy e Olivia Bouyssou Merilathi, le cui iniziali formano il nome della band oltre che quello di una nota musicale, nascono artisticamente a Parigi, lei arriva dalla scena rock finlandese, lui crea colonne sonore, A Mouthful è il titolo del loro primo album in cui la malizia di Olivia che si muove come una Lolita, si mescolano all’esperienza di Dan, l’uomo maturo, creando un impasto indie folk rock sensuale, scazzato e accattivante. La voce di Olivia si muove sui binari del polistrumentista Dan come un rollercoaster in un parcogiochi, ci sono cadute vertiginose, loop, svolte inaspettate, ma anche salite in cui tirare il fiato, prima di precipitare di nuovo in un turbine di divertimento.

Ciao Olivia, mi racconti come hai incontrato Dan?

Ci siamo incontrati nel 2004 a Parigi, stavamo lavorando entrambi ad una colonna sonora ma separatamentre, ad un certo punto ci siamo ritrovati a dover comporre delle canzoni inisieme e ci siamo trovati così bene che abbiamo formato la band.

Quindi anche tu come Dan componi colonne sonore?

No è stata la mia prima ed unica volta, Dan è un veterano compone per la tv, per il teatro, per propiezioni d’arte contemporanea, io invece ho diverse band alle spalle con cui ho suonato, ho vissuto quell’esperienza più come un gioco.

Quindi tu sei l’anima punk dei The Do!

Ahahah! No dai! In effetti mi son trovata a suonare strumenti che non avevo mai suonato prima, Dan è un polistrumentista bravissimo quindi mi ha insegnato ha suonare il basso e la chitarra, in questo sul palco sono sicuramente punk, non avevo mai cantato e suonato contemporaneamente prima.

Insieme siete un curioso miscuglio di razze e personalità, avete gusti simili o vi scontrate?

Siamo diversi perché come hai detto tu proveniamo da diverse culture, Dan è nato e cresciuto in Francia ma sua mamma è inglese e suo papà ha origini asiatiche, io ho la mamma finlandese e il papà francese quindi abbiamo questo mix di culture. Dan mi ha fatto scoprire il lato strumentale della musica, esplorando il jazz e la musica classica, lui è un ragazzo da studio mentre io gli ho mostrato la melodia, il pop, e come ci si esibisce su un palcoscenico.

Mi piace molto il modo in cui canti, la tua voce sembra quasi uno strumento e mi piace la tua attitudine scazzata, a volte sembra che sei quasi annoiata, come una ragazza viziata che deve cantare per forza, ti ci ritrovi in questo?

Ho my God! Ahahah! Il nostro intento era quello di fare qualcosa di diverso nella musica e nel cantato, per questo gioco un sacco con la mia voce nel disco. Non è stato così facile, anche perché nessuno di noi due sapeva come comporre un album, non lo avevamo mai fatto prima quindi abbiamo iniziato scrivendo canzoni più che un album. Abbiamo cominciato per divertimento, scrivendo canzoni per noi, le prime canzoni che abbiamo creato sono state Playground Hustle e Queen Dot Kong che sono i duei episodi più sperimentali del disco. Ci siamo divertiti un sacco, lo studio è la nostra casa.

So che avete suonato degli oggetti comuni per ricreare dei suoni, mi fai qualche sempio?

E’ uno dei nostri passatempi preferiti ricavare suoni da oggetti che non sono strumenti, mi ricordo quando abbiamo spaccato un vaso di fiori interrati sul paviento, un suono davvero curioso, o quando siamo usciti per strada in cerca di un martello pneumatico!

La prima frase che pronunci in Playground Hustle traccia che apre l’album è “We Are Not Crazy”, è una dichiarazione?

Perché lo siamo! No? Abbiamo messo quella canzone all’inizio dell’album perché è una delle meno convenzionali, ci divertiva l’idea di far trovare qualcosa d’inaspettato all’inizio del disco, iniziamo una rivoluzione! E’ un atto di ribellione perché prima di allora avevamo lavorato insieme ma solo sotto la guida di un regista che ci chiedeva specificatamente cosa fare, in studio ci siamo trovati liberi e questa euforia si è trasformata in tante canzoni. La nostra etichetta non voleva Playground Hustle come prima tarccia, insinuava che la gente sarebbe scappata ascoltandola, così abbiamo lottato per metterla proprio in apertura. Libertà!

Io credo che al massimo incuiriosisca chi l’ascolta nel voler sapere cosa succede dopo…

Esatto! Grazie, per noi è la canzone che rappresenta al meglio la nostra musica.

I tuoi testi sembrano dei racconti, il giusto mix tra fantasia e realtà, è così?

Sì, non mi piace scirvere i testi come un diario, ma mi piace raccontare storie partendo da spunti personali, come se dovessi raccontarle ai miei figli anche se ancora non ne ho, ma senza essere infantile, mi piace usare l’immaginazione e farcirla di simboli. I racconti che mia mamma mi raccontava da piccola in finlandese mi hanno influenzato molto, racconti molto forti legati alla nostra tradizione.

Toglimi una curiosità, nelle vostre foto Dan sta sempre giocando con i suoi vestiti, si allaccia i pantaloni, si abbottona la camicia, come se fosse stato appena colto sul fatto…

Eheheh, beccato! Dal mio punto di vista sono foto molto spontanee, la maggior parte sono state scattate in Florida durante una vacanza, poi lasciamo spazio all’immaginazione di chi le guarda…

Di cosa non puoi fare a meno in questo momento?

Dei leggins! Non riesco a liberarmene, non riesco più ad infilarmi in un paio di pantaloni.

Si parla di vestiti, hai un designer favorito?

Credo che i designer giapponesi abbiano l’immaginazione più fervida, creano vere opere che sono per me la continuazione delle storie che amo leggere o scrivere. Nei loro vestiti c’è la storia, non si prendono troppo sul serio e amano osare con i colori come fa Tsumory Chisato uno dei miei preferiti.

So che hai registrato un paio di canzoni con Luke Pritchard dei The Kooks, che fine faranno?

Ma questo era un segreto! Sai che non lo so, probabilemnte verranno usate come b-side dai Kooks, mi piace molto la sua voce e a lui la mia, ci siamo conosciuti ad un festival in Inghilterra e alcuni giorni dopo abbiamo registrato un paio di cover degli anni ’60. Spero di sentirle presto.

Il disco che non riesci più a togliere dal tuo lettore?

Sono due, Alcohol di Goran Brecovic, un musicista fantastico e The Sicilian del tenore Roberto Alagna, ho una passione innata per le canzoni napoletane.

Marco Cresci

SCOTT MATTHEW

2009-10-08T11:39:00.002+02:00

Cantautore dall’anima fragile e dalla voce flebile, Scott Matthews sì è fatto notare con il suo omonimo debutto e con la sua interpretazione canora nel film culto Shortbus. Corteggiato dal mondo della moda, icona della scena gay underground e songwriter di talento, l’australiano fuggito a New York pubblica l’atteso secondo album There is an Ocean that Divides… ed è di nuovo magia, poesia, malinconia, sussurri su chitarre pizzicate che avvolgono testi intimi, sali e scendi emotivi e un romanticismo che oggi si fatica trovare nel cantautorato. Barba lunghissima e ciuffo davanti agli occhi si capisce subito che Scottie, come ama farsi chiamare, è timido, introverso, solitario, ma dategli un bicchiere di vino e una platea di amici e si trasforma in un cabarettista, sagace, pungente e affascinante. Impossibile mascherare i suoi sentimenti e come titola il nuovo album, l’oceano e la lontananza che lo divide dai suoi desideri ed aspirazioni ci arrivano con tutta la sua forza culmimando in questo atto d’amore per la musica.

Quali sono i temi che dominano il nuovo album?

I soliti! Ahahah! Miseria, brama, assenza d’amore, desiderio, sono temi sempre presenti nelle mie canzoni, ma credo d’aver aquisito in questi ultimi anni più confidenza con me stesso e l’aver ricevuto molte gratifiche mi ha aiutato. Per questo nonostante fossi sempre impegnato ho trovato il tempo di fare l’album e poi avevo praticamente tutte le canzoni pronte, le ho scritte durante il tour.

Quindi è un album nato on the road?

Sì perché sono stato in giro per due anni, appena avevo tempo scrivevo nel van o in una camera d’hotel poi quando sono tornato a New York ho raccolto le idee e sistemato il tutto.

Ti preoccupi del giudizio altrui mentre crei un album?

Sì e per questo cerco di non farlo, la paura fermerebbe il processo creativo, ma ogni volta che il disco è finito e viene mandato in stampa ho una specie di crisi di nervi perché divento consapevole del fatto che le persone lo ascolteranno giudicandomi. E’ spaventoso.

I tuoi testi sembrano poesie, hai studiato o è il tuo modo spontaneo di scrivere?

Non ho mai preso lezioni ne in musica ne in poesia, sono una specie di dumb ass! Il mio modo di scrivere è sempre stato questo, forse in questo album ho deciso di sperimentare un pochino ad esempio ci sono due canzoni Dog e German in cui ho cercato di scrivere da un'altra prospettiva, senza raccontare in prima persona ma facendo parlare un personaggio.

Credo sia dai tempi di When the pown… di Fiona Apple, che non ci troviamo di fronte ad un titolo lungo quanto quello del tuo nuovo album, There is an ocean that divides and with my longing I can charge it with a voltage that's so violent to cross it could mean death” …

E’ vero non ci avevo pensato, ma sai cosa mi ha spinto a farlo? Tutte le persone che mi han detto di non farlo perché suonava pretenzioso, autoindulgente o stupido. Per me è un bel pezzo di prosa che doveva assolutamente finire in una canzone che poi è divenatta la title track, trovo sia perfetto per esser sussurrato come titolo dell’album. Inoltre credo che esprima in una frase tutto quello che vorrei dire ed è intenzionalmente romantico e drammatico.

Leonard Cohen ha detto: “Potrei passare un anno intero a scrivere lo stesso testo in cerca della sua perfezione”, tu come la pensi?

Lui è un perfezionista, io no, per me sarebbe un enorme perdita di tempo lavorare in quel modo! Per me è qualcosa di molto spontenao, qualche volta torno in dietro e cambio qualcosa in fase di registrazione ma non mi piace tornare più volte su quel che ho fatto, prefersico pensare al passo successivo. Ammiro il modo di lavorare di Cohen perché vuol dire che è estremamente cosciente in quello che fa, io sono meno attento al mio songwriting, accade e basta.

C’è un tema ricorrente nelle tue canzoni?

Stranamente in tutti i miei due album parlo molto di Dio e non sono assolutamente religioso…

Quindi perché ti sei trovato a parlarne?

Perché Dio è un simbolo universale con il quale chiunque può relazionarsi, almeno credo, sono cresciuto in un ambiente religioso ma non andavo in chiesa e non provo ne paura, ne colpe, ne vergogna se penso alla religione, ma credo che inconsciamente Dio faccia parte della mia vita. Mi sono trovato molo a pensare ai valori medi che la società t’impone rispetto a quelli che sono i miei valori. Poi ci sono l’amore, la perdita, la solitudine che è sempre presente nei miei testi, anche quando canto d’amore c’è sempre una spruzzata di malinconia.

Ti è mai capitato di fermarti e pensare “Cosa sarebbe successo se non avessi fatto quel che ho fatto”?

Sempre, io sono molto insicuro, mi sento vulnerabile soprattutto quando sono sul palco, ora sono più a mio agio ma all’inzio guardavo il pubblico e pensavo: Ma chi me lo ha fatto fare? Odio espormi perché è faticoso ma sto imparando a sentirmi parte del palco e non solo un suo complemento.

Come passi il tuo tempo libero?

Cazzeggiando con gli amici e bevendo troppo! Sono cresciuto in campagna quindi quando posso scappo da New York per andare verso la natura, è una sorta di richiamo istintivo.

A proposito di New York, anche tu credi sia cambiata in peggio?

Oh si, drasticamente! Ha perso quella spontanea creatività che l’ha resa famosa, non c’è più eccitazione, fermento, ma c’è più sicurezza e tutto costa tantissimo, uno scambio vantaggioso no?

Hai un angolo prerito della città?

Waterfront sull’East River a Brooklyn, c’è un parchetto dimenticato che affaccia sulla spiaggia e d’estate io e i miei amici vi passiamo tutto il tempo, in realtà la chiamiamo spiaggia ma è acqua tossica e ci aspettiamo sempre che prenda vita da un momento all’altro. Ahahah!

Le tue canzoni hanno un lato tenero e fragile, ma tu come sei?

Fragile, tenero e con uno spiccato senso comico, amo ridere e rido tantissimo, le persone buffe e divertenti mi attraggono e mi aiutano ad allontanarmi dalla solitudine che ho sempre presente in me. C’è un grosso clown nascosto in me.

Cosa ti manca di quando eri bambino?

Che non avevo responsabilità e non dovevo pagare le tasse, odio i doveri di un adulto anche se non ho avuto un’infanzia idilliaca quindi ci sono anche molte cose che preferisco dimenticare.

Avevi un giocattolo preferito?

Non avevo giocattoli, avevo animali, vivevo in un fattoria, giocavo con le galline, con i conigli e con le mucche. I cespugli australiani erano il mio campo giochi…

Cosa ti spaventa?

Faremmo prima a parlare di quello che non mi spaventa. Mi spaventa l’idea di non riuscire a coltivare una relazione, non riconoscere l’onestà delle persone, perdere l’abilità di avere speranza e diventare cinico, non potrei mai sopportare l’idea di diventare cinico, cerco sempre di essere ottimista.

Ti senti mai colpevole per un tuo vizio?

Le sigarette! Le amo e le odio non posso stare senza e poi la televisione, la amo.

Cosa ti piace guardare?

Tutto quello che è spazzatura, il canale dei gossip, i reality, e un sacco di serie amo Big Love.

Hai mai pensato di trasferirti?

Da New York sì ma non credo che potrei mai lasciare l’America perché ho costruito un collettivo che è anche la mia famiglia con cui lavoro benissimo e al quale non potrei rinunciare.

Riesci ad immaginarti senza barba?

No! Morirò con questa barba, seriamente, sono dieci anni che ce l’ho e credo che sarebbe un orrendo shock per me guardarmi allo specchio sbarbato, come se al mio posto vedessi Michael Jackson.
Ahahah! Correrei a comperarmi una barba finta in attesa che la mia ricresca.

Scott Matthew
17 luglio, Ferarra sotto le stelle, ingresso gratuito.

PETER BJORN & JHON

2009-10-08T11:29:00.004+02:00

Chi non è stato contagiato dal fischiettio di Young Folks alzi la mano! Canzone simbolo dell’estate 2006 sdoganò definitivamente il pop folk strampalto e creativo del trio svedese Peter, Bjorn & John, prima di allora gruppo di nicchia idolatrato nel settore e fonte d’ispirazione per diversi artisti, prime su tutte le Au Revoire Simone. Ciò che si fa apprezzare maggiormente di questo trio è l’originale spontaneità che convive in ogni album compreso Living Thing, il loro quinto, in cui devono dimostrare di non essere il classico fenomeno da una hit. Il nuovo album va oltre il pop gioioso che li ha resi celebri, è un’avventura sonica colma di chitarre darkeggianti, synth, drumbeat, semplici melodie vocali, cori di bambini e deliziosi handclapping. Un disco da scoltare in cuffia, per coglierne ogni sottile intuizione, meglio di notte su un’altalena del parcogiochi di quartiere, illuminati solo dal chiaro di luna.

Peter, ogni vostro disco si differenzia dal precedente, Living Thing è il quinto, non dev’essere facile riuscire a creare qualcosa di nuovo ogni volta…
No non lo è, ma non ci piace ripeterci, non vogliamo annoiarci di noi stessi, la nostra sfida quando iniziamo a lavorare ad un nuovo album è sempre quella di valicare i nostri confini e spingerci musicalmente dove non siamo mai stati. Prima di stupire l’ascoltatore vogliamo stupire noi stessi. Questo album dopo il successo di Young Folks ci è servito come terapia, per la prima volta non siamo entrati in studio di getto e abbiamo creato, il disco è nato negli sprazzi di tempo libero che ci concedevamo quando ne sentivamo il bisogno, questo ci ha permesso di curare ogni dettaglio. Non si può duplicare il successo, va conquistato di volta in volta.

Questa volta non ci sono fischiettii ma handclapping sparsi qua e là, vi divertite a ricreare suoni con parti o abilità del corpo?

Assolutamente, ci piace ricreare suoni da oggetti non comuni non solo utilizzando il nostro corpo, in questo album abbiamo suonato scatole di fiammiferi, bottiglie, coltelli, un ombrello… cerchiamo di non annoiarci insomma!

Nel singolo Nothing to Worry About c’è un coro di bambini, com’è stato lavorare con loro e cosa ha ispirato il pezzo?

Quando abbiamo scritto il pezzo avevamo in mente di fare qualcosa sullo stile di Hard Knock Life di Jay Z, abbiamo un amico che insegna alla School of Rock di Vasteras in Svezia un posto incredibile per i ragazzi che vogliono iniziare a suonare, ci ha suggerito due ragazzine molto talentuose che abbiamo tarsformato in un coro.

L’album si chiama Living Thing ma in copertina c’è il disegno di una natura morta con tre teste d’animali impagliate, un contrasto voluto?

Quando facciamo un nuovo album abbiamo un paio di regole che ci piace seguire, la prima è che il titolo dev’essere composta da due parole che si devono poter dividere in tre sillabe, e dopo l’omonimo debutto abbiamo avuto Falling Out, Writer’s Block, Seaside Rock e adesso Living Thing, mentre in copertina ci devono essere sempre tre oggetti che rappresentano i membri della band. Inoltre credo che il disegno di Thomas Broomé rifletta perfettamente la musica, il titolo si riferisce anche al fatto che noi siamo tre individui che vivono e pensano separatamente ma quando siamo insieme diventiamo una band, quindi un oggetto vivente.
A proposito di voi ragazzi, come coordinate le vostre teste in studio, litigate o avete idee molto simili?
Litighiamo! Ma credo che litigare sia molto creativo, se andassimo d’accordo tutto il tempo credo che la nostra musica sarebbe ovvia e noiosa. Io canto e loro suonano così quando devono fare i backing vocals io li sgrido e pretendo il meglio da loro e così fan loro con me quando suono. Prima di iniziare a fare un album facciamo sempre dei mix cd con la musica che ci piace in quel momento, e dopo averla ascoltata decidiamo che ci piace un giro di basso, o un suono di batteria, è molto più facile tornare in dietro ad ascoltarlo che stare a spiegare a voce quello che vorremmo ottenere. E se pensi che io ascolto musica rockabilly, John musica classica speriemntale e Bjorn elettronica e dance il risultato è sempre interessante. Inoltre nei nostri mix cd’s c’è sempre la musica che ascoltavamo da ragazzi nelgi anno ’80 come i Duran Duran, gli A-Ha, Depeche Mode, Paul Simon, Fleetwood Mac e anche tanto funky, hip-hop e pop africano con un sacco di percussioni.

L’ultimo artista che hai scoperto e che ti ha sorpreso?
Existence Minimum, è un batterista svedese ma è anche un ottimo singer/songwriter, crea pop dal sapore kraut, dark e minimalista, un mix tra pop svedese, New Order e i Can. Incredibile!

THE HORRORS

2009-10-08T11:19:00.004+02:00

Freak of nature, weirdo, posers, boy band noir, rock meteors, insulti e sbeffi si erano sprecati all’epoca del debutto dei The Horrors, ma i cinque ragazzi di Londra hanno sempre trovato rifugio tra le pagine di Hot che folgorato dal loro impeto creativo punk e sregolato, aveva dedicato loro una copertina ciascuno nel giugno ’07. Oggi i The Horrors tornano e sembrano un’altra band, loro sono sempre gli stessi, meno trucco stessa quantità di nero indosso, ma abbandonato il punk garage dell’età inquieta nel nuovo disco Primary Colours che sbalordirà chiunque li ha calunniati a oggi perché è un album che incanta, pieno di sfumature, tessiture elettroniche, di riflessi e giochi di luci, toruosi, cerebrali, psichedelici con riferimenti al passato e soluzioni avant garde. Vogliamo vedervi tutti restare a bocca aperta, scettici che non siete altro e che vi siete basati solo sulle cotonature di cinque ragazzatti con il talento che gli scorre nelle vene. In un giorno troppo caldo d’inizio aprile abbiamo incontrato Rhys Spider e Josh Third sul tetto di un hotel di Milano, e con un wiskey e coca sotto il sole abbagliante, abbiamo chiacchierato perdendo lentamente coscienza merito anche dei loro capelli a fungo che hanno indotto un effetto allucinogeno. Sembrava d’essere nel deserto, tra cactus e scorpioni, con la vista ondulata, un’eperienza quasi mistica che rivive in ogni traccia di Primary Colours un album maturo, moderno, visionario.

Che cambiamento ragazzi, cos’è successo?

Spider: Tante cose ci sono successe dopo che è uscito il primo album, siamo stati un anno intero in tour, siamo cresciuti come gruppo, abbiamo aggiunto un gradino alla nostra esperienza, chi ci ha sentito suonare all’inizio e alla fine del tour può dire di aver visto due band diverse da quanto siamo cambiati. Il fatto è che non abbiamo dato retta a nessuno e siamo andati avanti per la nostra strada, abbiamo preso confidenza con noi stessi e che abbiamo capito che non dobbiamo relazionarci a nessuno ma solo pensare a migliorare noi stessi. Finito il tour siamo entrati subito in studio pieni d’idee, eccitati e la prima cosa che abbiamo fatto è stata quella di metterci in discussione cambiando strumento. Io ho abbandonato le tastiere in favore della basso, e Tom il nostro bassista è passato alle tastiere, ma non avevamo fretta, avevamo tempo e ce lo siamo preso.
Josh: Non abbiamo premeditato un cambiamento, è successo, ci siamo messi a suonare per giorni e credo che il risultato sia il riflesso di quel che avevamo in testa in quel preciso momento.

Strange House era un album punk in bianco e nero, Primary Colours mantiene intatta la vostra identità ma è pieno di sfumature e tessiture impreviste, si riferisce a questo il titolo, oggi vedete a colori?

S: Grazie di averlo notato, molti tendono a dare giudizi affrettati etichettando il nostro album come “molto dark”, lo abbiamo scritto per la maggior parte la scorsa estate, e credo ci siano molte altre qualità che vanno al di là del dark, che assume il valore di un’etichetta. Eravamo molto interessati nell’elevare il nostro stato mentale trasportandolo in musica, è complicato da spiegare, ma per noi questo è un album gioioso. I colori primari sono un punto di partenza con cui puoi dipingere tutto quello che vuoi, in ogni modo, la musica è vibrante, distorta, quasi psichedelica e in continuo movimento come un dipinto.

Io credo ci sia molto romanticismo nel disco, che dite?

R: E’ un disco decisamente romantico, è un album molto british che parla d’amore per la musica, il romanticismo è un eredità della musica anglosassone. Sicuramente è un disco pieno di passione.

E’ vero ci sono spazi aperti, inaspettate virate gioiore, un cantato melodico ma l’album è stato scritto in una stanza senza finestre…

S: Sì, era la nostra sala prove a Londra, potevamo entrarci e suonare ogni qual volta ci passava per la testa, anche se in realtà passavamo giorno e notte in quella stanza. Si è creata una strana alchimia tra di noi e quel luogo, quando entravamo in quella stanza il mondo del disco era reale, prendeva vita solo in quelle quattro mura, come un’esperienza surreale ma vera, che ci ha permesso di perderci nel disco d’intraprendere un viaggio mentale. Eravamo molto eccitati all’idea di scrivere questo disco e mentre accadeva eravamo consapevoli che stava accadendo qualcosa di speciale.

Com’è successo che Geoff Barrow dei Portishead ha deciso di produrvi l’album?

S: Lo abbiamo conosciuto la sera della reunion ufficiale dei Portishead, la prima volta che hanno suonato Third dopo dieci anni di assenza sulle scene. Alla fine del concerto ci siamo trovati a parlare di apparecchiature, chitarre, tastiere vintage, c’è stata un intesa immediata. Così decidemmo di lascirgli il nostro demo e di farci sapere cosa ne pensava, dopo alcuni giorni ci ha richiamato entusisata e abbiamo deciso che avrebbe prodotto l’album. Uno dei nostri obiettivi era quello di sperimentare il nostro suono e i Portishead sono dei pionieri in questo, Geoff è un grande collezionista di vinili e abbiamo passato ore a parlare di produzioni degli anni ’60 e ’70, è stato quasi naturale lavorare con lui, quando è arrivato in studio avevamo già cominciato a registrare e lui ha rispettato il nostro lavoro senza invadere il nostro spazio.

Come siete passati da una major ad un’etichetta indipendente come la XL?

R: Non ci hanno rinnovato il contratto e ci hanno aperto le porte verso la libertà! Sia chiaro, alla Universal non ci hanno mai detto cosa dovevamo fare, ma avevamo l’impressione che nessuno avesse la minima idea di quel che stavamo facendo, ne tanto meno da dove venivamo musicalmente, volevano farci scrivere una hit radiofonica e ci descrivevano come “strani” perché secondo loro avremmo fatto presa sui ragazzini. Ma la nostra musica non è proprio per ragazzini…
S: La cosa ridicola e paradossale è che Primary Colours è la cosa più accessibile che abbiamo mai fatto da quando esistiamo, ma alla XL possiamo fare quello che vogliamo senza doverne rendere conto a nessuno!

Spider cosa mi dici del tuo progetto Spider and the Flies?

E’ nato dal mio primo contatto con i sintetizzatori, io e Tom abbiamo iniziato a fare casino con i synth dai tempi del primo album, eravamo interessati nell’esplorare l’elettronica e così abbiamo inziato a collezionare macchine con cui farci i nostri viaggi senza barriere, è stato un pò come un crossover per noi tra il primo e il nuovo album. Abbiamo pubblicato l’e.p. Something Clockwork This Way Comes, ma è stato più uno scopo per raggiungere un obiettivo che si è concretizzato nel nuovo disco degli Horrors, questo sipario creativo ha decisamente influenzato Primary Colours.

Spider, cosa t’ispira di più nel comporre musica?

Gli stati mentali, l’emozioni, il provare qualcosa quandi senti un suono che provenga da un synth o da una chitarra, anche la canzone perfetta pop è quella che colpisce immediatamente l’ascoltatore a e si fa sentire in testa, negli occhi arrivando al petto. Questo m’ispira. Oddio mi sento cotto dal sole…

Non c’è un filo d’ombra, probabilmente tra poco avremo un miraggio… a proposito quando crei musica la configuri visivamente?

S: La musica per me è qualcosa di visivo e… oddio mi sono perso tutto… puoi andare avanti tu…
R: Siamo interessati ad un suono cinematico in grado di evocare emozioni, a differenza del primo album che era più fatto di flash e suoni violenti, questo sembra più una lunga sequenza psichedelica, un lungo suono astratto.

I vostri esordi risalgono al Junk Club di Southend, com’è cambiata da allora la scena indie a Londra?

S: Non molto, è uno schifo, se sei un ragazzino e vuoi suonare la tua musica a Londra è quasi impossibile, ai tempi a Southend ma anche a Hoxton si è cercato di proporre qualcosa di nuovo e diverso scavallando gli schemi dettati dal mercato, valicando i confini di Londra per poter esser liberi di suonare. Il problema è che inseguito l’industria discogrfica ha creato intorno a questo fenomeno una scena fasulla, improvvisamente tutti venivano da Hoxtone o da Southend solo perché era cool ma la verità è che la maggior parte di queste band facevano schifo infatti sono durate il tempo di un singolo. Ma noi abbiamo ancora i nostri locali dove ci rifugiamo a metter musica quando vogliamo.

Dove avete lasciato il make up?

S: Da nessuna parte, ci siamo evoluti, come la nostra musica. Possiamo spostarci all’ombra?...

R: Sarà colpa del wiskey? Ordiniamo un vodka lemon!

FISCHERSPOONER

2009-10-08T11:12:00.003+02:00

Tutti conosciamo i Fischerspooner, artisti polivalenti esplosi in pieno fenomeno Electroclash nel 2001 e creatori dell’inno Sounds Good, Looks Good, Feels Good Too che va a riempire le note sintetiche di Emerge, canzone simbolo di un’era. Non tutti però hanno avuto la fortuna di conoscerli da vicino, o meglio conoscerlo perché Warren Fischer il macchinista dell’operazione non si concede mai a nessuno mentre Casey Spooner performer e mente creativa è amico di tutti nemmeno fosse il più agguerrito dei pr, o forse lo è se al terzo album tutti siamo ancora qui ansiosi di farci due chiacchiere. Casey è un ragazzo semplice e imprevedibile allo stesso tempo, è la terza volta che lo incontro e trovo un sorriso complice ad accogliermi, probabilmente non si ricorda di me, ma la mia faccia non gli è di certo nuova, ero un’hardcore fan della band e migravo a Londra per vedere le prime e infami performance del duo. Casey è qui per parlare di Entertainment nuovo album electropop del combo newyorkese che mischia musica a teatro, danza a visual avant garde in un modo che solo loro sanno fare, ma il primo a porre una domanda è lui a me.
Senti Marco ma tu hai visto tutti e due i tour dei Fischerspooner?
Sì più di una volta, in Inghilterra, ricordo la vostra performance al Meltdown Festival, la gente vi tirò dietro degli hot dog!

Oddio! Credo tu abbia avuto la fortuna di vedere uno dei nostri migliori show in assoluto! Ti ricordi il costume da Elton Jhon? e quando ho drogato quel ragazzo sul palco? Io ballavo schivando panini… Unreal!

Ricordo il ragazzo ho sempre pensato fosse per finta…
No non lo era, eravamo pazzi! E più la gente ci copriva d’insulti e più noi ci gasavamo. Ma torniamo al punto, sto preparando il nuovo show e come sai il tour di #1 era una specie di karaoke extravaganza mentre per Odissey con una vera e propria band costruimmo un concerto rock. Oggi devo dare la mia risposta definitiva e non so se tornare alle origini e dar vita ad una nuova performance, ma attenzione, siamo in recessione quindi non avrei i soldi per fare le cose con il botto, oppure se creare un ibrido e inserire una batteria e una chitarra nelle coreografie. Dammi una risposta secca.

Onestamente io ti vedo come un performer e credo che la gente che va a vedere i Fischerspooner si aspetta uno show e di vedere una band che suona live non gliene importi nulla, quindi back to the roots!
Ok grazie. Quando ho il cervello pieno d’idee non so prendere una decisione così chiedo ad una persona estranea al contesto di decidere per me, ad esempio lo scatto che vedi in copertina del disco lo ha scelto un ragazzo che mi sono portato a casa una sera che ho fatto le ore piccole in un club. Capisco possa sembrare azzardato come metodo ma è semplice e lava via le responsabilità.

Quindi torniamo ai nostri ruoli io domando e tu rispondi?
Let’s go!

Abbiamo appena parlato di tornare alle origini, io credo che anche la musica di Entertainment sia un ritorno all’electropop oltre che alle tue origini di performer, tu cosa dici?
Prima d’iniziare a lavorare a questo disco ho passato due anni sul palco insieme alla compagnia teatrale The Wooster Group e ho interpretato l’Amleto nei panni di Laerte. The Wooster Group non è una compagnia convenzionale ma un gruppo all’avanguardia che usa la tecnlogia audio visiva riuscendo ad integrare lo spettatore nella rappresentazione. Ho imparato cose incredibili lavorando con loro. Quando abbiamo iniziato come Fischerspooner ci esibivamo nei piccoli teatri di New York, quindi anche quest’esperienza è stato un ritorno per me. Sicuramente ho messo in gioco anche il mio lato da performer scrivendo questo album che esplora, tutte le sfaccettature dell’intrattenimento partendo da cos’è e da chi siamo noi. Questa esperienza teatrale e lo showcase che Madonna ha fatto a New York per lanciare Hard Candy sono state le maggiori fonti d’ispirazione per me di quest’ultimo anno, vedere Madonna in un posto piccolo sola su un palco a tenere la scena mi ha illuminato, è stata un’esperienza quasi religiosa.

Dopo il clamore di Emerge da voi ci si aspettava il botto e invece il vostro album precedente, Odissey, non ha venduto molto. La prima traccia di Entertainment s’intitola The Best Revenge, devo cogliere qualche messaggio subliminale? Magari conro la major che vi ha scaricato…
Ahahah! No ma grande! Mi piace questa chiave di lettura, anche se la Capitol records all’epoca ci seguiva su appalto, a proposito ma esiste ancora oggi la Capitol records? In ogni caso era difficile per loro promovere il nostro disco mentre venivano licenziati uno dopo l’altro…

Tornando alla canzone, può esser letta come un omaggio a Bowie? Mi ricorda Ashes to Ashes…
Amo Bowie e recentemento durante un viaggio a Berlino ho scoperta i suoi album berlinesi che sono incredibili, non so se quando ho scritto questo pezzo avevo lui in mente ma ci hai preso perchè nella canzone suona lo stesso sassofonista che ha suonato nel disco di Bowie.

Entertainment è un album meno aggressivo e più speriementale del precedente, in ogni canzone succedono molte cose, quanto vi siete divertiti nel farlo?
Moltissimo! E’ stato divertente e tortuoso allo stesso tempo, mentre io sono molto spontaneo e parto a razzo Warren è la persona più pigra e lenta che io conosca, anche per questo abbiamo deciso di registrare l’album allestendo uno studio in casa, intanto non potevamo permetterci tutti quei mesi in uno studio vero e inoltre l’album non sarebbe risultato così gioioso, spensierato, e naturale.

Uno dei miei pezzi preferiti s’intitola Infidels of the World Unite. Quando tu ti senti un’infedele?
Ogni volta che sono in Italia.

Oltre che per le tue performance sei famoso anche per i tuoi outfit, cosa dobbiamo aspettarci sotto questo punto di vista dal tuo nuovo live show?
Come ti ho accennato prima questo non sarà un tour over the top con esplosione finale di coriandoli, il mondo è in recessione. Questo show sarà una combinazione di cose mai viste prima, sarà una combinazione unica di kabuki, flamenco, pop e viaggi nel tempo. Il guardaroba è incredibile, lo devi vedere! Ma adesso che mi ci fai pensare è tempo di confermare la mia decisione, anzi la tua, devo chiamare la band e licenziarla, prima mi ero dimenticato di dirti che a new york sono gia iniziate le prove del tour e ora che la colpa è tua sarà molto più facile per me mandare tutti a casa. Ciao!

Sei un’infame, ma mi stai simpatico per questo.
Marco Cresci
 

BRETT ANDERSON

2009-10-08T10:56:00.003+02:00

Non dev’essere facile essere Brett Anderson. Icona del brit pop nei primi anni ’90 con i suoi Suede incantò molti con un affascinante voce e la sua bellezza androgina. Testi noir, sofferenza, pillole, e mal d’amore crearono due capolavori, il primo omonimo e il secondo Dog Man Star. Insieme al chitarrista Bernard Butler co-fondatore della band Brett Anderson occupa le copertine di tutte le testate musicali e fashion, è grazie a questa coppia se il giubbino di pelle nera ridiventa uno status symbol dell’indie rock e le Clipper un’istituzione dell’epoca. Come la storia c’insegna due prime donne non durano a lungo nella stessa band, così la coppia scoppia, Butler lascia gli Suede e finisce la magia. La band va avanti diritta per la sua strada e subito dopo arriva il successo commerciale con la virata pop di Coming Up, seguito da un ripido declino con un paio di dischi che non mi sento neppur di nominare, in cui Brett sembra voler rinnegare il suo passato, ignorando le canzoni che lo avevano reso celebre e persino il look che diventò più maschile e a tratti caricaturale. Nel 2004 si ricongiunge a Butler e forma i The Tears, pubblicano un album e poi scompaiono. Un paio d’anni di pausa riflessiva e dopo un fortunato tour acustico solo piano, violoncello e voce Brett Anderson torna cantautore, elegante, semplice e maestoso nelle sue interpretazioni live. Un disco omonimo nel 2007 e Wilderness nel 2008, oggi Brett è al lavoro ad un nuovo album solista, è sereno e mentre sorseggia una tazza di thè nel suo appartamento a Nothing Hill si confessa toccando inaspettatamente anche punti bui del suo passato, che oggi vive con serenità come un gentleman inglese quale è.

Ciao Brett, come va?
Ciao Marco, tutto bene grazie, sorseggio un thè comodamente seduto sul mio divano, mi sto concedendo un po’ di relax, sono pigro oggi, sarà che a Londra stranamente c’è il sole.

Sembra che in questi ultimi anni tu abbia riscoperto la gioia di esibirti e lo fai da solo con il tuo pianoforte, al massimo con l’aggiunta di un violoncello, come hai scoperto questo bisogno d’intimità?
Per caso, mi hanno chiesto di fare una data solo con il piano, mi è sembrata subito una buona idea e nel momento in cui ho cominciato a prepararmi mi sono reso conto di quanto fosse speciale e intimo esibirmi in questo modo, non l’avevo mai fatto prima e a questo punto della mia vita direi che è il perfetto modo per esibirmi.

Dagli inizi furenti alla pace interiore?
Non si tratta necessariamente di pace interiore, ma solo di approcciare le cose in modo diverso, quando ero giovane con gli Suede ero molto rumoroso ma crescendo ho capito che per tarsmettere qualcosa di forte con la musica non è necessario farlo ad alto volume, si può accoltellare qualcuno anche restando in silenzio. Volevo craere un disco semplice, spogliato, che mostrasse direttamente il mio cuore senza fronzoli e con Wilderness credo di averlo fatto. Sono così felice di come suona quel disco che mi sono messo subito al lavoro sul nuovo.

Puoi anticiparmi qualcosa?
Sto lavorando con Leo Abrahams, un musicista e cantautore che ho sempre stimato, dovrebbe uscire qualcosa entro la fine dell’anno.

Sei sempre stato abituato a lavorare in gruppo, com’è stata la prima volta che sei entrato in studio da solo?
Innanzi tutto i miei dischi a differenza di Suede e The Tears sono registrati dal vivo in studio molto velocemente, non sono stato mesi a rimuginare cosa fare e cosa non, sono libero di fare quel che voglio ed è un grande privilegio.

Una qualità che non hai mai perso nella tua musica è il romanticismo…
Molte cose sono successe nella mia vita, molti eventi mi hanno toccato e ferito e cambiato, se guardo la mia vita vedo un bellissimo viaggio che in pochi possono dire di aver percorso, il romanticismo mi ha sempre accompagnato è la chiave di questo percorso, è il mio modo di vedere la vita, è l’amore incondizionato.

Rispetto a quando hai esordito con gli Suede come vedi la discografia oggi?
La differenza è che oggi il music businness è comandato da persone sorde. Quando gli Suede hanno comnciato a fare musica non c’era quasto bisogno impellente d’infilare la musica in una categoria, non dovevamo tirare una televisione dalla finestra per far dire di noi che eravamo trasgressivi o rock’n roll. Non si pensava così tanto alla classifica o a fare il singolo giusto, c’erano meno band in giro e la qualità era più alta. Oggi posso guardarmi alle spalle e non pentirmi di quel che ho fatto, ho sempre detto la mia su tutto, so di aver ispirato delle persone e di aver creato qualcosa che la gente ha apprezzato e amato.

Collega la tua ultima produzione ad un periodo degli Suede:
Pensavo giusto ieri a quanto il mio ultimo album Wilderness sia collegato a Dog Man Star, non per la musica perché sono due album completamente diversi ma per il mood e per l’atmosfera che entrambe trasmettono, sono entrambi molto neri e ci sono canzoni come The Asphalt World e The 2 Of Us che hanno un tipo di arrangiamento che si adatta ad esser suonato solo con il pianoforte.

Il tuo ultimo album si chiama Wilderness, ma voltandoti e guardando oggi la tua carriera qual è il periodo che ritieni più selvaggio?
La metà degli anni novanta, i nostri show erano selvaggi e la mia mente drogata, ero fuori controllo. Dog Man Star fu concepito sotto l’uso di dorghe e molti tendono a pensare che sia stato questo a renderlo un disco speciale. Onestamente non credo che le droghe abbiano una stretta connessione con la creatività, le droghe sono insane, ti fanno impazzire, ricordo che stavamo per scioglierci ed eravamo sempre incazzati, ma i nostri show erano incredibili.

Per molte persone cresciute ascoltando la musica dei Suede sei considerato un’icona, come ti relazioni a questo?
Ne sono lusingato ma non mi sento tale, non ci ho mai pensato più di tanto perché credo di non avere un grande ego, sono una persona qualunque che cammina per la strada e che fa musica.

E’ difficile oggi essere Brett Anderson?
A volte sì perché vengo giudicato duramente per ogni cosa che faccio rispetto a ciò che ero, e soprattutto quando leggo le recensioni dei miei lavori noto che sono giudicato più come persona che come artista e questo mi da fastidio. In giro è pieno di giornalisti pigri che non hanno nemmeno più voglia di ascoltare un disco e si basano su un comunciato stampa per parlarne. Sono disgustato da tutto questo, voglio dire nessun li obbliga a fare questo lavoro.

Sul tuo sito tieni una classifica di libri che hai letto e di dischi che stai ascoltando, al momento cosa occupa le posizioni alte?
L’album dei Fleet Foxes, Laughing Stok dei Talk Talk, Brian Eno e i Midlake mentre per quanto riguarda i libri Monster Love di Carol Topolski.

WHITE LIES

2009-05-02T17:56:00.003+02:00

Che viviamo in tempi bui lo abbiamo capito da un pezzo e se prima s’intravedeva una fioca luce di speranza in fondo al tunnel, oggi ci troviamo di fronte ad uno fondo nero tanto che allungando le mani non riusciamo a toccare nulla, ci viene la nause, ci gira la testa, ci sembra di cadere restando in piedi. Accusati d’essere troppo giovani e precocemente disperati i White Lies hanno intrappolato l’Inghilterra nella loro oscurità e lei li ha premiati elevandoli al primo posto delle sue charts, nessuno se l’aspettava ma questo trio di Londra ha contagiato tutta la nazione con i suoi testi disperati che parlano d’amore, morte e solitudine. A guardarli sembra strano che questi tre ragazzetti poco più che vent’enni siano in grado di affrontare tematiche così cupe in modo così toccante e diretto, solitamente sono la maturità e l’esperienza a generare testi così sofferti e disturbati. Tutti se ne sono accorti tanto che, oltre a godersi il loro successo, Harry McVeigh, voce, Charles Cave autore dei testi e bassista e Jack Lawrence-Brown, batterista, devono difendersi da chi li accusa d’essere degli emuli di Echo and the Bunnyman, Talking Heads e Joy Division anche perché prima di chiamarsi White Lies erano i Fear Of Flying e suonavano come i Maximo Park. Veri o costruiti? Le vendite di To Loose My Life… parlano da sole, i concerti sold-out pure e dopo aver visto l’intensità con cui suonano dal vivo noi gli crediamo. Siamo andati negli antri gotici di Oxford e spingendoci dentro ad un cimitero della vecchia Inghilterra abbiamo chiesto ai diretti interessati di raccontarci la verità. Forse non dovremmo credere ad un gruppo che ha la parola menzogna scritta nel suo nome, ma una bugia innocente non ha mai fatto male a nessuno, o no?

Togliamoci subito questo sassolino, ci sono molti pettegolezzi che circolano su di voi, com’è successo che una band post punk che si faceva chiamare Fear Of Flying si è convertita all’indie dark dei White Lies?
Harry: Intanto quando abbiamo formato i Fear Of Flying avevamo quindici anni, e sono proprio quelli gli anni in cui si cambia maggiormente come testa e come idee, per questo oggi che ne abbiamo diciannove siamo così diversi, la sicurezza ha preso il posto dell’indecisione e attraverso uno sbaglio abbiamo capito chi volevamo essere. Senza i Fear Of Flying non sarebbero potuti esserci i White Lies, perché è grazie a loro che abbiamo imparato ad acquisire confidenza con noi e con i nostri strumenti esibendoci per la prima volta di fronte a un pubblico, sono stati parte essenziale del nostro processo creativo. Con i White Lies sin dall’iniziamo ci è stato chiaro nella mente chi siamo e che tipo di musica vogliamo fare, per la prima volta ci siamo sentiti liberi d’essere noi stessi.
Jack: E’ come se con la band precedente stessimo in qualche modo sforzandoci d’essere qualcun altro mentre oggi siamo noi stessi.

Secondo sassolino, Charles, sei molto giovane e i tuoi testi hanno un forte legame con la morte, hai già dovuto confrontarti con lei o è la tua visione della vita?
Non ho avuto esperienza particolari, almeno non più di quante possa averne un qualunque vent’enne, nei testi viene citata molto spesso la morte ma non necessariamente vanno interpretati come reali, sono metafore che fanno riferimento alla perdita in generale, perché quando perdi un’amore o un’amicizia ti senti come morto anche se non lo sei. In un certo senso la persona che prima ti stava a fianco è come se fosse morta perché non farà più parte della tua vita.

Io credo che i tuoi testi siano molto onesti, inoltre mi piace come ti prendi cura di ogni singolo dettaglio anche quando parli di sangue. Sono curioso di sapere se la letteratura ha influenzato il tuo modo di scrivere…
Non al momento, ho studiato letteratura a scuola ma non leggo molto. I miei testi nascono dalla mia immaginazione, non tendo molto a pensare quando scrivo, fluiscono dai miei pensieri molto velocemente per questo ti ringrazio d’averli definiti onesti. Io amo scrivere, ho sempre inventato storie sin da piccolo per questo mi viene naturale trasformare immagini in parole.

Si possono riconsocere molte influenze nella vostra musica: Joy Division, Echo & The Bunnyman, OMD, Talking Heads, Depeche Mode, Duran Duran, Interpol, Editors, come riuscite a mantenere intatta la vostra identità?
Harry: Come abbiamo detto prima stiamo facendo quello che vogliamo quindi siamo noi stessi. Il nostro obiettivo è quello di fare musica come non è mai stata fatta prima cercando di non copiare nessuno, nonostante siamo d’accordo con le influenze da te citate. Credo che la nostra sia un mix di tutta la musica che ci ha accompagnato da quando abbiamo acquisito la ragione a oggi. I Talking Heads sono stati una delle band che ho ascoltato di più da bambino.

Charles, esiste secondo te l’amore senza la sofferenza?
Ok, questa è tosta… Ma devo rispondere no, se ami qualcuno veramente è perché in questa persona vedi qualcosa di speciale che sai che nessun’altro possiede e vuoi che sia tua per sempre. Sei conscio di quanto fortunato sei ad averla e a volta hai paura che anche qualcun altro la vorrebbe e così subentra la paura di perderla. Quindi credo che se ami davvero sai anche cosciente della sofferenza che potresti dover affrontare. E’ la nostra natura.

Harry hai una voce nitida e così profonda rara da trovare, quando l’hai scoperta?
Non ho mai cantanto ne a scuola, ne in un coro, ma ho sempre cantato sopra le canzoni che sentivo alla radio. La mia voce è così, non è forzata quindi fondamentalmente è un dono con cui sono nato.

Forse proprio perché mi ricorda la musica con cui sono cresciuto, ammetto d’essermi innamorato del vostro album a primo ascolto. Mi piacciono le canzoni che si possono cantare e anche ballare e voi ne avete molte nel vostro album, raggiungere questo scopo era uno dei vostri obiettivi?
Jack: Non realmente, non abbiamo mai ascoltato musica dance, nessuno di noi, ma non ci vergognamo nel dire che ci piace il pop e che lo abbiamo inserito nelle nostre canzoni, anche i Depeche Mode sono un’incredibile pop band no? Credo che il nostro obiettivo fosse quello di creare canzoni che si possono sentire anche alla radio grazie a melodie efficaci.

Come state affrontando il successo? Avete debuttato al numero uno in Inghilterra, non è un onore che capita a molti…
Harry: Siamo ancora sotto shock! Siamo lusingati e onorati ma crediamo fortemente nella qualità del nostro disco perché ci è costato molto lavoro e fatica. Questo disco è un grande momento d’orgoglio nella mia vita, non sono mai stato così contento in vita mia.
Jack: Questo successo ci darà l’opportunità di fare qualsiasi cosa vorremo in futuro, è una grande opportunità che ci aprirà molte porte.

Cosa state ascoltando sul tour bus?
Jack: School Of Seven Bells.
Harry: Tv On The Radio.
Charles: Sister Ray.

GLASVEGAS

2009-05-02T17:54:00.003+02:00

Si dice che la notte porta consiglio e a volte è vero, i Galsvegas il loro album lo hanno creato avvolti dal buio, li immagino in un basement umido con l’odore di muffa, la moquette macchiata e delle vecchie tende di velluto damascate, proprio come quest’ultime la loro musica ti avvolge, ti riscalda, ma se le strofini ti mette addoso un brivido. James Allan il leader della band era un giocatore di football professionista con una carriera davanti e un’infanzia difficile alle spalle, carattere volubile come il cielo della sua Scozia, si apre e si chiude a tempo di musica, look total black, occhiale scuro, ciuffo anni ’50, e una mano che quando si mette all’opera scrive poemi che si trasformano in canzoni. Le origini prima di tutto, la controversa scelta di cantare con l’incomprensibile accento della sua Glasgow che svetta nel nome della band, e canzoni che nascono da un folle amore per le produzioni di Phil Spector accomunate da riverberi e testi noir che arrivano al cuore e ce lo crepano, sciolgono e riscaldano. Sono stati definiti la band più grande d’Inghilterra e non ho niente da obiettare, questo è il miglior debutto dagli Arctic Monkeys a oggi. Quattro ragazzi a metà dei loro vent’anni ognuno con una spiccata personalità oltre a James che appare un mix tra James Dean e Robert Smith, c’è il cugino chitarrista Rab Allan con cui ha inziato a suonare in cantina, Paul Donoghue al basso con il suo irresistibile sorriso senza dente alla Winehouse, e infine la più buffa e simpatica batterista che si sia mai vista, Caroline McKay commessa di un videonoleggio reclutata nella band da James perchè gli sembrava appena uscita da un film di Fellini, e prima d’allora non aveva mai suonato uno strumento in vita sua. Interessante approccio alla musica, per questo abbiamo chiacchierato con lei poco prima che salisse sul palco di uno show sold-out a Londra.

Ciao Caroline, mi racconti come ti sei unita ai Glasvegas?
Certo! Lavoravo in un negozio che vendeva dvd e apparecchiature elettroniche, James ci veniva spesso ma non comperava mai nulla… così ho cominciato a suggerirgli articoli che sarebbero potuti interessargli e siamo divenuti amici. Non molto tempo dopo mi ha introdotto a Robert e Rab, abbiamo cominciato a frequentarci, e loro sono diventati ospiti fissi a casa mia. Passavamo ore sul mio divano ad ascoltare vecchi dischi e ricordo che un giorno James mi chiese se volevo unirmi alla loro band. Io dissi: cosa potrò mai fare nella vostra band se non canto e non so suonare? Lui mi rispose: Ti vedi come batterista? E così sono entrata a far parte dei Glasvegas come batterista.

E’ vero che far parte di una band era l’ultima cosa che avresti mai voluto fare?
Sì, non avevo nessuna aspirazione nel fare quello che sto facendo, lo vedevo solo come un divertimento ma ora è un lavoro.

Quindi oggi hai cambiato idea?
No! Ci sono ancora dei momenti i cui mi chiedo: Che diavolo ci sto facendo qui! Ma è incredibile e siamo delle persone davvero fortunate ad essere nella posizione in cui ci troviamo oggi.

Mesi prima che il vostro debutto uscisse eravate circondati da un alone di hype, ma devo dirti che una volta sentito il disco ho dimenticato ogni diceria sul vostro conto e l’ho amato lasciandomi sorprendere canzone dopo canzone…
Buono. Vedi l’unica aspettativa che noi abbiamo è quella che pretendiamo da noi stessi, sia come individui che come band, quello che le persone vedono al di fuori non ci colpisce direttamente. E’ bellissimo leggere ottime critiche e parlare con gente entusiasta della nostra musica ma c’è anche il lato opposto, ci sono anche persone che dicono cose cattive su di noi ed è normale, per questo non prestiamo troppa attenzione a nessuna delle due parti o ci troveremmo in mezzo ad una crisi.

Poesia e melodia sono gli ingredienti segreti dei Glasvegas?
James è un grande liricista e credo che la bellezza dei suoi testi stia nell’onesta con cui li scrive e nel modo in cui è capace di osservare la vita di tutti i giorni trasportandola su carta, in modo così vero e umano. Uno dei nostri punti forti è che la gente può identificarsi nei nostri testi perché parlano di esperienze che prima o poi tutti dovremo affrontare nella vita o lo abbiamo gia fatto, James è unico nel descrivere la vulnerabilità umana e le sue emozioni.

Glasvegas è solo un gioco di parole o un nome che vuole sottolineare le vostre radici?
Non ci vergognamo di essere di Glascow ne tanto meno d’esser scozzesi, questo è il motivo per cui James canta nel modo in cui canta, con un forte accento locale, non volevamo un nome tipo, non so, the dark vampire perché non volevamo essere catalogati e chiusi in una scatola. Glasvegas è un nome che suona dolce e privato allo stesso tempo.

E’ vero che James è un fan degli album di Natale e ve li fa ascoltare tutto l’anno?
Sì, le sue preferite sono le canzoni di Natale di Phil Spector.

Così lo scorso Natale avete fatto uscire A Snowflake Fell (And It Felt Like a Kiss) un e.p. con cinque pezzi nuovi e la cover di Silent Night che avete registrato con un coro in una chiesa in Transilvania, com’è stato?
Incredibile. Non avevamo fatto ricerca per il coro, ma quando siamo entrati in chiesa e li abbiamo sentiti cantare è stata un’esperianze magica, erano così dotati, sembravano angeli caduti dal cielo e con la scenario della cattedrale è stato davvero emozionante e speciale.

Che musica ascoltavi da teenager?
Prevalentemente solo musica degli anni ’50 e dei ’60 con una predilizione per le produzioni di Phil Spector. Sì lo so non ho fatto molti progressi in fatto di gusti musicali! Ahahah!

Qual’è il tuo momento preferito dei vostri live?
Ci sono diversi momenti. Go Square Go perché la gente impazzisce, It’s My Own Cheating Heart That Makes Me Cry perché è una canzone veramente bella e Daddy’s Gone che è il pezzo con cui normalmente chiudiamo i concerti, la gente ne canta ogni parola e per noi è un momento molto emozionante e speciale.

Il ricordo più bello da quando sei nei Glasvegas?
Toccare fisicamente per la prima volta la versione in vinile del nostro album, da quel momento ci siamo sentiti veramamente una band, ce l’avevamo fatta!

Sei una persona romantica?
Molto romantica, credo nel vero amore.

L’hai trovato?
No, lo sto ancora cercando per questo ci credo.

Com’è essere la ragazza della band?
E’ divertente, sono la sorella e loro sono i miei grandi fratelli che si divertono a prendermi in giro tutto il giorno!

Usavi vestire di solo nero anche prima di unirti ai Glasvegas?
No ma credo che sia molto funzionale essere in tour e vestirsi solo di nero perché non si vede quando sei sporco e la mattina non ci metti molto a scegliere cosa metterti.

Chi è Geraldine?
E’ la ragazza che vende il nostro merchandise, dopo te la presento, se hai un problema lei ascolta tutti e da consigli.

Qual è la canzone che non smetteresti mai d’ascoltare?
Say Hello, Wave Goodbye dei Soft Cell.

Vi hanno definito la miglior band d’Inghilterra, cosa rispondi?
Non saprei, ci sono molte band con talento in giro. Siamo una banda di nerd, se ha dirlo sono dei nerd come noi allora siamo magici, siamo i migliori del mondo.

A CAMP

2009-05-02T17:51:00.002+02:00

Nina Persson in pausa dai suoi Cardigans torna dopo otto anni ad occuparsi del suo side project A Camp. Se l’amarezza è sempre appartenuta al suo immaginario occupando gran parte dei suoi testi mai come oggi è presente in Colonia. Disincantata e realista nonostante un’immagine vintage da sognatrice Nina ha riversato le sue emozioni in questo album scritto con il marito e compositore Nathan Larson e con il musicista Niklas Frisk insieme gli A Camp. Il bello di Colonia è che un album senza tempo, onesto, non vuole creare ma far parlare per la sua semplice bellezza. Se il debutto degli A Camp fu prodotto niente meno che da Mark “Sparklehorse” Linkous in Colonia la band fa tutto da se mettendosi in discussione dalla scrittura agli arrangiamenti, ma in loro aiuto come guests son accorsi musicisti quali James Iha l’ex-Smashing Pumpkins, Joan Wasser meglio nota come Joan As Police Woman, che ha curato gli archi e Kevin March batterista degli A Guided By Voices.

Colonia. Un profumo, un riferimento al colonialismo, sicuramente un titolo curioso, me lo spieghi?

Volevamo avere un tema ricorrente nel disco che appartenesse al genere umano, come la civilizzazione e la socializzazione abbiano interferito con l’uomo. Non possiamo negare che siamo stati primitivi perchè nostri istinti primordiali sono ancora presenti in noi, nonostante la società con le sue regole abbia cercato di cancellarli. L’intero album è una specia di gara tra l’istinto e l’intelligenza, per questo ci sono anche diversi riferimenti alla giungla e alla lotta per la sopravvivenza con cui gli animali che la abitano convivono da sempre.

Però c’è una canzone che s’intitola Eau De Colonia…

Ci piace giocare con le parole, il nostro sogno era quella di realizzare un album che durante l’ascolto sprigionassi un profumo d’Eau De Colonia, un’esperienza stereo in tutti i sensi.

So che l’album è stato ispirato anche da un safari che hai fatto in Affrica, vero?

Sì, ma non era un safari tradizionale, il nostro obiettivo non era quello di vedere gli animali, una delle mie migliori amiche è nabimiana e ora vive a Cape Town, ogni anno per Natale torna in Naibia con la macchina campeggiando lungo la strada. Ci ha invitati più volte e finalmente ci siamo uniti a lei in questo viaggio incredibile. Abbiamo attraversato il deserto, cantato attorno al fuoco e attraversato anche qualche momento difficile ma è un’esperienza che consiglio a tutti.

Se devo trovare la differenza principale tra la musica dei Cradigans e gli A Camp nonostante in comune abbiano un mood malinconico e pop penso agli ottoni e agli archi che in questo album hanno un ruolo importante, sei d’accordo?

Io amo i corni. Questa volta abbiamo scritto le canzoni da soli, senza aiuti, compresi gli arrangiamenti. Spesso i musicisti che suonano strumenti come il violino o il clarinetto, e in questo disco ne abbiamo fatto largo uso come hai detto tu, hanno idee fantastiche che noi scoltiamoe crchiamo d’incorporare nella nostra musica. Inoltre abbiamo avuto la possibilità di lavorare ancora con la bravissima Joan Wasser che ha suonato viola e violino per noi, ed è una grande amica di Nathan.

E James Iha?

E’ un vecchio amico, siamo vicini di studio a New York, usciamo spesso insieme quindi è stato quasi naturale chiedergli di suonare un paio di canzoni del nuovo album.

La prima parola che mi viene in mente per descrivere il suono di Colonia è timeless, ti ci ritrovi?

Certo, è un disco volutamente timeless, meno old fashion del precedente e più focalizzato sulla musica folk americana degli anni ’70, avevamo molto chiaro in mente il periodo che volevamo esplorare rivisitandolo in chiave attuale.

Come in tutti i tuoi progetti anche qui la malinconia è di casa, ma il risultato non porta tristezza ma serenità e anche gioia, cosa ne pensi?

Questo mi fa piacere sentirlo perché è esattamente quello che volevamo comunicare. La musica di Colonia è un viaggio emozionale che esplora la bellezza e le sue sfaccettature, di certo non si può essere tristi quando si parla di bellezza.

Per me la canzone più emozionante dell’album è Golden Teeth and Silver Medal duetto che vede al tuo fianco Nicolai Dunger talentuoso cantautore svedese…

Nicolai è un talento, la sua voce è incredibile e calza alla perfezione la canzone, è il mio cantante preferito di sempre.

Qual è il significato che attribuisci alla canzone Stronger Than Jesus?

E’ un modo un po’ naive per dire che l’amore è più forte di ogni cosa, l’amore fa paura, è un sentimento senza meta mi sono imaginata una battagli tra Gesù e l’amore che come un vecchio eroe dei cartoni animati che va in giro con un martello a polverizzare chiunque si trovi davanti.

Il tuo immaginario va a pari con il tuo modo di essere, voglio dire che se parlo dello stile di Nina Parsson chi ti conosce sa di cosa sto parlando. E’ qualcosa che ti viene naturale o c’è una ricerca alle spalle?

In parte è un’istinto naturale ma non nascondo che mi piace l’idea di avere un mio marchio di fabbrica, mi piace avere questo bilanciamento tra le due cose e sapere che le persone lo apprezzano e ne capiscono la trama mi lusinga. Quando ascolto un disco che mi piace ne assorbo la completezza, la trama, il soggetto, la cover, creo una sorta di viaggio che vorrei si trovasse anche nei miei dischi. Voglio avere una forte identità.

Ti sei da poco trasferita a New York per amore, come ti trovi?

Io amo New York e credo fosse giunto il momento di affrontare questo importante cambiamento nella mia vita, mio marito è di New York quindi nonostante mi trovi molto lontano dalla mia famiglia e dalle mie abitudini la considero comunque la mia casa. Credo sia il posto più incredibile in cui abitare.

Consigliaci un disco:

Ultimamente sono ossessionata da Miles Davis quindi punto su Kind Of Blue, un classico.

LOVVERS

2009-05-02T17:48:00.002+02:00

S’intitola “Think” il debutto dei Lovvers, sette canzoni concentrate in dodici minuti, violente, ruvide, registrate in presa diretta come un vecchio disco punk in cui possiamo ancora sentire la polvere delle cantine in cui la band si esibita fino ad attirare l’attenzione su di se. Un antidoto ai gruppi indie inglesi, al suono omologato, un’attacco sonoro che Shaun Hencher sferra al mondo e colpisce senza pietà, quando meno te lo aspetti, come il rasoio a scatto di un maniaco. I Lovvers da Notthingam sono qui per ridefinire i ruoli, in un mondo in cui punk rock è diventato un termine mainstream e allargato che comprende nei suoi ranghi troppe mescolanze che si chiamano Green Day, Gallows o Fall Out Boy. E’ finito il tempo dei giochi è ora di fermarsi a “pensare”.

Think ha un suono lo-fi e ruvido, avevi le idee chiare su quello che volevi ottenere con i Lovvers?
Shaun: Certo, sin dal giorno in cui ho deciso di formare la band. Abbiamo registrato tutto in presa diretta in una volta sola, suonando le canzoni di fila così come sono nell’e.p., non mi piace l’idea di incidere le tracce in studio ricantando le canzoni in una stanza da solo davanti ad un microfono, non m’interessa. Volevo che Think suonasse come una band dal vivo, che sprigionasse quel certo tipo d’energia ed eccitazione.

Quindi preferisci suonare dal vivo allo scirvere nuovi pezzi?
E’ difficile da dire, però in due anni che suoniamo insieme abbiamo passato nove giorni in studio, quindi se metti a paragone le due cose la risposta viene da se. Mi piace suonare e capisco che lo studio ti può ricompensare se hai molto tempo da dedicargli, oggi credo che suonando molto stiamo imparando altrettanto ma in futuro cercheremo di dedicarci più alla vita da studio.

C’è un messaggio nel titolo Think?
Và letto in chiave ironica, si riferisce al mondo discografico, a tutte quelle band che pensano troppo a come apparire invece di attacare le spina e mettersi a suonare, la scena inglese al momento è veramente piatta, tutti vogliono solo divenatre grandi. Mi sono guardato intorno, ho guardato cosa succede e mi è sembrato divertente usare questo titolo.

Ma ti senti a tuo agio quando definiscono i Lovvers come una punk band?
Credo sia un paragone pigro. Mi piace la musica punk, ma cosa vuol dire punk rock? I primi dischi dei Pink Floyd erano punk rock ma non pensi a loro come una punk band. In generale le persone quando pensano al punk lo associano all’avere la cresta, piercing, tatuaggi, ai Sex Pistols, agli Exploited ma per me è più un modo di pensare, di vedere le cose, di comportarsi, vivendo la propria vita accettandone le diversità. Accetto la definizione di punk band come attitudine non convenzionale, ma non come sonorità.

So che hai studiato fotografia, e la copertina di Think è un tuo scatto, quali sono i fotografi che stimi?
E’ il particolare di una foto, l’immagine intera ritrae una bambina con un lecca lecca in bocca e la maglietta dell’esercito americano, è molto forte, credo che prossimamente la pubblicherò sul nostro sito. I fotografi che stimo di più sono William Eggleston, mi ha sempre ispirato potrei passare ore a guardare le sue foto, Stephen Shore un fotografo americano bravissimo e poi c’è Boris Mikhailov un ragazzo russo che ha davvero del talento, è molto provocatico con le sue foto, cattura scenari che all’apparenza sembrano normali ma che in realtà non lo sono, mi piacciono le foto che ti spingono a farti delle domande.

Il vostro e.p. dura dodici minuti, per curiosità quanto durano i vostri live?
Non più di quindici minuti, ma che problema c’è, si possono anche suonare quindici canzoni in quel lasso di tempo, alcune persone sono in disaccordo ma è solo una questione di tempo, l’importante è riuscire a trasmettere qualcosa, potremmo suonare per due ore e risultare una qualsiasi band noiosa. L’e.p. è il nostro punto di partenza per dire al mondo che esistiamo, come quando appendi il cartello “non entrare” sulla porta della tua cameretta per marcare il tuo territorio.

Vi considerate degli outsider?
In effetti non ci sono molte band con cui possiamo relazionarci, ci sono ottime band in circolazione ma non abbiamo nulla in comune con loro, soprattutto in Inghilterra.

Una canzone del vostro e.p. s’intitola Wasted Youth, ti senti parte di questa generazione?
Ho venticinque anni e non ho mai vissuto una rivoluzione musicale, non ho mai conosciuto una band che rappresentasse le mie idee portando qualcosa di diverso. Intendo band come i The Beatles o i Led Zeppelin o i Nirvana, band che hanno cambiato qualcosa che è andato anche al di fuori della musica, voglio dire cosa ho vissuto? Gli Oasis? Gli Strokes? Che tristezza…

Ma quando eri teenagers cosa ascoltavi?
Black Sabbath, Aereosmith, Fugazi, Helmet, Kyuss. Non sono mai stato fan dei Green Day anche se ci hanno più volte paragonato a loro.

I Green Day? Al massimo ai Ramones…
Oh Yeah!

TELEPATHE

2009-05-02T17:41:00.003+02:00

Busy Gagnes e Melissa Livaudais sono le Telepathe (si pronuncia Telepatii), la nuova sensazine post avant-garde di Brooklyn, NY. Prodotto da mr. TV on The Radio Dave Sitek, Dance Mother è un album che scavalca i generi, partendo su beat e samples, incorpora rap, elettronica, shoegaze con un risultato che sconfina nel pop. Un cantato etereo in cui spesso le voci del duo s’incontrano creando ritornelli sognanti dal cuore dark, che suonano come una versione druggy e cerebrale delle Au Revoire Simone. Per incontrare Busy e Melissa siamo andati a Berlino al West Germany, centro sociale fatiscente, ritrovo dei cultural junkie della città a due passi dalla fermata Kottbusser Tor sulla U8. Location ad hoc per la musica delle Telepathe, in cui fumo, folla e suoni distorti al limite del sopportabile, si sono uniti a synth e a beat inpnotici, tutto impacchettato in una piccola stanza, creando psichedelia trascendentale su cui ballare, un’esperienza sensoriale unica.

Raccontateci qualcosa del vostro background:
Melissa: Ho cominciato a suonare la chitarra a quattordici anni, ho studiato teoria musicale, ho preso lezioni di piano e poi ho frequentato l’accademia d’arte visiva ma ho lasciato perdere presto perché mi annoiavo.
Busy: Mia mamma era una cantante quindi ho cominciato a suonare e a ballare sin da piccola. Il ballo è sempre stata la mia passione, sono diplomata all’accademia d’arte moderna.

Questa tua passione per la danza, s’incorpora in qualche modo nella vostra musica?
B: Mi piacerebbe incorporare la danza nei nostri video creando apposite coreografie ma per ora è solo musica.

Come vi siete conosciute?
M: A New York tramite amici comuni, un mio caro amico suonava nei Wikkid, avevano un concerto in città e cercavano un batterista perché il loro si era ammalato così chiese a me di unirmi alla band di cui anche Busy faceva parte, così ci siamo conosciute.

La vostre musica è un mix estraniante di generi, avevate chiaro in mente il vostro suono quando avete formato le Telepathe?
M: No, onestamente prima eravamo molto più orientate verso il rock, forse anche per le esperienze che avevamo alle spalle con i Wikkid e i First Nation. Ma poi abbiamo deciso che non volevamo più fare rock e abbiamo cominciato a comporre e ad arrangiare canzoni con strutture aperte ad ogni tipo di possibilità. Questo è quel che è successo.
B: Sì, abbiamo cominciato a comporre canzoni su beats costruendo semplici melodie, a cui aggiungiamo loop che mandiamo avanti e indietro. E’ un rapporto molto collaborativo e per ogni canzone abbiamo un’intenzione ben precisa.

Credo che il nome della band esprima subito il feeling che trasmette la musica, quale è nato prima?
M: Oh my God! Non lo so… Credo che prima sia venuto il nome (ridacchia) e poi abbiamo inziato a fare quasta indescrivibile musica pazza. Volevamo creare qualcosa che non fosse ovvio, e abbiamo cercato di mantenere le redini salde su questo concetto.

L’obiettivo è stato raggiunto, ma vorrei sapere se in modo spontaneo o se c’è stata una ricerca alle spalle…
B: Volevamo creare qualcosa che non si fosse mai sentito prima quindi prima abbiamo dovuto figurare nella nostra testa cosa fosse questo qualcosa (scoppiano a ridere entrambe). Dopodiche l’abbiamo fatto.

Dance Mother è un grower album, la prima volta che lo ascolti è straniante ma poi lo si assimila e sembra quasi un disco pop, si lascia persino cantare, cosa ne pensate?
M: Volevamo che in ogni canzone ci fosse un’elemento cantabile.
B: Siamo ossessionate nel creare “the most catchiest fucking music ever!”.

Come se la vostra intenzione è quella di far scoprire qualcosa di nuovo ad ogni ascolto…
B: Yeah! Melissa funziona, cool! E’ esattamente quel che volevamo.
M: Sì, creare canzoni ballabili e orecchiabili che mandano in trance chi lo ascolta.

E’ vero che David Sitek si è offerto spontaneamente di produrvi il disco perché è vostro fan?
M: Sì. Un mio caro amico, Nicky Mao degli Effi Briest amico che lo consoce gli ha fatto sentire i nostri provini e a lui sono piaciuti e ci ha chiamate. Non ci saremmo mai immaginate di ricevere un giorno una chiamata da Dave Sitek che ci diceva: “Hey perché non venite a registrare qui da me?” Ok…
B: Un mese in studio con Sitek, eravamo come bambine in un negozio di caramelle. A volte aveva delle idee folli e un modo di lavorare che ci rendevano nervose, ma poi il risultato era sempre incredibile. E’ un genio.

Come è stato lavorare con un genio della musica?
M: Dave è un mentore. Ha spogliato le nostre canzoni di ogni elemento superfluo, facendole diventare qualcosa di grande e ballabile.
B: Abbiamo imparato molto da lui, non sapevamo niente su come registrare un pezzo o produrlo, ci ha dato un sacco di nozioni tecniche, ora siamo più abili in studio.

Cosa succede a New York musicalmente parlando?
M: Abbiamo un sacco di amici che fanno musica, facciamo parte di una sorta di crew artistica che ha come base Brooklyn, c’è molto rispetto e ispirazione reciproca tra di noi.
B: Ma c’è anche molta inflazione, a New York chiunque suona in una band quindi bisogna saper scegliere.

Credete che la città sia cambiata negli ultimi anni?
M: Sì. E’ come se al momento tutto fosse sottomesso, saturato, tutto e più costoso per questo viviamo a Brooklyn. In un certo senso è come se qualcosa è morto e aspetta di rinascere.
B: Fortunatamente ci sono un sacco di comunità artistiche che reagiscono in modo creativo a questo torpore generale.

Qual è la vostra fonte d’ispirazione in città?
M: La stazione radio hip-hop Hot 97. La amo ed è la mia fonte d’ispirazione più grande, insieme ai sintetizzatori del mio amico White Williams.

La vostra personalità è simile alla vostra musica?
M: Sì, siamo totalmente insane di mente.
B: Siamo molto dark.
M: E poi quando non hai soldi e se licenziata da ogni lavoro saltuario che trovi in qualche modo bisogna arrangiarsi no? Così abbiamo deciso di fare musica folle per questi tempi bui.

Sulla copertina di Dance Mother indossate parrucche, vi piace giocare con i vestiti?
M: Sì, solo ci piacerebbe aver più tempo e più soldi per farlo.
B: Per noi è divertente, ci piace craere delle performance in cui indossiamo outfit particolari e balliamo. Credo sia un altro modo per esprimere la nostra personalità. Ci piacerebbe un giorno poter sviluppare un vero e proprio spettacolo da incorporare alla nostra musica.

Per cominciare vi siete fatte disegnare il merchandise dalla designer inglese Kete Moross, giusto?
M: E’ una nostra amica, amo il suo lavoro! E’ una ragazza davvero cool, e i suoi disegni geometrici sono perfetti per la nostra musica, ci piacerebbe farci fare dei visual per i nostri live.

Vi sentite parte della definizione avant-garde?
M: Eravamo sviluppato un forte senso di ribellione contro questo termine all’inizio, ma poi ho capito che ogni cosa oggi è avant-guard, oggi giorno ogni cosa è accettabile.
B: Per questo noi siamo post avant-gard.
M: In poche parole siamo musiciste pop.

Sapete comunicare utilizzando la mente?
M: Certo ma solo tra di noi.

THE VIRGINS

2009-05-02T17:36:00.004+02:00

La Webster Hall insieme alla Bowery Ballroom sono la mecca della scena indie di New York. Stasera suonano i The Virgins, il gruppo gioca in casa ma da un anno non si esibisce nella sua città. Abbiamo appuntamento alla venue con Donald Cumming, cantante pazzerello e disinibito che frequenta la scena artistoide della città, i suoi migliori amici si chiamano Ryan McGinley, Dan Colen e Terry Richardson. C’è un via vai di strumenti e soundcheck alla Webster Hall ma Dan è lì che ci aspetta, sdraiato su di un vecchio divano di pelle sintetica su cui avranno posato il sedere i nomi più illustri della scena indie mondiale. Dan è il leader dei The Virgins, ha uno sguardo da furbo che sembra voler dire “rinchiudi tua figlia in camera o l’aggiusto io”, inoltre quanta gente conoscete che è riuscita a strappare un contratto a una major senza avere una band? A scartoffie firmate i The Virgins non solo non avevano un batterista ma non sapevano nemmeno suonare, si sono chiusi per un anno in casa a imparare suonando ventiquattro ore su ventiquattro. Il loro primo concerto è stato a Parigi durante la settimana della moda, dove hanno condiviso il palco con Patti Smith e Sonic Youth. Se non è questo rock’n roll!

Cosa ti lega a New York?
Tutto. Sono nato e cresciuto a New York city, poi i miei genitori hanno divorziato quando ero adolescente e mi sono trasferito in Florida con mia mamma, ma non ha funzionato. Mi sono accorto di non essere esattamente un tipo da spiaggia, mi mancavano l’asfalto e le luci della città, così sono tornato a New York da solo e ho cominciato ad ascoltare un sacco di musica, a scrivere canzoni e a frequentare party. New York è la mia vita, amo viaggiare ma prima o poi devo tornare in città perché il mio cuore vi appartiene.

The Virgins, è un nome che descrive un’immaginario preciso che si sviluppa anche attraverso i testi delle vostre canzoni e nei vostri video, penso soprattutto a Rich Girl, come è nato il concept?
Tutto è cominciato quando ho scritto One Week of Danger, ero così entusiasta del pezzo, così ho pensato ad un nome che potesse evocare le sensazioni che mi trasmetteva questa canzone che parla di un tradimento con una ragazzina pettegola. All’epoca non avevo ancora una band ma sapevo che un giorno sarebbe esistita, io avevo già un nome, e ho avuto ragione.

Mi sembra che l’umorismo sia un prerogativa dei The Virgins, ho ragione?
Assolutamente. Credo che sia importante per noi, suoniamo musica che pensiamo esprima noi stessi e le nostre vite, cerchiamo di divertirci e ridiamo un sacco, e vogliamo che la nostre canzoni siano divertenti.

Ascoltando le vostre canzoni mi è facile immaginarvi teenagers negli anni ‘80 mentre guardate le lezioni d’aerobica in tv per le donne in bikini. Musicalmente avete preso il gusto tipico di quegli anni e lo avete reso contemporaneo, è così?
Esatto! Adoravo le lezioni d’aerobica con le tette saltellanti e i tanga, io sono cresciuto proprio in quegli anni, mi hanno formato musicalmente e culturalmente quando ero bambino. Abbiamo portato la musica degli anni ’80 nel nostro mondo, tralasciando gli arrangiamenti noiosi di quegli anni ed estrapolandone il lato più divertente. Ci piaceva l’idea di quattro ragazzi bianchi che cercano di fare della disco music.

Il video di Private Affair ne è l’esempio, non so quale sia stata la fonte d’ispirazione ma a me ricorda un programma italiano degli anni ‘80 che si chiama Colpo Grosso in cui i concorrenti maschi che rispondevano esatto alle domande del quiz potevano far spogliare una donna a loro scelta.
Ahahah! Fantastico! Il video è basato sul Robyn Bird Show, un programma condotto da Robyn Bird famosa pornostar Americana e mandato in onda nell’area di New York a fine anni 70. Nel programma venivano invitati pornostar e stripper sia maschili che femminili, che si esibivano in uno strip integrale molto intenso. Channel 35 è stata una benedizione per tutti i ragazzini della città che guardavano il programma di nascosto dai genitori. E’ stato il mio primo approccio al mondo della pornografia, pensa che mandano in onda le repliche ancora oggi.

A proposito di sexy bellone, nel video di Rich Girl avete usato la modella Behati Prinsloo famosa in America per esser stata il volto di Victoria Secret…
Oh man! Grazie a quel video siamo stati la band più invidiata dagli uomini d’America! Behati è il sogno proibito n.1 degli americani, è supercool. Lei si è divertita un sacco sul set e mi ha reso molto nervoso perché era più brava di mè.

Sulla copertina del vostro disco ci sono dei chewingum masticati e appiccicati, da studente gli attaccavi anche tu come tutti sotto al banco?
Certo, lo faccio tutt’ora, non sotto al banco ma dove mi capita. L’artwork è un opera d’arte del nostro amico Dan Colen, è un pittore e scultore di New York, il suo lavoro è incredibile, ha fatto una serie di quadri utilizzando chewingum e ne ha realizzato uno apposta per la nostra copertina.

Che poster avevi appesi in cameretta quando eri un teenagers?
Fammi pensare… avevo qualche paginone centrale di Playboy, il manifesto di Taxi Driver e poi… no non so se dirtelo (ridacchia). Basta così.

Non fare il timido dai, dimmi che poster avevi!
Ok, hai ragione, avevo un poster del gruppo hip hop 2 Live Crew in cui loro tre erano sdraiati in un enorme letto sotto le lenzuola con il cellulare in mano e dal fondo del letto uscivano solo sederi di donne che erano in primo piano come se gli stavano facendo un lavoretto di bocca. Era molto divertente!

Qual è la musica che ti ha formato?
Il rock classico, David Bowie, The Doors, Rolling Stones, Robert Johnson, l’hip hop dei 2 Live Crew, Nevermind dei Nirvana e Appetite for Destruction dei Guns N’Roses. Sono ossessionato dalla musica.

La tua band favorita newyorkese di tutti i tempi è:
The Velvet Underground, Lou Reed è il più grande di tutti.

La tua ultima scoperta musicale:
The Band “Music from Big Pink” un disco del 1968 meraviglioso.

Come sei finito sulla copertina del primo libro del fotografo Ryan McGinley?
E’ un mio caro amico, credo che sia il fotografo più di talento in circolazione, è incredibile guardare le sue foto e credo che il suo lavoro migliori di giorno in giorno.

Se ti sente Terry Richardson che ha scattato le foto dell’album non so se sarà contento…
Ahahah! Hai ragione! No, non si arrabbierebbe, Terry è un amico e un fotografo affermato, lui stesso apprezza il lavoro di Ryan insieme ci siamo divertiti parecchio. Sai che sono stato a milano con Ryan?

In vacanza?
Fu in occasione della sua prima mostra in Italia nel 2002, portò me ad alcuni amici e fu un disatro.

In che senso? Raccontami.
Per cominciare fu il mio primo viaggio fuori dagli states. Avevo vent’anni all’epoca ed ero veramente fuori controllo, un selvaggio direi. Ci successe di tutto, un mio amico writer si arrampicò su un ponteggio per fare dei graffiti e cadendo si spaccò la testa in due, dei poliziotti ci hanno inseguito in macchina perché avavamo spaccato il vetro ad un taxista a coltellate dopo che ci aveva chiuso dentro perché non avevamo i soldi per pagare. E le ragazze italiane! Delle fighe paura ma che non guardano i ragazzi alla mano come noi, eravamo troppo street per loro, ricordo tutte queste bellone circondate da uomini benestanti con il macchinone. Spesi tutti i miei soldi in uno streap club perchè in qualche modo dovevo pur sfogarmi! Ricordo questa ragazza che si spogliava su di un divano rosso rotante, aveva le poppe più belle che avessi mai visto. Mi han buttato fuori anche da lì perché non avevo più una lira.

Wow! Una vera avventura.
Che rifarei subito. Posso tornare con te a Milano?

LATE OF THE PIER

2009-05-02T17:32:00.004+02:00

I Late Of the Pie sono nati in mezzo alla foreste di Castle Donington, un piccolo sobborgo che è anche uno dei maggiori centri industriali inglesi. Fabbriche, un aereoporto che funge da scalo merci e tanti alberi, aggiungiamoci la pioggia e la nebbiolina tipicamente inglesi e il panorma sembra quello tipico di un film di Spielberg degli anni ‘80 ma trasportato in Inghilterra, niente case prefabbricate quindi ma mattoni. Me li vedo Samuel Eastgate, Sam Potter, Ross Dawson and Andrew Faley alla finestra delle loro camerette mentre si messaggiano con l’alfabeto morse usando la luce delle torce. Questo connubio tra natura e industria ha gettato le basi per la musica dei Late Of the Pier, quattro ragazzi appena usciti dalla loro adolescenza con la passione per le percussioni e sintetizzatori. Fantasy Black Channell è l’album più innovativo, avvenutroso e magico uscito quest’anno, prodotto da Erol Alkan che ha aiutato la band ha raccogliere il patrimonio culturale del new rave per gettarlo via e andare oltre.

Qual è la vostra missione?
Missione… mi piace questo termine. Il fatto è che nessuno di noi voleva passare il resto della sua via a Caslte Donington in mezzo ai boschi, e tutti sapevamo di non voler fare un qualsiasi lavoro day by day ne tanto meno l’università. Volevamo fare gli artisti, avevamo tante idee, avevamo sedici anni ma sapevamo già allora di avere una missione, quella d’intrattenere le persone! All’inizio non sapevamo bene cosa fare o come suonare, e questo ci ha portato ad ottenere un suono diverso per ciascuna canzone. Abbiamo cominciato tutto suonando la chitarra e la batteria che per un teenager sono gli elementi più ovvi per iniziare a comporre musica, da questo punto di partenza direi ovvio abbiamo cercato di portare le nostre canzoni verso qualcosa di più complesso per riuscire a distinguerci dalla folla e i sintetizzatori e i sample ci hanno portato al risultato. Potresti dire che non è un procedimento nuovo ma noi invece di usare i samples per colorare le canzoni li abbiamo usati come se fossero dei veri e propri strumenti con cui jammare. Oggi puoi preregistrare tutto, ti permette di poratre con te suoni lasciando a casa gli strumenti spesso ingombranti e costosi, che sia un pianoforte o il barrito di un elefante. Brillante no?

Un paio d’anni fa il vostro album girava già in rete con il nome di Zarpcorp demo, è stato un modo di farvi notare da gente come Erol Alkan che ve lo ha poi prodotto?
Non abbiamo mai avuto problemi con il download gratuito, non ho mai capito le persone che si arrabbiano perché i loro pezzi finiscono in rete. Non ho mai speso molti soldi per la musica sono sembre stato abituato a scambiarla sia con gli amici che con la mia famiglia. Onestamente non capsico chi fa musica solo per soldi, sono proprio loro quelli che si arrabbiano. Per questo abbiamo deciso di regalarla a tutti, le persone che vogliono dare un valore alla musica sono quelle che la rovineranno. Erol si è sentito molto vicino al nostro immaginario, alle nostre costruzioni psichedeliche e avvitate, al modo in cui decostruiamo il suono, gli sono piaciute e per questo ci ha chiesto di lavorare con noi.

Siete giovanissimi, e senza esperienza avete creato un album complesso, avventuroso, in cui sperimentazioni strutturali si sovrappongono a ritornelli orecchiabili dalla struttura pop, dove avete acquisito il bagaglio che vi ha permesso di ottenere questo risultato?
Siamo coscienti del potere della musica pop e della sua ovvietà, lo scrivere ritornellli efficaci alternati a strofe più complesse che non ti aspetteresti legate insieme è il gancio traino della nostra musica. Se riesci a creare il giusto contrasto come i Kyuss hanno fatto con la musica noize in America, sarai cento vole più potente di chiunque altro.

Immagino non sia facile riproporre il suono del disco dal vivo…
E’ difficile sì, ma credo che dal vivo siamo meglio soprattutto oggi che siamo più rilassati e consapevole delle nostre potenzialità, farsi tarscinare dalla musica e non cercare di forzarla è una tecnica che per noi ha funzionato molto.

Siete nati e cresciuti in mezzo alla campagna, credi che la natura abbia infliuenzato la vostra musica?
Si ma non saprei spiegare in che modo. Vivere in mezzo al nulla credo ci abbia aiutato a sviluppare un certo immaginario, Castle Donington è il punto centrale del nulla, abbiamo un aereoporto, industrie, e intorno il nulla. Abbiam passato la nostra adolescenza in mezzo ai campi a far niente per ore, se fossimo nati in una città saremmo stati sovrastati da milioni di cose confuse e forse non avremmo avuto la chance di creare la musica nel modo in cui la facciamo oggi.

Oltre che nella musica avete un forte immaginario visivo, i vostri video sono dei corti, penso a The Bears are Coming o Heartbeat, chi è la mente creativa che ci sta dietro?
Ci piacciono gli immaginari forti, le immagini che emanano potere, siamo tutti fans di Jodorosky che per una serie di coincidenze è stato l’influenza principale del video di Heartbeat. I nostri video non hanno senso ma sono forti e completano le canzoni, le rafforzano. Siamo stati fortunati perché i registi con cui abbiamo lavorato sono riusciti a capirci e ad entrare nella nostra musica, per The Bears are Coming ad esempio sapevamo solo che avremmo girato in un bosco, ed è stata un’esperienza incredibile anche se il video che mi piace di più è Focker, abbiamo speso pochissimo per realizzarlo e come al solito le idee cheap sono le migliori, mi piace perché colpisce e cattura l’essenza della band.

Nella vostra musica c’è anche un forte aspetto cupo e sinistro, un canale fantasioso sì ma nero come dice il titolo, giusto?
Fantasy Black Channel è l’addentrarsi nelle tenebre e nella bellezza dell’immaginazione. Sono tre parole che se prendi singolarmente puoi associare all’immaginazione e sì è vero c’è un forte lato oscuro nella nostra musica, ma non puoi non avventurarti nel buoi per tirare fuori qualcosa di magico. Abbiamo una forte affinità verso l’ignoto, la nostra musica sembra uscire da un buco nero, fare quello che gia conosciamo non ci è mai piaciuto, ci annoiamo facilmente e per fortuna abbiamo un’immaginazione molto forte.

I Late of the Pier non esisterebbero senza la muscia di:
David Bowie, The White Stripes e Cut Copy.

LADY GAGA

2009-05-02T17:28:00.004+02:00

Spalline spinte al limite, body con sgambatura inguinale, tacchi vertiginosi, capelli rigorosamente platino, ochiali con incrostazioni di diamanti, due sexy schiave al suo seguito e testi unpolitically correct che parlano di sesso, soldi, alcol e shopping. E’ Lady GaGa la nuova diva del pop oltreoceano. Dopo aver cavalcato la scena dei club nel Lower East Side di New York e scritto canzoni per artiste pop del calibro di Britney Spears, Stefani Joanne Angelina Germanotta a soli ventidue anni si trasforma in Lady Gaga e fonda la Haus of GaGa una vera e propria maison che taglia cuce e imbastice, vestiti, videoclip, cortometraggi, performance e gestisce un blog in cui il video diario Transmission Gaga-vision mette in mostra tutte le sue sfaccettature. Le sue canzoni sono electropop commerciale, il cui intento è proprio quello di scalare le classiche di tutto il mondo, il suo album scritto per intero di suo pugno, s’intitola proprio The Fame e se in Just Dance si scatena cavalcando un’orca gonfiabile e in Dirty Sexy Rich si accende una sigaretta da una banconota in fiamme, dal vivo si presenta con degli occhiali digitali che proiettano immagini sulle lenti e non sale mai sul palco senza il suo infame Disco Stick. Siete pronti a incontrarla?

Ciao Lady GaGaga.
Ciao! Sai che sono italiana?
L’avevo intuito dal tuo vero nome, ma non so di dove sei originaria…
Mio papà è di Palermo, ma purtroppo non conosco una parola d’italiano anche se lo capisco abbastanza. Io sono nata e cresciuta a New York.

Come è nata Lady GaGa?
Il mio produttore mi chiamava GaGa in studio inoltre sono una fan dei Queen e Radio Gaga è una delle mie canzoni preferite, così l’ho scelto come nome d’arte, si ricorda facilmente perchè rimane impresso.

Quello che mi piace di te è che non sei la solita cantante pop, hai un forte immaginario, sei coraggiosa e sfacciata, hai una bella voce e ti scrivi da sola le canzoni, chi t’ispira in quel che fai?
David Bowie, Andy Warhol, Madonna, Christian Lacroix, Chanel, Prince, Maison Martin Margiela.

David Bowie è il primo della lista, per questo hai spesso un fulmine dipinto sul viso, è un tributo?
Certo! E’ la più grande rock star di tutti i tempi.

Parlami del tuo mondo Haus of Gaga, tu balli, canti, hai girato un corto, hai un look curato e aggressivo, come coordini tutto?
Haus of Gaga è il mio team creativo, è formato da giovani persone talentuose con cui mi trovo bene a lavorare perché vediamo le cose dallo stesso punto di vista, mi aiutano a mettere in pratica le mie visioni rendendo speciale ogni mia apparizione. Ci tengo a far sapere che sono io a fare tutto quello che faccio, non sono come la maggior parte delle pop star di oggi che si limitano a cantare pezzi scritti da altri. Ho un team ma le idee sono mie. Perderei la testa se un giorno mi togliessere questo controllo creativo, probabilmente smetterei di fare musica.

Nelle tue canzoni parli di sesso, alcol, denaro, sei totalmente politicamente scorretta e noi ti amiamo per questo! Ma come reagiscono i puritani d’America alle tue canzoni?
(Scoppia a ridere) I love it too! Io non scrivo musica per i puritani. Scrivo di quel che conosco e io conosco la moda, i soldi e i drink!

Nel singolo Just Dance racconti di una notte d’eccessi in un club, sei ubrica, perdi le chiavi e il cellulare ma la musica è così bella che te ne freghi e continui a ballare. Ti è mai successo davvero?
Oh sì. Quando mi diverto perdo totalmente il controllo, bevo e ballo come una pazza e non m’importa più di niente.

Credo che il tuo corto The Fame sia geniale, presentare una album attraverso un mini film, come ti è venuta quest’idea?
Grazie, è la cosa di cui sono più orgogliosa. Ho lavorato duramente per questo progetto, è il mio miglior lavoro, girare per le strade di Parigi è stato divertente, soprattutto la parte in cui facciamo le ladre al mercato. L’idea era quella di fare un film che accompagnasse l’album, un mix video che raccontasse il mondo di GaGa e che spiegasse il concetto di successo, nel video io e le mie ballerine camminiamo per le starde fiere e ci atteggiamo da star. Sul posto tutti ci guardavano e ci fermavano chiedendoci chi eravamo e cosa stavamo facendo, è stato figo.

E’ a questa attitudine che si riferische il titolo dell’album The Fame?
Sì, è un’attitudine tipicamente newyorkese che colpisce i giovani, il modo in cui si atteggiano per la strada, sembra quasi che stanno recitando una parte. Proiettiamo un senso della fama che non ha nulla a che vedere con i soldi o con la notorietà vera e propria, ma è stile, è arte, vogliamo far vedere che siamo fieri di quel che siamo e che non abbiamo paura a New York. So che può sembrare pacchiano l’atteggiarsi come star quando non lo si è ma è solo questione di essere chi ci sentiamo di essere, io stessa prima non era nessuno ma ora sono famosa, tutto può succedere grazie al successo.

Ho visto che durante i tuoi show usi le tue ballerine come sostegni per la tastiera, tu suoni e loro la reggono con le mani facendo strane coreografie con il corpo, il risultato è un effetto trash, fetish e sexy, la prima cosa che mi è venuta in mente è Arancia Meccanica…
Mi piace molto il film ma non è stata quella l’idea di partenza. Ci tengo molto alla completezza, credo che questo tipo di coreografia si sposi perfettamente con la musica, tutti nelle loro performance usano delle fottute scale, o la chitarra per atteggiarsi da rockstar, invece abbiamo creato una coreografia grafica usando il corpo in modo non convenzionale, con riferimenti al testo della canzone che poi è Beautiful Dirty Rich. Ha un forte impatto visivo.

Hai scritto una canzone che s’intitola Paparazzi, è un’altra presa in giro dello stardom?
In America sono tutti ossessionati dalla moda, da quando ho cominciato ad esibirmi come Lady GaGa i paparazzi hanno cominciatio a seguirmi per il mio look eccentrico, con i vestiti che mi disegno da sola, è divertente guardare le news e sentire: “Ho mio Dio, Lady GaGa è favolosa, guardate che outfit meraviglioso indossa!” L’America è così colorita sotto questo aspetto, e io amo queste frivolezze, in Europa i paparazzi sono molto più duri, non ti chiedono la marca del vestito che indossi, tutto questo mi fa molto ridere.

Christina Aguilera ai recenti VMA aveva un look un po’ troppo Lady GaGa per i miei gusti… Cosa provi a riguardo?
(ridacchia…) Non provo assolutamente niente.

BLOC PARTY

2009-05-02T17:23:00.003+02:00

Sorpresa! Non sono passati nemmeno due anni dal tormentato secondo album A weeken In The City che Kele Okereke e i suoi kids on the bloc, pubblicano un nuovo album che farà discutere, di nuovo. Intimacy. Dinenticatevi la politica degli esordi di Silent Alarm, qui non c’è nessuna Price of Gas, lasciatevi alle spalle anche il pop di I Still Remember, la band di Londra cambia di nuovo direzione e il singolo Flux con la sua elettronica violenta, può essere considerato il precursore di questa nuova avventura. Co-prodotto da Paul Epworth e Jacknife Lee, ripettivamente produttori del primo e del secondo album della band, Intimacy musicalmente suona cattivo, acido, cupo, distorto ma curato nei minimi dettagli, mentre testualmente può essere letto come il diario segreto di Kele, tormentato, curioso, disilluso, distaccato, realista, tutti aggettivi che ruotano intorno al tema che manda avanti l’umanità: l’amore. Intimacy è un disco rock elettronico che verrà consumato nei club, reso disponibile a sorpresa in digital download lo scorso agosto vedrà la sua pubblicazione fisica a fine ottobre con l’aggiunta di nuovi brani nella tracklist. Abbiamo incontrato i Bloc Party a Hackney, in una giornata troppo assolata per la Londra d’inizio ottobre, qui Kele Okereke si è raccontato a cuore aperto, come un vecchio amico senza paura e senza vergogne, non ha nulla da nascondere, perché così è la vita.

Ciao Kele, come va? Siete in tour adesso vero?
Mmmh… Sì siamo appena tornati dall’America quindi sì, siamo in tour…
Il singolo Flux ha segnato la vostra svolta elettronica, è stato un punto di partenza per il nuovo album?
Non credo che musicalmente Flux abbia influenzato il nuovo album, quando l’abbiamo registrata c’eravamo posti come obiettivo quello di fare qualcosa che non avevamo mai fatto prima, ma credo che questa esperienza ci ha fatto approciare il nuovo album in un modo diverso dai precedenti, oltre a farci capire che siamo arrivati in un punto in cui possiamo fare quel che vogliamo. Non ci saremmo mai immaginati di raggiungere la top ten con una canzone come Flux.

Molti pensano che avete pubblicato il nuovo album con troppa fretta a solo un anno e mezzo da A Weekend in the City. Io credo che avete fatto un ottimo lavoro in breve tempo, qual è il tuo punto di vista?
Grazie. Le persone non sono mai contente. Non c’è niente che cambierei di questo album, nemmeno se potessi farlo ora. Credo che abbiamo raggiunto un’obiettivo, mai come ora posso dire di sentirmi parte di una band affiatata che sa quello che vuole e lo ottiene. Siamo anche riusciti a superare l’alone di hype che ci circondava e mi sento sollevato. Se il risultato è convincente chi se ne frega di quanto tempo abbiamo impiegato nel raggiungerlo.

Qualcosa accomuna tutti i vostri album, il fatto che non sono da primo ascolto, bisogno assimilarli per comprenderli. Può essere uno svantaggio al giorno d’oggi?
Non siamo una pop band, credo che sia una qualità perché ogni volta che ascolti l’album scopri qualcosa di nuovo. Siamo ossessionati dalla struttura delle canzoni e cerchiamo di rompere le convenzioni del pop. La nostra idea era quella di fare un album che le persone possono vivere da dentro, in modo personale.

I testi di Intimacy sembrano pagine strappate dal tuo diario segreto, come vanno letti?
(sorride). Forse sì. Con l’album precedente mi sono sforzato di mostrare attraverso i testi la mia visione del mondo. In questo invece non ho assolutamente pensato a quello di cui volevo parlare, come provavo un’emozione cercavo di buttarla giù sul mio notebook, per questo il tema dell’amore accomuna molti testi. Ho lasciato che il mio cuore mi guidasse parlandomi senza pormi freni, senza farmi domande, sono testi molto onesti e spontanei.

E’ stato doloroso scrivere in questo modo?
No perché non mi pento di nulla di quel che ho fatto e scritto. Sono esperienze che ho convertito in ricordi, non voglio essere il lifecoach di nessuno ho solo lasciato libero il mio istinto.

Siete stati accusati di aver tralasciato gli argomenti politici del vostro esordio, ok il nuovo album parla dell’umanità, della vita, ma non credo abbiate tralasciato del tutto la politica, il video del singolo Mercury parla da solo…
Esatto. Abbiamo trattato la politica in modo sfuggevole e minimale, questo non è affatto un album politico. Le canzoni sono finestre affacciate sul mondo. Secondo me The Price of Gas o Helicopter sono canzoni più pacate rispetto a quelle di A Weekend in the City che considero più penetranti. Ma volevamo allontanarci da tutto questo, cambiare, evolverci, non ripeterci.

Sulla copertina dell’album c’è il dettaglio di due bocche che si baciano, sul singolo Mercury una mano che passa tra i capelli, su Talons una mano che accarezza un collo. Dettagli, come quelli che formano le vostre canzoni, è questo il senso che volevate raggiungere?
Sì, l’idea era quella di catturare dei momenti intimi. Persone che si toccano, si baciano senza limiti, ma senza lasciarne intuire il sesso. E’ stata intenzionale la scelta di associare dettagli fotografici alle canzoni, perché come esse rappresentano la cattura di un momento emozionante e una fragilità che a tratti spaventa.

In Song For Clay (Disappear Here) singolo estratto da A Weeken in the City cantavi la frase diventata celebre “East London is a Vampire, It Sucks the Joy Right Out of Me”. Nel video di Talons scappate dalla luce in una Londra colpita dal blackout. Come vampiri?
Non ci avevo pensato! Sinceramente mentre lo giravamo non avevo idea di quello che ne sarebbe uscito ma credo segua perfettamente l’effetto di smarrimento e ansia della canzone.

Due produttori molto diversi Jacknife Lee e Paul Epworth che convivono in un solo album. Intimacy è un disco con una sola e forte personalità, è stato difficile ottenere questo risultato?
Paul e Jacknife hanno due modi di lavorare molto diversi, con Jacknife non c’era musica, non ha voluto sentire nulla, ci ha fatto partire da zero, ha un porcesso creativo molto strano come lui stesso è, se ne sta sempre davanti al suo computer e lavora molto sulla manipolazione del suono. Paul è più tradizionale, ha voluto sentire i demo e ci ha fatto suonare molto, ha cercato di entrare dentro alla nostra musica.

Zephyrus è una canzone magnifica e imponente, avete lavorato con un vero coro?
Il suono di così tante voci che cantano all’unisono è qualcosa che mi ha sempre affascinato e che ho sempre voluto usare in una nostra canzone. E’ stato fantastico.

L’ultima volta che ci siamo visti a Milano ti ho portato da autografare una copia della fanzine australiana They Shoot Homo, Don’t They? con il tuo ritratto in copertina. Tu l’hai firmata e sei fuggito. Non era mia intenzione metterti in imbarazzo!...
Non mi hai assolutamente imbarazzato, avevamo avuto una giornata pesante d’interviste ed è stata una situazione inattesa. L’ultima cosa che mi aspettavo era quella di farmi vedere in underwear dai miei compagni. Ho posato per il giornale perchè me lo ha chiesto il mio amico Shannon di Melbourne, (direttore della fanzine), è stato divertente.

Ora sei incorniciato nel mio bagno vicino a Michael Stipe e a Casey Spooner entrambe in underwear...
Cool! Dovrò rilasciare una dischiarazione la prossima volta che torno a Milano.

So che ami il pop radiofonico, qual è la canzone che canti oggi sotto la doccia?
Live Your Life di Ti feat. Rihanna, ne sono ossessionato. Amo il pop di questa euro-cheasy song!

KATY PERRY

2009-05-02T17:21:00.001+02:00

E’ una storia vecchia come il tempo, chi cresce in un ambiente troppo conservatore primo o poi straripa, spezza i ponti, rompe gli argini e fugge verso la propria libertà. La nuova stella del pop americano Katy Perry, è nata in una casa di pastori protestanti, entrambe i genitori, ve lo immaginate che incubo? Cresciuta cantando in chiesa ha pubblicato addirittura un album di christian music nel 2001 ma poi si è liberata d’inutili sottogonne e merletti, non che del suo vero cognome, Hudson, per diventare Katy Perry, nome con cui ha scalato le classifiche con un pezzo dal titolo inequivocabile I Kissed a Girl. Nel giro di pochi mesi Katy è diventata una star, occhi blu magentici, capelli neri boccolosi, look vintage ispirato alle pin-up e una voce forte e grintosa che sul palco esplode farcita da mossette maliziose. One of The Boys è il titolo provocatorio del suo primo album, che mescola sonorità electro al pop, e al folk, con un soprendente risultato radio friendly.

Come è successo che Katy Hudson si è trasformata in Katy Perry?

Tra i quindici e i ventitrè anni le vedute di una persona cambiano, questo non vuol dire che mi pento di quel che ho fatto prima, ma oggi sono me stessa, tutto qua. Io sapevo cosa volevo essere, l’ho sempre saputo. In realtà non esistono una nuova o una vecchia Katy, sono sempre la stessa, tutti i genitori hanno delle idee per i propi figli e cercano di organizzargli la vita, solo che i figli poi crescono e se ne fregano se i genitori gli dicono di mangiare i cereali o di non mettersi troppo trucco.

Il tuo singolo s’intitola I Kissed a Girl, sai gia qual è la prossima ragazza che bacerai?

Non mi piace programmare, ma probabilmente bacerò la tua.

Come mai hai impiegato quasi cinque anni per pubblicare il tuo primo album?

E’ da quando ho diciasette anni e mi sono trasferita a Los Angeles che ci lavoro, vedi, mi sono dovuta rendere conto che registrare un disco va oltre una precisa scelta artistica, ero ingenua e non pensavo al businness, che invece ogni major ha fisso in testa. Mi sono resa conto del vero mondo in cui volevo entrare e prima di fare la scelta giusta, che credo di aver fatto, incontravo solo persone che volevano farmi apparire come non ero, cercavano di trasformarmi in qualcun’altro perché mi ritenevano troppo audace. Mi sono sentita molto stupida, erano cinque anni che divevo ai miei amici e alla mia famiglia che presto sarebbe uscito il mio album e tutti hanno cominciato a considerarmi una pazza furiosa. Ma oggi posso dire di avere avuto l’ultima parola: non sono pazza!

Il tuo album s’intitola One of the Boys, è il tuo modo di dire al mondo “sono una ragazza con le palle”?

Mi piace prendermi gioco dei ragazzi, andare alle partite di baseball e bere birra, questo mio atteggiamento è inaspettato, ma il fatto che io sia una ragazza che fa musica pop non vuol dire che al liceo facevo la cheerleader o che sognavo di diventare la reginetta del ballo! I ragazzi rimangono spesso spiazzati dalla mia personalità e vedere la loro faccia sbalordita è la cosa che più mi diverte. Sin dai tempi della scuola mentre le mie compagne si dipingevano le unghie io scappavo al campo skate con i maschi.

La scorsa estate hai partecipato al Warped tour noto festival itinerante di musica principalmente crossover, non ti sei sentita un po’ fuori posto? Come sei stata accolta?

In realtà quast’anno c’era spazio per tutti, c’erano cinquanta band per data e ognuno poteva trovare così il suo spazio. Certo c’erano dei ragazzi venuti apposta per guardarmi il culo! Ma nonostante sia una pop girl dal vivo mi arrampico sugli amplificatori e mi butto sulla folla quindi il culo glielo spacco io!

Disegni e crei i tuoi outfit, hai mai pensato di produrre una tua linea?

Ho un blocco di schizzi ed è ovvio che come molte ragazze sogno di poter realizzare i mei vestiti, credo che il look di una persona sia il suo biglietto da visita, tramite il look puoi capire subito che tipo di persona è, se ha senso dell’umorismo o se si prende troppo sul serio e che tipo di conversazione puoi avere con lei. Se mai disegnerò una linea di moda l’umorismo sarà l’elemento chiave.

So che il tuo gruppo preferito sono i Queen, qual è la tua canzone preferita del loro repertorio?

Killer Queen, la prima volta che l’ho sentita mi sono subito chiesta come un uomo potesse descrivere così bene un tipo di donna così decatente. Ne sono rimasta ammaliata.

Qual è il tuo accessorio preferito?

I collant perché sono una patita di skate e mi servono per coprire le mie gambe piene di lividi.

POLLY SCATTERGOOD

2009-05-02T17:11:00.004+02:00

Nome: Polly Scattergood
Nazionalità: inglese
Età: 22
Etichetta: Mute
Ultimo lavoro: I Hate the Way (single)
Segni particolari: Pazza per il vino rosso
For lovers of: Tori Amos, Kate Bush, Cassie (Skins character)

Qual è stata la tua prima grande passione, la poesia o la musica?

Sono due passioni che sono sbocciate dentro di me simultaneamente, in quanto una completa l’altra.

E’ proprio di questo che volevo parlare, nelle tue canzoni le poesie assumono la valenza di testo che unito alla musica diventa canzone. Quando hai cominciato a cantare le tue poesie?

Ho sempre scritto simultaneamente musica e testo, solo successivamente ho cominciato a scrivere poesie senza accompagnamento musicale. Succede perché spesso l’ispirazione mi coglie di sorpresa mentre sono sul bus o per la strada e non potendo fare musica al momento, sul posto, la trasformo in poesia. Le parole si scrivono da sole nella mia mente.

Da dove viene Polly Scattergood?

Sono nata in un piccolo paese sul mare, mia mamma è un’artista e mio padre un attore. Ho lasciato casa a sedici anni e mi sono trasferita a Londra per diventare musicista.

Che bambina eri?

Ero un totale disastro non che molto rumorosa, spaccavo piatti e lasciavo cadere oggetti purchè facessero un rumore interessante. Almeno per me!

Hai girato una serie di video in cui canti o leggi poesie, tutti molto bucolici, romantici e malinconici. Quando hai cominciato a girare questa serie di clip che hai chiamato Polly World?

Non ricordo, so solo che sono diversi tra loro e che dipendono totalmente dallo stato d’animo che avevo nel momento in cui li ho girati. Li considero come dei collage astratti. Mi sembra carino riuscire a fare entrare le persone che non mi conoscono dentro ad un pezzo del mio mondo senza il bisogno di dare via la mia anima.

Guardando questi video sembra che tu abbia un forte legame con la natura, confermi?

Vivendo a Londra non ho molta natura attorno a me. Ma amo guardare la vita e tutto quel che è in essa. Mi faccio condizionare molto da tutto quello che mi sta intorno.

E’ vero che sei una fan del vino rosso? Se sì, dovresti venire presto in Italia…

Mi piacerebbe molto venire in Italia, da quel che ho sentito è un paese meraviglioso. Ma sono appena tornata dal sudovest della Francia dove ho potuto apprezzare molte bottiglie di Bordeaux!

Cosa t’ispira di più nel comporre una canzone oltre al vino rosso…?

L’ispirazione arriva a caso senza un motivo e la maggior parte delle volte nel momento più inopportuno.

La prima volta che ti ho vista è stato su YouTube, era un filmato in cui recitavi una poesia intitolata I Hate the Way. Mi ha emozionato… sai d’avere una sorta di potere che scava nell’emotività delle persone?

Credo che quando ti esponi, la prima cosa che devi sperare è che le persone provino delle emozioni ascoltandoti o guardandoti, belle o brutte che siano. Sarebbe brutto mettetre cuore e anima in qualcosa che nessuno può sentire a livello emotivo.

Hai un cuore dark?

Credo che il mio cuore sia come un gelato Magnum al contrario. Nero dentro e bianco fuori!

Quali artisti ti hanno portato a intraprendere questa strada?

Troppi. Amo Leonard Cohen, le sue parole e quell’umore noir che trasmette in ogni suo testo.

Hai un sogno ricorrente?

Sì, una strega mi rincorre lungo un corridoio senza fine.

Come è nato il testo del tuo primo singolo Nitrogen Pink?

Non saprei come iniziare, credo sia una delle canzoni più astratte che ho scritto ma ricordo che il testo è nato di sera e che all’epoca vivevo a Streatham. E’ una canzone che parla della fragilità della vita, e di come a volte nonostante ci sembri forte si possa sgretolare in un attimo davanti ai nostri occhi, lasciandoci disarmati e impotenti.

Quanto dovremo aspettare per ascoltare il tuo album di debutto?

Se tutto va bene uscirà all’inizio del prossimo anno e sarà il frutto di tre anni di dura fatica. Sarà un album parlato, elettronico, rumoroso e tranquillo, pieno di strati, sentieri e porte segrete.
Descriviti in tre parole:

Indecisa, intellettuale, smemorata.

Natalie Portman’s Shaved Head

2008-11-17T13:29:00.003+01:00

La prima volta che il mio occhio ha scorto il nome di Natalie Portman tra gli elenchi dei nuovi gruppi indie Usa ho pensato: ecco, dopo Scarlett Johansson è arrivata pure lei, speriamo sia meno pretenziosa e più leggera delle labbra più infuocate del cinema. Poi ho letto meglio e ho capito che non si tratta dell’ennesimo album di una delle starlett più cool di Hollywood, ma di un gruppo di ragazzetti fuori di testa il cui nome per intero è Natalie Portman’s Shaved Head: geniale! La testa rasata di Natalie Portman è una band di Seattle ma non ha nulla a che fare con il grunge, sono quattro nerd stilosi appena usciti dalla high school che hanno cominciato a comporre musica per caso, solo per partecipare al concorso annuale della scuola. Glistening Pleasure è il titolo del loro primo album il cui catchy pop da dipendenza merito dei casio synth e di testi coscientemente stupidi e irriverenti come quello di Sophysticated Side Ponytail, singolo che porterà i shaved head alla ribalta.

Ciao Luke! Come prima cosa raccontaci qualcosa sul vostro background musicale…
Siamo tutti amici dai tempi del liceo, mangiavamo insieme e creavamo film. Un giorno Shaun ed io abbiamo deciso di formare una band solo per il gusto di partecipare al talent show di fine anno. Originariamente dovevamo essere una band elettronica a cappella in cui avremmo riprodotto i suoni degli strumenti a voce per il semplice fatto che nessuno di noi sapeva suonare uno strumento. Alla fine abbiamo capito che era molto più facile fare pasticci con una drum machine e un vecchio sintetizzatore e che l’idea della band era troppo complicata. Abbiamo chiesto ai nostri amici David e Sarah di unirsi a noi, e scritte alcune canzoni è nata la band!

Immagino il vostro nome venga dal film “V for Vendetta” ma perché?
Non sapevamo esattamente di cosa trattasse il film quando abbiamo scelto il nome. Quello che sapevamo era che Natalie Portman si era rasata la testa per interpretare una parte in un film. Fu esattamente quando tutti i canali d’intrattrenimento iniziarono a impazzire per questa notizia, non si parlava d’altro, così abbiamo pensato di usarlo come nome. Non avremmo mai pensato di poter fare un’intervista con un magazine italiano con un nome stupido come il nostro. (Luke strizza l’occhio).

Sono curioso di sapere se Natalie Portman sa che esistete…
Sono felice di poter dire che in qualche modo ci conosce. La sorella di Claire, (insieme a Luke i cantanti del gruppo n.d.g.), lavora a New york in una bakery e un giorno Natalie Portman in persona è entrata nel negozio. Claire non ha resistito nel non menzionare qualcosa riguardo la band della sorella a Natalie che ha risposto qualcosa tipo “Oh, questo sì che è stupido…”. Non credo che le abbia dato molto peso, magari se sentirà parlare di noi in futuro si ricorderà di quell’episodio. Certo capisco che dev’essere strano sapere che esite una band che come nome usa il tuo.

Il vostro album s’intitola Glistening Pleasure, un nome che sembra nato da uno sbaglio, è così?
Stavo chattando con un mio amico online quando ha accennato qualcosa riguardo al listening pleasure ma lo ha scritto con una g davanti. E’ un divertente gioco di parole preso da una frase popolare. E’ sdolcinato! Può anche suonare sporcaccione se lo vuoi. Per me è splendente e felice e credo ci calzi alla perfezione.

I vostri testi parlano di teste rasate, code di cavallo e barbe, siete ossessionati dai peli?
In realtà non ho realizzato quanto avevamo a che fare con i peli fino a quando non ho cominciato a fare interviste. Si tratta comunque di una coincidenza. Ma credo che i peli siano impressi nella mente di qualsiasi teenager in fase di crescita.

Il video di Sophysticated Side Ponytails è acid pop psichedelico superdivertente! Mi ricorda Time to Pretend degli MGMT, chi lo ha diretto?
Il video è stato girato da due incredibili registi di Seattle noti come That Go (www.that-go.net). Li abbiamo incontrati tarmite il ragazzo che si è occupato di mixare il nostro album, un giorno Noel, (uno dei due riegisti), è venuto sul set per fare un saluto e abbiamo cominciato a parlare di musica e di video a ruota libera. Mi chiese se avevo visto il video degli MGMT e io gli risposi che lo amavo, da lì è cominciata la nostra collaborazione. Volevamo creare qualcosa che risultasse visivamente divertente e accattivante mettendo in evidenza il lato cheap della produzione. Abbiamo girato il video in tre giorni, dentro a un magazzino di fronte ad un green screen. Poi la magia è stata aggiunta in post-produzione. Noi abbiamo dato l’imput sulle immagini che avremmo voluto come sfondo: ricordi e foto della nostra infanzia, messaggi segreti che non abbaimo mai avuto il coraggio d’inviare e foto di persone di cui volevamo vendicarci. Volevamo risultasse come la pagina di myspace di nostra sorella minore in preda all’uso di steroidi.

Ascoltando la vostra musica direi che avete un approccio creativo diy, cosa mi dici a riguardo?
Tutto l’album, dalla scrittura alla registarzione, è stato fatto nel mio studio allestito in un piccolo basement. Abbiamo passato un’anno a creare e ditruggere, creare e distruggere e creare di nuovo. Quando abbiamo iniziato sapevamo molto poco di musica tanto meno suonare strumenti, per non parlare di strutture. Ma avendo l’opportunità di lavorare in uno studio gratis ci ha permesso d’imparare. E’ una nuova era in cui ogni ragazzino può creare un album che suona professionale restando nella sua cameretta e senza spendere un cent. Il Do It Yourself al momento è una necessità ma avendone la possibilità mi piacerebbe registare un album con Quincy Jones in uno studio a Malibu che s’affaccia sull’Oceano Pacifico, con Timbaland che aggiunge un paio dei suoi beats e Kanye che improvvisa uno dei suoi versi sopra una delle nostra canzoni. Non sarebbe magnifico?

Quali sono le vostre influenze musicali? Nella vostra musica si sentono Peaches, Of Montreal, Css e Daft Punk ma filtrati da un gusto disco pop contagioso farcito all’mdma. Ho centrato il punto?
Yeah! Questa si che è una buona stima. Amo il catchy pop trasmesso dalle radio, e allo stesso tempo impazzisco per il pungo ruvido del rock e della scena electro. Combina il tutto e otterrai i Natalie Portman’s Shaved Head! Al fianco degli artisti che hai menzionato aggiungerei i nomi di Hot Chip, LCD Soundsystem, Junior Senior, The Fiery Furnaces e Weezer, ma potrei continuare all’infinito.

Come sono i vostri live?
L’energia che si sprigiona ai nostri show è folle… puoi sentirla salire dal pubblico. Cerchiamo di far divertire chi viene a vederci mettendo in scena un divertente party dance senza grandi pretese. E’ uno scambio d’amore tra noi sul palco e il pubblico sulla pista. Quando lo show è finito mi piacerebbe che le persone si domandassero: “Dannazione, dove cavolo sono stato l’ultima ora?”.

Guardando le vostre foto direi che vi divertite a giocare con la vostra immagine. Chi è la vostra icona di stile?
Cerchiamo di seguire il nostro gusto personale a livello di stile, anche se è un concetto molto vasto. Di base comperiamo vestiti ai negozi dell’usato o nei charity shop e poi li modifichiamo cucendo, tagliando e aggiungendo trucchi. Ammiriamo molto lo stile di M.I.A., Lovefoxxx, Kanye West e Kevin Barnes. Abbiamo appena cominciato una collaborazione con un’incredibile designer di New York. La sua lineas si chiama Cut It Out. Per noi la cosa più importante è divertirci e sentirci a nostro agio.

L’ultima tua ossessione?
Il nuovo album dei Css, Donkey. Ci siamo scambiati i nostri album l’estate scorsa mentre eravamo in tour insieme e proprio il loro è stato l’album che ci ha fatto da colonna sonora attrarverso l’america sul nostro van. Sono maturati molto a livello compositivo pur mantenendo viva la voglia di divertirsi, ogni volta che lo ascolto mi rendo conto di quanto mi mancano i Css, tutti! Sono le persone più carine che abbia mai conosciuto.

Cosa fate prima di salire sul palco?
Il nostro backstage è un putiferio di vestiti, make up, gente che s’insegue gettandosi l’acqua addosso, finte risse e un sacco d’energia, cerchiamo di prepararci psicologicamente a nutrire i nostri fans.

Nei vostri testi ci sono molti riferimenti all’adolescenza e alla libertà, cosa pensate dei giovani americani?
C’è sempre un periodo della giovinezza in cui si diventa ribelli e si pensa che ogni nostro coetaneo è stupido… ma abbiamo superato quel periodo e ora siamo in sintonia con i nostri coetanei, ci sentiamo cool con i giovani come noi, ma anche con i più cresciuti. Non m’interessa se passano le giornate guardando Britney Spears su MTV. Non m’interessa se stanno tutto il giorno su Myspace o a mandare sms. Questo è quello che la nostra nazione è diventata, e noi speriamo di cavarne fuori il meglio. Divertiamoci finche siamo giovani, a volte non bisogna prendere le cose troppo sul serio.

The B-52's

2008-11-14T14:31:00.002+01:00

Dopo sedici anni di silenzio tornano i The B-52’s il gruppo che sul finire negli anni ’70 sconvolse il mondo della musica con un miscuglio mai sentito prima tra punk, pop, funky e new wave legati insieme da coretti striduli e atteggiamenti teatrali che univano futurismo, anni ’50 e cartoons. Ci hanno pensato loro a fare togliere gli occhi di dosso alla scena di New York facendo girare le facce incredule del mondo della musica verso Athens in Georgia città poco nota per le sue attendibilità musicali prima di B-52’s e poi dei R.E.M. Funplex è il nuovo album della band che torna nella sua line up originale con Fred Schneider, Kate Pierson, Cindy Wilson e Keith Strickland. Ricky Wilson scomparve di malattia nel 1985. Dopo varie vicissitudini e inseguimenti riesco a parlare con un membro della band, Cindy la bionda, che è esattamente come te l’aspetti, la sua voce calda esce dalla cornetta del telefono con esuberanza, e con malizia ed esclamazioni a sproposito risponde ad ogni domanda ridendo fragorosamente, se esistesse l’identikit della fag hag perfetta Cindy vincerebbe senza problemi, con un semplice batter di ciglia (finte).

Ciao Cindy, com’è stato ritornare a lavorare insieme dopo sedici anni?
Hi Honey! So, let me think… C’è voluta molta passione, abbiamo lavorato insieme in modo onesto e ciascuno ha portato il suo punto di vista mostrando l’orgoglio e il proprio ego. Le canzoni sono state concepite in modo democratico, tutto si è assemblato in modo naturale e il disco ha preso forma con naturalezza come se fossimo nati per farlo.

I suoni di Funplex sono meno punk e più electro pop, è stata una scelta meditata o aver lavorato con Steve Osbourne, celebre per aver prodotto Happy Mondays e New Order, ha influito sul risultato finale?
Oh dear! La lista di produttori tra cui scegliere non era molto lunga quindi non è stato difficile scegliere! Ahahah!Quando Steve è arrivato in studio tutto l’album era scritto, ma noi sapevamo che mancando dalle scene da così tanto tempo non potevamo sbagliare il colpo, dovevamo dare il meglio di noi e Steve era la persona giusta. Fred è innamorato dell’album Get Ready dei New Order prodotto da Steve, per questo lo abbiamo scelto.

Il titolo Funplex si riferisce ad uno stato mentale o letteralmente ad un grande centro commerciale?
Funplex è una parola entrata da poco a far parte del vocabolario americano, funplex è l’evoluzione d’arcade e di mall. E’ un punto d’incontro in cui diverse culture e personaggi caratteristici s’incontrano, convivono e s’intrattengono.

Il vostro modo di scrivere i testi non è cambiato, siete sempre diretti e sfacciati, è materiale che non normalmente non si sente alla radio…
Ahahahah! So cosa intendi, abbiamo sempre avuto problemi per i nostri testi scabrosi. Fottuti puritani! Ahahah!Il nostro modo di scrivere è molto poetico, scaturisce da un immaginario dadaista fa impressione sentirlo alla radio ma li inganniamo con le nostre melodie, li teniamo in pugno anche se loro non lo sanno.

A proposito d’immaginario c’è una canzone nell’album che s’intitola Juliet Of the Spirits è un chiaro omaggio a Fellini?
Te lo dico questa canzone è incredibile, voleva essere scritta! Mushroom Hell! Sapevamo sin dalla prima nota scritta che sarebbe stato un piacere scrivere questa canzone, la melodia è così fluida e armonica e il testo poi è wow!
Nino Rota e l’immaginario di Fellini sono qualcosa d’incredibile, toccano il cuore.

Qual è il primo ricordo che ti torna in mente se pensi ai primi passi dei B-52’s?
Il primo party a cui abbiamo suonato non me lo scorderò mai, è stato amazing! Io ero una cameriera, Kate lavorava al giornale locale, Fred e Ricky lavoravano come impiegati alla stazione degli autobus mentre Fred faceva il cameriere. Ci siamo messi a suonare per gioco e stavamo così bene insieme, poi una nostra amica organizzò un grande party e noi decidemmo di scrivere alcuni pezzi per l’occasione. Quella sera fu incredibile, ricordo che Kate aveva degli enormi occhiali neri, io una parrucca bianca altissima e Fred dei finti baffi molto lunghi, sai quando hai la sensazione che sta per succedere qualcosa di speciale? e infatti è stato l’inizio di tutto, quella sera tutti ballarono come pazzi, we have rocked the house! Inoltre io quella sera ho incontrato mio marito, mi ha passato una canna io gli ho offerto la mia birra e ci siamo innamorati a vita.

Vi considerate dei pionieri del punk?
Quando uscì il nostro primo omonimo album nel 1979 l’unica cosa che c’interessava era passare del tempo insieme divertendoci, non ci rendevamo conto di quello che stavamo facendo, forse proprio perché facevamo le nostre cose senza preoccuparci di nessuno abbiamo creato qualcosa d’unico e nuovo.

Vi sentivate come degli outsider all’epoca?
Yeah! What the hell! Veniamo da Athens, non è un posto dove accadono molte cose ma all’epoca era forse la città più liberale della Georgia ed era il posto giusto da dove venire nonostante fosse il più cheap del mondo.

Qual è l’outfit più assurdo che hai mai indossato?
Ahahah!My God, ricordo una parrucca enorme a forma di cuore con una luce che si accendeva ad intermittenza nel mezzo e i tacchi, avevamo dei tacchi così alti che a volte non passavamo dalle porte! E poi aspetta! Un’altra parrucca fatta a birdcage nera con dentro degli uccellini finti, non è incredibile? Can you imagine a wig like that?!

Qual è l’ultimo album che ti ha fatto urlare wow!?
Brian Ferry che canta Bob Dylan in Dylanesque, incredibile.

Nel 1998 avete pubblicato una raccolta antologica che avete chiamato Time Capsule, se dovessi creare oggi la tua capsula del tempo, quando qualcuno la scoprirà tra cento anni cosa ci troverà dentro?
Ahahah! Povero lui! Gooooosh! Ora come ora ci metterei dentro il mio lap top, la mia parrucca preferita, i miei tacchi alti neri, alcune mie poesie e… Oh my godness! Let it go…

The Charlatans

2008-11-14T14:28:00.004+01:00

The Charlatans from Northwich, have created the brit pop scene, but differently from all the other bands of that period, they have survived during all these years and now they are pubblishing their 10th album. You Cross My Path is the record with which Tim Burgess’s band recover the energy and freshness of the beginning. Memorable rivals of the Stone Roses, they have influenced many bands, above all Oasis, even if the Gallagher’s bothers would have make themselves killed before admitting it.

Why did you decide to let people download your record for free trought
the Xfm website, before decided to release it physically?

We believe that more and more people are listenig to music but no one
wants to buy cds.
Downloads are huge, everyone downloads for free illegally we just made
it legal and we did ours because we wanted to stick two fingers up to the record indust
We wanted to get into as many peoples iPods as possible

What have brought you on these fresh and energetic direction
reminiscent of your early years, after the americana and folk influences
of your recent albums?

...Quitting drugs.
I was on a slippery slope towards becoming mediocre.

Is vengeance the subject of the single You Cross My Path?

Yeah! Kinda

How did you get in touch with the art of Faris Rotter, singer of The Horrors?
Have you suggested him to do something in particular for your cover or did you
let him free to do what he wanted?

I Met Faris on holiday in beachy head, east Sussex.
He told me he was in a band and I loved them as soon as I heard them.
When I was asked to do produce 'The Hatcham Social'
single, I was told Faris was doing the artwork.
I became actually a fan of his Edward gorey inspired art and actually
bought 3 pieces of his when he had an exhibition (he later told me he
would have given them for free) When the charlatans decided on a black
cat for the sleeve of You Cross My Path I thought a drawing by faris
would be awesome.
I was really glad he seemed keen to do it.
He asked what style
I told him I liked a blackbird/crow drawing he had at the exhibit He
said 'that is the only info he needed'
He drew me '5 cats on fire'
I said nothing
I think it is really awesome by the way...

Charlatans are one of the few bans that starting his career in the brit
pop era have continue making music without losing credibility, it was
hard to achieve this results?

I Personally think I will always be true to myself therefore I can
only be credible.
I am the real deal, if you don't believe me listen to our new record.

How do you see the music biz change since early 90's?
Who win the battle now: money or music?

The money has to come back to the musicians it will be a slow change
but we have been starved by the fat cats at the head of the
corporations.
Good music is made by people who are hungry, not people who are
starving,penniless,homeless and with bills to pay, and a threat of
jailtime over their heads. You don't have time to make music when you're an alcoholic trying to
take the pain of your own reality away. I know, I have been there.

Did you pay attention to the music scene around you now a days?

I love music and have always been interested in the music around me.
Today I am listening to paul weller's new album 22 dreams My favourites
and our opening act tonight 'The Hatcham Social' Ulterior are a new band
from Leeds check out their single 'Weapons' Its genius. Also I like to
shake it a little to Tiao Cruz ft Luciana - 'come on girl' (which is a
little worrying but hey.!!!)

If The Charlatans would be a new band today who do you think would be
their antagonist?

We can antagonize and have antagonized people with one word, a simple
song or a summer haircut. We just want respect from our peers. We have seen off our competition from the past, that unfortunately is just a fact of life.

The Charlatans gig are amazing, how did your reach these sound
perfection? Are you a fan of details?

Tony is a fan of 'Detail' Mark is a fan of 'Feel'
Martin is a fan of 'Muscle' and I a m a fan of 'Spirit'
Jon keeps us all in time i.e keeps the beat.
Guess that is our sound if you break it down into specifics.
For the new record we were very specific with what we wanted.

I grown up listening brit pop, I regreat the entusiasm in music of that
day, which is your best memory of that period you had?

I was obsessed with all things factory (Manchester record label) the
best memories were actually working in a chemical factory (ICI) and
listening to all this great local music (New Order, The Wake, 52nd
Street, ACR) I Could dream all day with my headphones on.

If the new album will be the soundtrack of a movie, wich movie would
be?

A movie about a person living in los angeles writing an album about
growing up in Manchester.

Is it true you will be release the album in a vinyl 45 box set? Do you
think the vinyl will hit the road again after the mp3 invasion?

There was talk of a 45 box set but we changed our minds and went for
the more common 12'' 33rpm.
I do love vinyl

This is your 10th studio album, do you have any feeling about it?

Yes I feel/we feel that is a contender for being our strongest record
to date.
We have come to realize that over the years the charlatans have released
albums that have really changed peoples lives (wonderland/telling
stories/us and us only and some friendly) and we are very respectful of
this.
But with the situation surrounding this record giving it away for free
etc we felt a certain revitalization and we feel the spirit of the
record really cuts through in a time of much blandness.

The Guillemots

2008-11-14T14:12:00.003+01:00

Nel 2006 Trough the Windowpane, album d’esordio degli inglesi Guillemots fece sognare ben più di una persona, con inaspettate atmosfere eteree, spazi aperti, spiagge brasiliane e i tramonti. Oggi l’atteso seguito Red farà risvegliare bruscamente chi stava ancora sognando. I Guillemots aprono gli occhi, lasciano la malinconia da parte e si abbandonano alla vita, scoprendo di voler farci ballare, cantare, saltare, denudare, attraverso un mondo caleidoscopico fatto di suoni e visioni in cui predomina il colore rosso. Aristazabal Hawkes splendida bassista e unico elemento femminile della band di Birmingham ha fatto due chiacchiere con Hot.

Il Rosso è un colore che determina uno stato di allerta, sulla copertina del disco c’è un enorme gomitolo rosso che potrebbe essere anche visto come un pianeta, cosa volevate esprimere intitolando l’album Red?
Volevamo sottolineare tutti i segni d’allarme che ogni giorno ci troviamo di fronte, il momento storico che stiamo attraversando non potremmo certo definirlo bianco. La politica, la società, il clima, è tutto uno stato d’allerta.

Quindi non è un caso se Kriss Kross il pezzo che apre l’album comincia con una sirena e continua con un ritmo drammatico e incisivo?
No l’abbiamo messa come prima canzone intenzionalmente, questo brano però è stato registrato in una sinagoga, senza luce, senza riscaldamento, forse anche questa condizione ha contribuito alla dramamticità del pezzo. Ci stavamo congelando il culo!

Il vostro album di debutto era cinematico, sognante e romantico, il nuovo invece al primo ascolto è spiazzante, ci sono più chitarre, sintetizzatori e anche canzoni ballabili. Cosa ha determinato questa virata pop?
Trough the Windowpane era essenzialmente un album scritto da Fyfe (Dangerfield il cantante n.d.g.), quando siamo entrati in studio era tutto pronto, Fyfe aveva già chiaro in mente cosa fare e noi lo abbiamo seguito. Per Red invece ognuno ha contribuito alla stesura dei pezzi, Greig il nostro batterista in questi due anni ha raccolto un sacco di beats e di sample nel suo laptop che sono stati il nostro punto di partenza, ci siamo sentiti una vera band per la prima volta, improvvisavamo sopra questi beats mentre Fyfe scriveva i pezzi sul momento e dava suggestioni. Non siamo persone a cui piace ripeterci non avremmo mai fatto un album sognante #2.

Ho letto che avete usato strani strumenti per registrare le percussioni, me ne parli?
Abbiamo usato qualsiasi cosa trovavamo in giro, tacchi di scarpe, bottigliette, giocattoli, con il primo album tutti ci prendevano tutti troppo sul serio, ci facevano domande tipo: quali sono i vostri jazzisti preferiti?, Questa volta avevamo voglia di divertirci e ti assicuro che è stato così, nonostante gli up and down emotivi da studio.

Ma io mi riferivo allo strumento che cattura le onde sonore dei pipistrelli…
Oh sì! Fyfe ha portato in studio un “bat detector” in grado di percepire suoni che l’orecchio umano non sente. Lo abbiamo usato in Big Dog è stato molto strano perché le frequenze che questo strumento emetteva erano a tempo con il pezzo, sembrava in grado di seguire la nostra musica. Nella stessa canzone c’è anche il suono del motore di un camion convertito in un beat.

Get Over It è uno dei pezzi in cui si sente maggiormente il vostro cambiamento. Per questo lo avete scelto come primo singolo?
Anche per questo e perché è un bel pezzo, all’inizio era meno moderno e aveva un appeal più ‘60s, se lo ascolti attentamente puoi ancora sentirlo, solo che puoi ballarci sopra. Come ti ho detto abbiamo improvvisato molto, infatti Kriss Kross, Get Over It, Last Kiss sono tutte canzoni nate in questo modo.

Potrei descrivere Red come la tempesta dopo la calma?
Assolutamente! Volevamo creare un album in cui ogni canzone suonasse diversa, e non un disco in cui dopo aver ascoltato tre brani capisci subito come sarà il resto. Oggi con la iPod generation è difficile che qualcuno compri un album intero, tutto funziona a pezzi, noi abbiamo cercato di fare un album composto da pezzi che potrebbero essere tutti singoli. Volevamo fare un grande album fatto di canzoni pop da potersi ascoltare sia di giorno come sottofondo alla quotidianità che di sera per divertirsi sparato a tutto volume.

Sam Sparro

2008-11-14T14:10:00.002+01:00

Sam Sparro è un performer, produttore e songwriter che sta invadendo il mondo con la sua musica ingegnosa e il suo stile innovativo. Black & Gold è il perfetto esempio di canzone crossover, un mix brillante tra rock, 70’s synth, 80’s pop, disco, house con una voce soul che ha attirato l’attenzione di artisti quali Chaka Khan e Prince. Il risultato è un album alternativo ma pronto a conquistare le masse con canzoni che spaziano tra i generi ma che riescono a mantenere uno stile riconoscibile. Nato in Australia in mezzo alla musica, il nonno fu il trombettista di Frank Sinatra e il padre è tutt’ora un apprezzato cantante gospel, a dieci anni Sam si traferisce in America a Los Angeles assorbendo e innamorandosi della musica nera, quì inizia un tour nel coro gospel in cui si esibisce il padre e partecipa come attore ad alcuni commercial. Raggiunta la maggiore età Sam si trasferisce a Londra dicendo: Sento che lì diventerò qualcuno. Aveva ragione.

Sei cresciuto in un ambiente artistico e religioso, quanto ha influenzato la tua musica?
Ho cominciato a cantare in chiesa a otto anni, allora vivevo a Los Angeles e le funzioni religiose in America sono molto diverse da quelle europee, loro cantano, hanno questi cori gospel grandiosi che sono una gioia per le orecchie, ti affascinano, da giovanissimo ho intrapreso un lungo tour con il coro gospel in cui cantava mio padre, è stata questa la mia formazione.
Black & Gold il tuo primo singolo è una canzone che parla di fede, è stata ispirata da quel particolare periodo della tua vita?
In un certo senso si. Black & Gold è un pezzo che nasce da una serie di domande molto semplici come: esiste davvero Dio? A cosa dobbiamo credere? E soprattutto ci serve credere in qualcosa? Io mi sono spesso perso in mezzo a queste domande perché non hanno una risposta concreta ma solo attraverso un percorso interiore privato si può arrivare alla propria verità.

E hai trovato la tua risposta?
Io credo che non ci sia una risposta. E’ una vita misteriosa la nostra.
Sidney, Los Angele e poi Londra, ti senti più vicino alla cultura Europea?
Mi piace molto l’Europa, soprattutto l’Inghilterra, è un paese molto aperto, di cultura, con una storia solida alle spalle e cosa molto importante le persone sanno godersi la vita, è un piacere viverci.

Il tuo album omonimo è come una grande scatola che ne contiene tante piccole, ciascuna con un colore diverso, una specie di matrioska ma fatta di musica, cosa ne dici?
Oh che cosa carina! Ciò che voglio è che le persone scoprano qualcosa di nuovo ogni volta che ascoltano le mie canzoni, non è un semplice album pop. Ho volutamente scelto di fare un album variegato anche perché io ascolto qualsiasi genere di musica, inoltre mi piaceva l’idea di creare un album per questa iPod generation e dare l’idea di aver selezionato la funzione shuffle a chi lo ascolta.

In Pocket, la canzone che apre l’album, canti : Yeah keep your friends close, and your enemies in your pocket. Hai più amici che ti stanno vicino o più nemici nelle tue tasche?
Sono sempre andato avanti per la mia strada senza guardarmi troppo intorno e sì, mi sono fatto dei nemici ma sono soprattutto quelle persone che pretendono di ottenere qualcosa fingendosi amiche. Ci sono un sacco di persone meschine e false, che cercano d’ingannarti, devo sempre dormire con un occhio aperto. Gli amici di cui posso realmente fidarmi, quelli veri sono pochi ma per me sono tutto.

Scegli tre artisti senza di cui la tua musica non esisterebbe:
Sade, Prince e i Daft Punk, li adoro, proprio non potrei vivere senza i Daft Punk!

Come nascono le tue canzoni?
Cantando sotto la doccia.

Hai dovuto superare molti ostacoli prima di trovare chi credesse nella tua musica?
L’ostacolo più grande è stato trovare il tipo di musica che mi descriveva meglio e trovare il mio stile personale. Credo che l’ostacolo più grande di ogni persona sia cercare di rendere la propria vita interessante.

Cosa ti esalta di più se pensi al tuo album?
Che è finito e che le perosne lo possono comperare e ascoltare! Ho passato così tanto tempo a lavorarci che non mi sembra vero che ora sia finito, ma sono pienamente soddisfatto non cambierei nulla nemmeno se potessi farlo ora. E poi chi poteva prevedere che così tante persone avrebbero apprezzato la mia musica, è incredibile, ho ancora la bocca spalancata.

Come descriveresti un tuo concerto, è rock, è più un dance party o uno show?
Stravagante come portare un coro gospel, la chiesa e Las Vegas in un club.

Come una serata al Limelight di New York negli anni ’80?
Esattamente!

Cosa vuoi che la gente conosco di te come prima cosa?
I don’t give a shit! Che sono una perona molto divertente e tutti mi devono amare.

Spesso vieni descritto come una diva, ti ci ritrovi in quest’etichetta?
No! Non sono una diva, chi mi conosce lo sa, ma mi piace atteggiarmi da diva, è divertente. Ma non m’interessa cosa pensa la gente di me, non me ne sono mai preoccupato.

Quando sei diva quali sono i tuoi stilisti preferiti?
Ksubi, Jeremy Scott e Garretth Pugh.

Portishead

2008-11-14T14:05:00.001+01:00

Portishead
Nei primi anni ’90 i Portishead insieme a Massive Attack e Tricky inventarono il cosidetto trip-hop, tutte e tre le band si conoscono e all’epoca vivevano a Bristol, Uk nella stessa via. Li immaginiamo tutti insieme appassionatamente nello squat di Tricky a fumare come dei pazzi mentre si fanno un brainwashing sull’ultimo sample rubato ad un vecchio vinile di un’artista sconosciuto trovato al mercatino. Dopo due album che hanno scalfito la storia della musica Dummy e l’omonimo Portishead e il leggendario Roseland NYC Live, Beth Gibbons, Geoff Barrow e Adrian Utley si sono presi una lunga pausa dalla band dedicandosi ognuno a progetti personali e famiglia. Oggi nessuno sperava più in un nuovo album dopo annunci e smentite che hanno accompagnato questi dieci anni di silenzio. Finalmente Third è qui, ed è cattivo, oscuro, spietato, claustrofobico, tutto suonato con strumenti veri e comunque maledettamente Portishead. Geoff è arrivato a Milano per raccontare come è nato Third.

La prima parola che mi viene in mente per descrivere Third è apocalittico, è un termine che useresti?
Il sentimento che ripercorre all’interno di questo album è la frustrazione, ma non solo verso la politica che fa schifo, ma anche indirizzata alla razza umana. Abbiamo parlato molto tra di noi durante la lavorazione più di quanto abbiamo fatto per gli album precedenti, abbiamo discusso d’arte, di musica, di vita e abbiamo cercato disperatamente di riversare nelle nostre canzoni l’essenza di queste discussioni a volte con succcesso altre no, abbiamo cercato di rendere il più possibile interessante la nostra musica. Se ha senso direi che abbiamo fatto la cosa più innaturalmente naturale che potessimo fare. (ridacchia).

Saranno state discussioni estenuanti considernado che l’intero album sembra dirci “attenti il pericolo è dietro l’angolo”…
Sì puoi giurarci! Per questo il risultato suona come se Nico incontrasse i Public Enemy. Inoltre è il nostro album più suonato, io ho un serio problema con la tecnologia, nel senso che quando la usi in modo creativo è fantastica, ti permette di fare cose incredibili e inimmaginabili, folli se vogliamo ma più suono e più mi accorgo che il suono organico mi da più soddisfazione, la tecnologia va bene per samples o per stimolare le idee ma la musica suonata è più emozionante. So che in molti si aspettavano un album più elettronico ma siamo tre persone dalla forte personalità che si muovono d’istinto in modo imprevedibile e che odiano ripetersi.

Quanto sono importanti per i Portishead i dettagli?
Siamo ossessionati dai dettagli, cerchiamo di tenere sotto controllo qualsiasi aspetto del nostro lavoro che per noi non si esuarisce in studio o su un palco. Siamo fortunati perché abbiamo molti amici che ci aiutano nei visuals, negli artwork, non ci piace usare nomi di artisti famosi per far parlare di quello che facciamo.

Cosa rimpiangi del periodo trip hop?
La genuinità della musica, oggi le major pensano solo a far soldi, è tutto marketing, non c’è nulla di spontaneo. Guarda i ragazzini, passano ore davanti a Myspace, quando noi eravamo adolescenti volevamo solo ubriacarci e spaccare tutto! Ci sono cose che mi piacciono come Arcade Fire e Arctic Monkeys, di certo non mi troverete mai a cantare ad un concerto di James “fucking” Blunt.

Geoff, cosa credi renda una canzone perfetta?
Buone melodie abbinate a testi di spessore, un buon arrangiamento e l’utilizzo di strumenti in modo non convenzionale, quando la canzone riesce a trasmette un’emozione è buona.

Ma c’è un brano che per te rappresenta la canzone perfetta?
“Suzanne” di Leonard Cohen.

The Ting Tings

2008-11-13T13:35:00.003+01:00

Non sono facili da reperire The Ting Tings, a Londra il fenomeno attorno a loro è esploso inaspettatamente tanto che ora è difficile trovarli quasi quanto il biglietto per un concerto dei Radiohead.Chi l’avrebbe mai detto che un duo voce e batteria con canzoni semplici e ballabili costruite su filastrocche apparentemente infantili, avrebbe scosso in questo modo le charts. Il mediterraneo Jules De Martino e la biondissima Katie White hanno diverse esperienze alle spalle, lui come compositore e cantante dei Mojo Pin, lei giovanissima era un membro delle TKO band per teenagers tipo Step o Five, una di quelle trashate preconfezionate che solo gli inglesi sanno far funzionare in classifica. Poi il fato li ha fatti incontrare e la canzone Great Dj li ha resi celebri, oggi il loro primo album We Started Nothing è inchiodato al numero uno della classifica inglese, stessa sorte è toccata al loro secondo singolo That’s Not My Name. Dopo varie peripezie riesco a raggiungere via telefono Katie che mi risponde con uno sbadiglio. Ma come? La band più colorata, divertente e danzereccia del momento mi saluta sbadigliandomi in faccia alle tre del pomeriggio? Glielo dico e…
“Scusami, ieri sera abbiamo avuto il nostro primo concerto come headliner al London Astoria, poi siamo usciti e ci siamo ubriacati, Jules sta ancora dormendo io sono in hangover e mi scoppia la testa ma è stato grandioso! Ora è ufficiale, il popolo londinese ci ama!”

Dopo un successo bisogna sempre festeggiare! Anche se a giudicare da come vi stanno andando le cose potreste festeggiare con un hangover ogni giorno, ma veniamo all’album We Start Nothing un titolo che sembra una dichiarazione, un modo per mettere le mani avanti e non rimanere intrappolati nell’hype del momento?
In realtà il titolo si riferisce al fatto che abbiamo formato una band senza l’intenzione di volerla formare, eravamo molto amareggiati nei confronti della discografia dopo le brutte esperienze che sono capitate ad entrambe. Le nostre canzoni le abbiamo composte principalmente per i nostri amici, non pensavamo attorno a noi diventasse tutto così serio, proprio nel momento in cui eravamo disillusi su tutto. L'aver messo il pezzo che da il titolo all'album in chiusura è più legato al discorso che hai fatto tu.

Le vostre canzoni sono molto semplici, catchy pop e dance beats che s’incollano nella testa, si ascoltano e si cantano all’istante, è questo il segreto del vostro successo?
Io sono cresciuta con la musica pop, a scuola avevo l’astuccio delle Spice Girls e ascoltavo i Backstreet Boys, avevo quattordici anni e la radio non passava altro! Credo che saper scrivere canzoni che rimangono impresse sia un dono che hanno in pochi quindi grazie, poi non so se è un segreto ma è il nostro modo di vedere la musica.

E’ vero che il vostro primo singolo Great Dj è nato tramite un tuo sbaglio?
Yeah!Circa un anno fa eravamo al The Mill a Salford, è un posto fantastico, un punto di ritrovo e di riferimento per artisti, filmaker, designer, un posto molto creativo in cui si fanno anche mostre d’arte, e dove noi abbiamo creato il nostro album. Jules stava suonando la batteria e io che non avevo mai suonato la chitarra prima di allora mi sono applicata alla corda d per ore, ad un certo punto Jules mi ha urlato: mi stai facendo impazzire cambia ti prego! Mi sono quasi spaventa e ho spostato velocemente le dita sulle corde all’improvviso ed è uscito uno strano suono che è diventato Great Dj.

Un incidente fortunato!
Mai avremmo immaginato verso cosa ci avrebbe condotto quel pezzo, noi pensavamo di far musica per divertirci e suonare alle feste nulla di più. Eravamo disillusi, abbiamo avuto entrambe esperienze pessime con la discografia ma è stato Mike Pickering creatore degli M People a convincerci a farci firmare per una major, ci siamo fidati perché è una persona che lavora nell’ambiente da anni e ha firmato artisti come The Gossip, Kasabian e Mark Ronson.

Come canti in Gret Dj “The drums, the drums, the drums…” proprio la batteria è l’elemento costante che caratterizza le vostre canzoni…
Sì lo è anche perché la batteria è l’unico strumento che ci ha permesso di poter fare musica, io suono appena la chitarra e Jules è batterista, non volevamo altri membri nella band quindi la scelta possibile è stata una sola, quindi abbiamo usato la batteria come elemento di partenza e creato il resto con la tecnologia.

Nel video di Great Dj fate un balletto coreografato, lo proponete anche dal vivo?
No, non possiamo altrimenti chi suona?! Ti racconto un aneddoto divertente, volevamo fare un video con un balletto simpatico così il regista a fatto arrivare sul set un coreografo molto famoso e questo serissimo ha iniziato a farci vedere una coreografia tipo Flashdance, con calci in aria e piroette che noi avremmo dovuto eseguite! Dopo un attimo di sbigottimento in cui non sapevamo se ridere o piangere di fronte a quelle mosse gli abbiamo detto che noi non potevamo eseguire una coreografia di quel tipo, primo perché non ne saremmo stati capaci e poi perché non volevamo apparire come due idioti! Lui si è arrabbiato moltissimo e ha lasciato lo studio sbraitando e così dopo esserci ripresi dallo choc in cinque minuti seguendo il ritmo della canzone abbiamo fatto il balletto che vedi ora nel video.

I vostri testi e il modo in cui canti suonano spesso come una filastrocca, è una particolarità imposta o nata per caso?
La mia voce è al tempo stesso la melodia delle canzoni, si è vero a volte sembra che non ho il tempo di riprendere il fiato ma questo è il mio modo di cantare.

Jules De Martino ha un cognome italiano sai dirmi quali sono le sue origini esatte?
Certo è pugliese di Foggia, quando l’ho conosciuto io vivevo a Manchester e lui a Londra dove ora abitiamo entrambi.

Quale storia si cela dietro a That’s Not My name?
Letteralmente non è una canzone che parla di qualcuno che si è dimenticato il mio nome, ma racconta di quanto io e Jules eravamo frustrati nei confronti del music biz, delusi, illusi, e invisibili alla maggior parte degli occhi come se non esistessimo, senza volto e senza nome. Abbiamo trasformato il concetto in una canzone divertente anche se ci ricorda un brutto periodo. A screwing and fucking song!

Dimmi tre band che sono state essenziali per la tua formazione artistica:
Talking Heads, Tom Tom Club e Blondie.

Foals

2008-11-13T13:28:00.002+01:00

Sembra piccolo e minuto Yannis Philippakis in mezzo ai suoi Foals, ma la verità è che gli altri membri della band sono dei colossi e lui quasi vi scompare nel mezzo, ma quando sale sul palco con il suo forte carisma ed una presenza scenica invidiabile ai più si vede solo lui, sono gli altri a scomparire al suo cospetto. Yannis con i suoi balletti nervosi si agita, suda, suona la chitarra tenedola alta, con la tracolla che sembra quasi strozzarlo mentre contribuisce a forgiare l’intruglio sonoro di Antidotes l’album più innovativo di questo 2008 in cui ritornelli catchy alla Franz Ferdinand, si scontrano con strutture care ai Talkin Heads, al punk funk pruriginoso dei Rapture e si mescolano ad accenni di techno minimale. Tutto arricchito da una sezione fiati fortemente voluta dal produttore Dave Sitek mente dei TV On The Radio. Yannis ci aspetta nell’ufficio della venue milanese, sigaretta in bocca, piedi sul tavolo, sguardo affascinante e consapevole, mi sembra un boss di qualche organizzazione segreta fashionista:
“Prego accomodati nel mio ufficio! (scoppia a ridere) Mi sento un boss della CIA negli anni ’70 è bellissimo qui anche se mi mette un po’ d’ansia, ma sai siamo stati due giorni ad Amsterdam e non abbiamo fatto altro che fumare erba, ho il cervello ancora annebbiato mi scuso in anticipo”.

Non preoccuparti, vuol dire che ad Amsterdam vi siete divertiti…
Siamo a pezzi a dir la verità e abbiamo appena cominciato, pensa che il tour finirà intorno a Natale. Se devo essere onesto non vivo il tour come un’esperienza appagante, ci piace suonare dal vivo non fraintendermi ma preferisco il processo creativo delle cose rispetto a quello pratico. Voglio fare un nuovo disco subito, mi piace comporre e creare e vedo ogni altra cosa come una distrazione.

Questo perché siete già stanchi di suonare le canzoni di Antidotes?
No, mi piace suonare, ma non mi piace pensare cosa suonare, preferirei improvvisare e creare qualcosa di nuovo, come quando hai quindici anni e prendi in mano per la prima volta la chitarra. E’ eccitante.

Considerate l’album come un antidoto alla scena ormai consunta di Hoxton?
Oh, gli eroi di Hoxton! (ride) Non lo so, potrebbe anche esserlo ma non è il motivo per cui abbiamo intitolato l’album così. E’ più una domanda, le tematiche delle canzoni affrontano dei problemi e cercano in qualche modo di porvi rimedio, è più un bisogno individuale di trovare un antidoto che il proponimento di una cura.

Il pezzo che apre l’album s’intitola The French Open, lo considerate una canzone o più un intro all’album?
Non è stato scritto come un intro, ma credo che per la sua posizione su disco e per come introduce gli strumenti che sono gli elementi che andranno poi a creare l’intero album possa essere considerato come tale. In effetti anche il testo introduce le tematiche dell’intero disco che parla di giochi finiti in un disastro, nello specifico la canzone si rifersice al tennista Andy Roddick, sono affascinato dal tennis, ho letto un libro Infinite Jets di David Foster Wallace parla di droga e tennis e mi è rimasto molto impresso. Andy è una star americana, ha un servizio più forte di chiunque, è bello, ma è anche vulnerabile come tutti noi. Lui stesso è in cerca di un antidoto.

La struttura delle vostre canzoni è insolita e gli strumenti hanno un ruolo leader rispetto ai vocals, cosa vi ha spinto verso questa scelta?
Sono d’accordo sulla struttura ma credo che gli strumenti e i vocals siano equi, certo non abbiamo il classico strofa ritornello strofa, a volte il ritornello è solo strumentale, le parti vocali sono registrate molto alte e il ritmo è prioritario in ogni traccia. Non c’è stata una vera scelta di stile, ma più un evolversi naturale del nostro stile, credo dipenda anche dal fatto che sono sempre stato un grande fan di gruppi strumentali come i Godspeed You! Black Emperor o il compositore Steve Reich. Mi piace molto anche la world music e sebbene non posso capire i significati del testo mi piace godere della sua essenza musicale. Ci piace mantenere un processo creativo democratico dando lo stesso risalto alla musica, ai testi, all’artwork, ai video, non vogliamo sottovalutare ne privilegiare nessuno di questi aspetti. Dave-Ma che ha fatto l’artwork dell’album e i video di Balloons e Cassius non è un video maker professionista, è un nostro amico che lavora in un kebab shop a Londra, è molto bravo e conoscendoci da tempo è in grado di capirci.

Il video di Cassius con i cuori è molto bello ma ha generato diverse controversie…
Tutti ci hanno stressato con questa storia dei cuori! Perché i cuori? Ascoltatevi il pezzo, il ritornello dice “The wind is in my heart” ecco perché i cuori. Non sono interessato al professionismo, la nostra etichetta ci ha dato dei soldi per fare un buon video e noi come dei ragazzini in vacanza da scuola lontano dagli occhi dei genitori siamo corsi a comperare una montagna di cuori in macelleria per fare il video. Ci piace divertirci, creare qualcosa di personale correndo il rischio di non essere capiti.
Cosa tiene in bocca il ragazzo raffigurato sulla copertina, sembra un miscuglio di denti rotti e pillole…
Esatto e anche fiori. Volevamo ottenere un effetto impressionante.

Arte, cinema e musica, quale ti ispira di più?
Sicuramente l’arte di Francis Bacon, un artista terrificante che ha avuto un forte impatto sulla mia crescita atistica.

E’ stato difficile combinare sax, trombe e trombone con il rock?
E’ stato strano all’inizio anche perché quando abbiamo scritto le canzoni non avevamo in mente quegli strumenti. Quando abbiamo deciso di farci produrre l’album da Dave Sitek ho passato ore al telefono con lui prima di volare con la band a New York nel suo studio. Volevamo che il disco si distinguesse per delle peculiarità ben precise, Dave ci ha fatto ascoltare molti afro-beat ed essendo anche io un fan della musica di Fela Kuti è stato quasi naturale spostarci in questa direzione che ha colori forti e tessiture che si discostano da qualsiasi altra rock band. Dave ci ha condotto attraverso un viaggio, il suo studio era sempre invaso dal fumo, era estate e a New York si soffocava, io registravo i vocals in una stanza e oltre il vetro umido e appannato vedevo gli altri suonare avvolti dalla nebbia. E’ stata un’esperienza folle, non ho mai conosciuto una persona che fuma tanta erba quanta ne riesce a fumare Dave, ma è anche l’unico genio vero che abbia mai incontrato, nonostante abbia un atteggiamento ostile.

Antidotes è un album che necessita più di un semplice ascolto prima di essere assimilato, credi che vi penalizzerà?
Dipende da come guardi le cose, sicuramente sarà un ostacolo per chi ascolta Shakira! Dal mio punto di vista i dischi che si assimilano facilmenti hanno vita breve, forse è difficile entrare nel nostro mondo ma una volta aperta la porta è come un susseguirsi di pop up che si svelano ascolto dopo ascolto.

Cosa mi dici della vostra collaborazione con Four Tet?
Prima di andare a New York avevamo tre tracce finite: Balloons, Tron e Cassius. Ci siamo chiusi in una stanza con Four Tet per tre giorni e abbiamo estrapolato delle piccole parti da ciascuna canzone creando delle specie di versioni extended improvvisate, abbiamo registrato una lunga sessions e poi ce ne siamo andati lasciando il tutto nelle sue mani. Saranno presto realizzate su vinile e come b-side durano dieci minuti ciascuna e hanno un forte dance appeal.

Qual è la tua ossessione?
Oltre la musica?... Coltivare piante, ortaggi e fumare erba.

Blood Red Shoes

2008-11-13T13:22:00.002+01:00

I Blood Red Shoes sono un duo di Brighton, Uk, lei mora, algida e riot inside, lui ricciolo biondo, pallido, efebico, cresciuti a suon di grunge se pur molto giovani hanno una fitta carriera underground alle spalle. Un comune amore per il suono di Seattle e per il gusto gore gli hanno fatto lasciare i rispettivi band mates per formare un esclusivo duo. Nonostante l’accoppiata uomo/donna porti ad inevitabili paragoni, i Blood Red Shoes non hanno nulla a che fare ne con il rock fashionista dei The Kills tanto meno con il post-rock blues dei The White Stripes. Box Full Of Secrets è un album tirato, ruvido, diretto, ma con ritornelli orecchiabili e coretti yeah yeah da cantare a squarciagola quando si ascolta e da pogare fino allo svenimento quando si vede eseguito dal vivo. Sangue e sudore, eros e psiche, energia e bellezza, Steven Ansell voce e batteria e Laura-Mary Carter chitarra e voce aggrediscono lo spettatore con un muro di suono che lascia sbigottiti e sazi, due caratteri opposti che si completano, sapori che si mescolano, immaginate una bistecca cotta al sangue con sopra una pallina di gelato alla fragola, questo è il gusto dei Blood Red Shoes.

Cosa vi ha spinto ha lasciare le rispettive band in cui suonavate per formare i Blood Red Shoes?
Laura-Mary: In realtà entrambe abbiamo lasciato le nostre band perché eravamo annoiati dalla muscia che stavamo facendo, eravamo amici ma non avevamo intenzione di formare una band nostra, abbiamo cominciato a suonare insieme perché non avevamo nulla da fare. Un giorno siamo andati da Brighton a Londra per improvvisare un po’ in studio e vedere cosa succedeva, mentre suonavamo è passato un ragazzo che ci ha chiesto: siete una nuova band? Noi abbiamo risposto di sì e lui ci ha offerto un concerto in città dopo pochi giorni. Incoscienti abbiamo accettato senza nemmeno avere un nostro pezzo finito.
Steven: Così è cominciato tutto, abbiamo scritto tre canzoni in una settimana che successivamente sono finite sul nostro primo 7” Victory for the Magpie e poi sono cominciate ad arrivare richieste una dietro l’altra e noi abbiamo ricominciato a pagare l’affitto. Non avevamo ne una label, ne una sterlina in tasca, per fortuna ora abbiamo entrambe ma suonare il più possibile ci ha aiutati ad andare avanti. Piuttosto di ritrovarmi a lavorare in un ufficio mi sarei lasciato morire sul divano di casa.

L’amore per il grunge e una forte passione per il grottesco sono gli elementi essenziali della vostra musica, sono passioni che vi accomunano?
LM: Il gore è una mia passione, sono sempre stata attratta dal sangue, i disegni che vedi sulle nostre copertine sono miei, credo che rispecchino molto la nostra msica che è “loud and nasty” ma con un lato ironico.
S: Ci piacciono molto i contrasti, mi piace che nelle foto sembriamo due bravi e dolci ragazzi ma con il sangue che ci cola dal naso. Credo che anche le nostre canzoni seguano questa linea, hanno delle melodie dolci ma allo stesso tempo sono molto noizy e credo che questo sia in parte influenzato dal periodo grunge che è stato il nostro primo approccio alla musica quando eravamo poco più che bambini.
L’artwork di I Wish I Was Someone Better in cui è raffigurata una torta nuziale con in cima una sposa decapitata è geniale…
LM: Quel disegno è il regalo che ho fatto a mia sorella dopo che ha annunciato il suo marimonio in famiglia.
S: In Giappone è stata censurata ed è paradossale se pensi a tutti i film d’arti marziali con teste decapitate e arti amputati che producono.

Tornando alla canzone, quando è stata l’ultima volta che avete pensato “vorrei essere una persona migliore”?
LM: Probabilmente ogni giorno!
S: Ci sono alcuni concerti in cui sono particolarmente sballato e cambio il testo in I wish I was a better drummer!
Siete di Brighton e il vostro singolo più conosciuto s’intitola It’s Getting Boring by the Sea. Io personalmente trovo la vita da spiaggia molto noiosa, ma voi al mare ci vivete, sono curioso di sapere da cosa nasce il testo di questa canzone…
LM: E’ una canzone che si riferisce alle persone che vivono a Brighton, ci piace molto la città e viverci ma pensiamo che la maggior parte delle persone che ci abitano siano noiose. Noi usciamo dalla scena punk, che è poco popolare a Brighton, non siamo mai stati capiti fino in fondo.
S: Credo che le persone di Brighton abbiano un punto di vista un po’ troppo ristretto musicalmente parlando. Tutti pensano a Brighton come ad una città molto libera e aperta ma non nella musica.

Le vostre canzoni sprigionano energia positiva e il modo in cui le vostre voci interagiscono è molto naturale, come se per voi fosse normale cantare e suonare in questo modo, è così?
S: Abbiamo un modo naturale di provare e cantare, alcune canzoni nascono molto in fretta e rimangono così come sono, se qualcosa ci piace non ci torniamo sopra perché la spontaneità è una nostra prerogativa.
LM: Secondo me in un duo le voci sono fondamentali, nel senso che suonando solo chitarra e batteria le voci diventano a loro volta strumenti. Dal vivo siamo molto più punk perché siamo solo noi due senza nessun effetto aggiunto.

Il nome Blood Red Shoes è una specie di omaggio alla fiaba Scarpette Rosse di Andersen?
LM: No, ho visto il film di recente e mi è piaciuto, ma il nome viene da una storia basata su Giner Roger e Fred Astaire, si dice che mentre giravano il musical Follie D’Inverno hanno dovuto provare la scena finale così tante volte che alla fine ad entrambi sanguinavano i piedi.

Passate moltissimo tempo insieme, le prove, le registrazioni, il tour, condividete persino un appartamento e non siete fidanzati, come riuscite ad andare d’accordo, non ci sono momenti in cui vorreste dire: adesso basta!?
S: Molti! (scoppiano a ridere) In realtà è bellissimo e difficile contemporaneamente, la maggior parte del tempo godiamo l’uno dell’altra e la verità è che frequentiamo pochissime persone al di fuori. Ma ora siamo così occupati che non abbiamo tempo per pensare a nient’altro.
LM: E poi quando capita che siamo lontani passiamo moltissimo tempo a telefonarci e a mandarci email.

Com’è la vostra casa?
S: Piena di cianfrusaglie di Laura-Mary, io non ho spazio per nulla!
LM: E’ vero ho un sacco di oggetti come porcellane cinesi, ho tantissimi gioielli sparsi dappertutto ma solo oro e argento perché la plastica non mi piace, i miei disegni, vestiti… è un casino!

La vostra scatola dei segreti è piena al momento?
S: E’ sempre piena, abbiamo un sacco di segreti, soprattutto all’interno della band e non abbiamo intenzione di dirtene neanche uno! Siamo cattivi!

Gallows

2008-05-20T19:09:00.001+02:00

I Gallows sono il gruppo hardcore più chiacchierato del momento, live dopo live si sono conquistati una solida fan base e da Watford, piccolo villaggio inglese, hanno invaso letteralmente il mondo. Orchestra of Wolves; Orchestra di Lupi, è il titolo del loro album di debutto balzato alle cronache dopo un furente passaparola di fan rimasti estasiati dalle performance della band capeggiata da Frank Carter: ventitre anni, tatuatore ricoperto di tatuaggi, capelli rossi, occhi azzurri, straight edge e sul palco una vera furia. Frank ha una precisa filosofia di vita alla quale non intende sottrarsi e non provate a dirgli che è cool altrimenti il lupo che è in lui vi aggredirà.

Il vostro punk rock suona come un pugno in faccia. Non ricordo il tempo che una band come la vostra abbia ricevuto tanta attenzione da parte della stampa inglese. Secondo te perchè i Gallows sono diventati un fenomeno chiacchierato da tutti?
Onestamente non me lo spiego, non ho ancora capito cosa ci sta succedendo e perché, l’unica cosa che so è che abbiamo la possibilità di suonare ovunque ed è grandioso, siamo in giro da circa tre anni e solo oggi l’industria discografica si è accorta di noi, ci ha offerto un contratto e ha ristampato Orchestra Of Wolves il nostro debutto autoprodotto. Abbiamo chiesto e ottenuto è di non cambiare la nostra musica e di poter continuare a fare quello che abbiamo fatto sino ad oggi. Ho l’impressione di essere nella miglior band in circolazione e sono molto eccitato per questo, non vediamo l’ora di metterci al lavoro sul prossimo disco, siamo consapevoli di tutto quello che dovrà ancora succederci ma anche di quanto abbiamo da offrire. Un hardcore band che si fa largo nelle chart è fantastico e a tratti incredibile, cosa possiamo desiderare di più!

Sembra che avere tutto sotto controllo sia una peculiarità per voi…
Cerchiamo di tenere tutto sotto controllo, compresi noi stessi, siamo una band basata sul controllo totale, non faremo mai qualcosa che non ci va di fare altrimenti non saremmo in pace con noi stessi.

Quali sono le fondamenta musicali dei Gallows?
Ska, punk, indie, metal, non mi sono mai fissato su un genere, ascolto di tutto da sempre, se una canzone conquista la mia attenzione non mi importa di che genere è, di conseguenza le nostra musica è influenzata da qualsiasi genere musicale pur essendo hardcore.

Orchestra of Wolves è un titolo che si sposa perfettamente con la vostra musica, come’è nato?
I lupi sono uno i miei animali preferiti, volevo si capisse subito che siamo una band in grado di mordere e di attaccare le persone con la nostra musica, come se un branco di lupi fosse rinchiuso dentro al nostro album.

Hai solo ventitre anni e hai deciso di adottare uno stile di vita straight edge che significa, no fumo, no droghe, no alcool, no sesso occasionale. Conoscendo le abitudini dei teenager inglesi che sono esattamente l’opposto mi chiedo cosa ti ha portato verso questa decisione?
Nulla, non ho mai bevuto, non ho mai fumato e non mi sono mai drogato questo sono io e non voglio niente che non sia mio nel mio sangue.

Contrariamente alla musica mi sembra che i tuoi testi siano particolarmente accessibili, è una scelta ragionata?
Credo di scrivere testi con cui le persone possano confrontarsi, non mi piace scrivere di cose di cui non conosco, mi piace l’idea di poter scrivere testi accessibili a tutti perché penso che in questo modo molte più persone potranno apprezzare le nostre canzoni. La musica può anche essere difficile ma i testi devono essere accessibili. Abandon Sheep ad esempio parla di una relazione che arriva a fine corsa e In The Belly of a Shark parla della solitudine che bisogna attraversare alla fine di una relazione, sono storie semplici e comuni ma che esprimono emozioni.

E’ vero che alcuni puristi della scena hardcore vi hanno attaccato dandovi dei venduti perché avete firmato un contratto discografico?
Dipende da come vedi le cose, noi veniamo dalla scena underground è lì che siamo nati, abbiamo fatto incredibili show senza guadagnare soldi ma non ci siamo imposti di rimanere legati a questo ambiante, quando fai musica vuoi vederla crescere e farla arrivare a molte persone e quindi rimanere underground è impossibile a meno che non si decida di suonare tutta la vita per gli amici. Io sono contento di avere intrapreso una carriera e quindi a queste persone rispondo: Fuck You! Non mi interessa cosa pensano.

I vostri show sono molto selvaggi, tu scendi tra il pubblico e cerchi sempre un contatto fisico con le persone, gli canti letteralmente addoso, ti perdi nella musica o fa parte della performance?
Io non perdo mai il controllo, anzi quando sono sul palco io ho il controllo di ogni singola parte del mio corpo, forse chi mi guarda pensa che perdo il controllo ma è esattamente l’opposto. E’ una questione di passione estrema.

Cosa mi dici del tuo lavoro come tatuatore?
Non ho mai smesso di fare tatuaggi, è quello il mio lavoro, anche se ora con i Gallows sto vivendo qualcosa di grandioso. L’industria discografica non è solida, non si può sapere cosa succederà quindi è bello poter sapere di avere un lavoro quando tutto questo finirà.

Hai un genere preferito?
Mi piacciono i tatuaggi old school, i traditional sono i migliori.

Qual’è la tua paura più segreta?
Ho paura delle balene, mi terrorizzano.

Cosa ti fa più arrabbiare?
L’ignoranza e le persone che mi fanno sprecare tempo.

Cosa rispondi a chi ti ha eletto personaggio cool dell’anno?
I don’t give a fuck!

Consigliaci un disco:
“This is where the Fights Begin” dei The Ghost of a Thousand è una band di Brighton che scrive canzoni incredibili con dei testi veramente interessanti.

MGMT

2008-05-20T19:07:00.002+02:00

Attenzione! La miccia della Grande Mela, spenta dal debutto di Stroke & co., si è riaccesa con un nuovo suono, apocalittico, primitivo, psichedelico creato da due giovani boys di Brooklyn che si fanno chiamate MGMT. Con un immaginario che spazia dal batik alle multinazionali Oracular Spectacular è un album elettrizzante che fa rizzare i peli delle braccia ascolto dopo ascolto, un debutto come se ne sentono pochi e che si apre con Time to Pretend, canzone che si burla del music biz di cui gli stessi MGMT fanno parte, e che con una frase come: “Let’s make some music make some money, find some models for wife. I’ll move to Paris, shoot some heroin and fuck with the stars” si merita la candidatura a singolo dell’anno senza discussioni. Divertenti, naive, cinici, imprevedibili, avant garde, la giusta dose tra experimental e pop. Andrew VanWyngarden, voce e Ben Goldwasser, synth, tastiere e backing vocals sono in arte gli MGMT (previously known as The Management).

Ben, è vero che avete iniziato a fare musica per gioco e che durante il vostro primo concerto avete suonato per venti minuti la colonna sonora di Ghostbusters?
Sì. In realtà è stata una via di mezzo tra gioco e realtà, non ci piace prenderci troppo sul serio, non sono mai riuscito ad apprezzare la musica di un artista troppo pieno di sé e poi la colonna sonora di Ghostbuster è un vero capolavoro. La verità è che abbiamo iniziato a comporre canzoni pop per divertirci senza l’intenzione di diventare una vera band, ma poi ci abbiamo preso gusto.

MGMT è un nome dall’aspetto politico come sembra o avevate altro per la testa?
Volevamo un nome che suonava come una misteriosa corporazione più che ad un qualcosa di politico, anche se nelle nostre canzoni ci sono diversi riferimenti e alcuni di questi toccano temi politici ma senza la presunzione di voler dire cosa è giusto e cosa no, esponiamo il nostro punto di vista.

I vostri testi sono molto criptici è questo che intendi dicendo che non volete schierarvi, preferite che ognuno li interpreti a modo suo?
Tra di noi parliamo molto del significato specifico di ciascuna canzone ma non ci piace forzare le persone, credo sia giusto che ciascuno vi trovi il proprio significato, è una delle libertà che solo la musica può dare. Mi capita spesso di ascoltare canzoni e di attribuirvi un significato e poi scoprire dall’artista stesso qual’era il suo punto di vista e pensare: cavoli il mio è più bello! Quindi perché privare ciascuno della propria immaginazione?

Time To Pretend suona come uno statement contro il music business, il controsenso è che avete appena firmato per una major, come lo spieghi?
Abbiamo avuto l’opportunità di creare quest’album e di poterlo pubblicare così com’era senza restrizioni ne cambi, è figo e credo che le cose potranno cambiare in futuro, forse tutto questo controllo presto finirà perché gli artisti stanno iniziando ad andersene proprio per questo motivo, quindi se le major non ne prendono coscienza sarà la loro fine. Non avrei mai pensato di poter sentire una delle nostre canzoni alla radio, sono un po’ troppo distanti dai loro canoni tradizionali e probabilmente senza aver firmato per una major non sarebbe stato possibile.

Nelle vostre canzoni e anche nel vostro look c’è un feeling apocalittico, primitivo e futuristico allo stesso tempo, cosa vi ha portato verso questo risultato?
Parliamo un sacco delle nostre canzoni, mi ha sempre divertito l’idea di due musicisti che passano ora a discutere su un pezzo, mentre scrivevamo l’album pensavamo e discutevamo molto del futuro, di come sarà, e ciò che ne usciva non era nulla di buono, è uscito un futuro buio, una sorta di ritorno alle origini della terra in cui le persone vivono come primitivi sulla spiaggia. L’apocalissi e la rivelazione sono due punti centrali dell’album. Per il calendario Maya il 21 dicembre del 2012 sarà la fine del mondo e noi ci siamo immedesiamati molto in questa situazione nel concepire Oracular Spectacular.

Hai mai incontrato un oracolo sulla tua strada?
No! Conto di incontrarne uno prima del 21 dicembre 2012.

Dal vivo le vostre canzoni cambiano molto, siete più distorti, psichedelici e lasciate molto spazio agli strumenti, non rischiate di confondere le idee di chi viene a vedervi?
Dal vivo siamo simili ma diversi, le canzoni nell’album seguono una struttura mentre live lasciamo molto spazio all’improvvisazione, le canzoni sono più ruvide e rock’n roll. Sì, non siamo esattamente ciò che la gente si aspetta nel senso che spesso veniamo confusi per una band elettronica, chi viene a vederci pensa di andare ad un dance party e invece si sbaglia. Ci diverte molto questa confusione.

The Niro

2008-05-20T19:04:00.001+02:00

Anche se si definisce “An Ordinary Man” come titola l’e.p. che ha preceduto l’omonimo album, The Niro d’ordinario non ha proprio nulla, soprattutto se paragonato alla scena musicale italiana che lo circonda. Cantautore romano, ha stupito chiunque lo ha visto suonare dal vivo con un appeal seducente e canzoni cantate rigorosamente in inglese. Quello di The Niro è un mondo in bianco e nero ma ricco di sfumature, malinconico, viscerale e ambizioso, le sue canzoni scalfiscono il cuore e lacerano l’anima, la sua voce morbida ma tagliente lo ha fatto accostare a cantautori internazionali quali Jeff Buckley o Elliot Smith. Da tempo la scena cantautoriale italiana aspettava il suo outsider, ora c’è e si chiama The Niro.

Come nasce artisticamente The Niro?
The Niro inizia a suonare molto piccolo, mio padre era un batterista, smise di suonare la batteria negli anni ’70 e la lasciò in camera mia, quindi iniziai a scoprirla molto piccolo e a sette anni la suonavo. Verso i tredici anni inizio a suonare chitarra e basso ma la batteria rimane il mio approccio vero alla musica tanto che nelle prime band in cui suono faccio il batterista. Poi la voglia di scrivere canzoni mie prevale e quindi torno alla chitarra, lascio le band in cui militavo all’epoca ed estrapolando membri da ciascuna formo la mia squadra e insieme decidiamo di chiamarci The Niro. Il progetto dura circa due anni ma nel 2004 mi trovo da solo e mi tengo il nome proseguendo per la mia strada.

The Niro è un nome geniale, come ti è venuto?
Tutti quelli che ascoltano la mai musica mi dicono da sempre che ha un’atmosfera molto cinematica, così ho cominciato a pensare nomi e riferimenti al cinema e alla fine durante un concerto dei No Twist a Roma, in cui mi stavo annoiando da morire, parlando di questa ipotesi con i miei compagni di allora e passando per i vari Monroe e Bogart è uscito il nome The Niro.

Ascoltando la tua musica i primi riferimenti che compaiono sono Jeff Buckley, i vecchi Radiohead e in un secondo momento molto brit pop. Sei d’accordo?
Allora, quello di Jeff Buckley non è un riferimento voluto, io sono convinto che più si ascolta l’album e più questo paragone andrà scemando. Jeff Buckley l’ho scoperto dopo che tutti hanno cominciato a paragonarmi a lui, prima non lo conoscevo se non di nome. Ora lo adoro ma sono più fan del padre Tim, Lorca e Starsailor sono due tra i miei dischi preferiti di sempre, la sperimentazione e la follia mi hanno sempre affascinato, anche più del mondo cantautoriale che mi è arrivato per accostamenti con Nick Drake o Morrissey.Io sono depresso, triste e malinconico e questa non è una prerogativa di pochi. Per quanto mi riguarda io sono cresciuto con il metal degli Iron Maidem, poi è arrivata la progressive e poi il brit pop, mi fa piacere se hai sentito questo riferimento.

Oggi chi ti entusiasma?
Sufjan Steven e i Mars Volta, due artisti che sono arrivati al successo facendo quel che gli pare. Mi piace chi compone senza seguire canoni prestabiliti risultando diversi ma non in modo forzato. Per quanto invece riguarda me stesso, mi piace la forma canzone ma con il particolare.

Hai aperto i concerti di Badly Drawn Boy e Amy Winehouse, com’è stato?
Fantastico. Una forte emozione che mi ha dato una grande visibilità, soprattutto suonare per Badly Drawn Boy un artista che stimo molto.

Sei italiano, canti in inglese e il tuo e.p. An Ordinary Man è in cima alle classifiche, come te lo spieghi?
Non me lo spiego!Sono in classifica in compagnia di Rihanna e Lenny Kravitz e mi fa strano soprattutto perché al momento sono l’unico italiano presente nelle quindici posizioni dei singoli con un e.p. che è tutto fuorchè commerciale. Questo mi fa pensare che forse l’Italia è pronta per qualcosa di diverso se mi ha fatto arrivare al terzo posto, in qualche modo credo di aver abbattuto una barriera anche se preferisco non sapere quante copie ho venduto considerando quanti dischi si vendono oggi, magari ho venduto tre copie e sono finito al terzo posto!

Cosa ti ha spinto a cantare in inglese?
Ho cominciato a cantare in inglese, poi mentre lavoravo come giornalista, scrivevo cronaca nera per un quotidiano a Roma, mi proposero di cominciare scrivere in italiano, accettai ma le mie canzoni iniziarono a diventare retoriche, il mio modo di cantare è molto lungo e in italiano diventava pesante. L’italiano parlato è bellissimo, è poetico e melodico, ma cantato per me è come una minestra buona ma troppo saporita. Poi in italiano non riesco ad esprimermi e non mi piace scegliere compromessi, quindi ho proseguito con l’inglese.

La malinconia è una prerogativa delle tue canzoni, cosa ispira di più il tuo lavoro?
Mi sono accorto che più cresco e più i miei testi parlano d’addii e di donne che mi hanno abbandonato, però mi piace anche inventare storie fantasticando su fatti reali perchè spesso la realtà supera la fantasia.

Come descriveresti il tuo mondo in bianco e nero?
Un mondo sognante la cui base è fondata su di una malinconia dalle mille sfaccettaure che si assaporano ascolto dopo ascolto. Non mi piacciono le cose immediate, preferisco la scoperta, il rivelarsi, lo stupire.
Sono molto severo sulla selezione dei miei pezzi, li ascolto almeno cento volte prima di decidere se tenerli o scartarli e se una canzone alla novantanovesima volta non mi convince la butto via.

Raccontaci un segreto…
La notte prendo la macchina e da solo inizio a vagare senza meta per le strade di Roma ascoltando musica, solo così riesco veramente a capire se un album mi piace, è un test che anche ogni mio pezzo deve superare.

Quando capisci se un pezzo è pronto per finire su disco?
Quando lo ascolto di giorno e mi piace e poi lo riascolto la notte e mi fa impazzire.

Vampire Weekend

2008-05-20T19:01:00.000+02:00

“Fancy Afro-Pop Music” si potrebbe descrivere così la musica dei Vampire Weekend la band più strampalata e inaspettata che la scena indie newyorkese potesse offrirci. Quattro ragazzi di ventitrè anni che s’incontrano al college e iniziano a suonare insieme convogliando le loro passioni nella musica, niente di nuovo certo, se non fosse che le loro passioni sono la grammatica, Louis Vuitton, le colonie africane, indiane e David Byrne. Il fatto è che questo mix è geniale, da tempo non si sentiva un debutto tanto ispirato con canzoni tanto semplici quanto intelligenti, con trovate così folli da sembrare le più ovvie. E’ bastato il singolo Mansard Roof con le sue percussioni intrappolate e le sue tastiere fluttuanti a far accendere la miccia, tanto che oggi Ezra Koenig, Rostam Batmanglij, Chris Tomson e Chris Baio hanno tra le mani il primo album “atteso” di questo 2008 da poco iniziato.

Ezra, quale obiettivo avevate in mente prima di formare la band?
Usare strumenti rock classici per creare musica rock non convenzionale, unendo il risultato ad alcune nostre passioni come la musica classica, gli archi e la musica africana.

Se il vostro obiettivo era quello di creare qualcosa di diverso, credo che ci siate riusciti.
Grazie, credo il trucco sia nel nostro modo di lavorare insieme, quando ci troviamo a suonare tutto accade in modo molto veloce, abbiamo le idee chiare su cosa ci piace e cosa no. Non vogliamo farci influenzare dagli altri e così cerchiamo di creare il nostro suono. E’ da quando ho dieci anni che alla radio a New york sento sempre le stesse canzoni grunge, oggi ne ho ventitre e non ne posso veramente più.

Sono curioso di sapere cosa vi ha spinto a scegliere come nome Vampire Weekend perché è totalmente forviante, sembra il nome di un gruppo indie rock o emo…
Sono d’accordo se ti riferisci solo a Vampire ma nel nostro caso è seguito dalla parola Weekend che per me significa qualcosa di più solare e di divertente.

Non fraintendermi, mi piace che ascoltando il vostro disco ci si trova davanti a qualcosa di completamente inaspettato, non solo per la musica che fate ma anche per il nome che vi siete scelti, volevo solo capire se era vostra intenzione disorientare le persone…
Sì ci piace questo punto di vista, in effetti continuiamo a scacciare gotici che ci chiedono d’essere nostri amici su MySpace solo per il nome che abbiamo, non credo abbiano mai sentito una nostra canzone.

Come è successo che la cultura africana e anche quella indiana hanno influenzato e decretato il vostro stile con un risultato così pop?
Abbiamo cercato di combinare la nostra musica con diverse culture, è un processo affascinante. Credo in parte dipenda anche dal fatto che la mia famiglia sia iraniana e che mio padre abbia studiato in Inghilterra. Sono cresciuto in mezzo a culture diverse, all’inizio sembra strano che riescano a convivere tra di loro ma viste da vicino hanno diversi punti in comune. Inoltre ci siamo conosciuti alla Columbia University e quindi abbiamo riversato i nostri interessi nella musica cercando si sovvertire i clichés del rock. Ci piace la storia, la grammatica, la geografia, abbiamo utilizzato i nostri interessi per fare la nostra musica.

Non ditemi che non siete fan del lavoro di artisti come David Byrne o Peter Gabriel?
Certo che lo siamo, Byrne ci ha anche mandato un’email dopo aver visto un nostro concerto e la cosa ci ha lusingato, Non avevo mai pensato che la nostra musica potesse essere influenzata dai Talking Heads ma pensandoci mi sono accorto che abbiamo in comune lo stesso modo di relazionarci alla musica.

Vi aspettavate una simile attenzione?
Sì, sono mesi che la stampa ci sta addosso, da quando abbiamo pubblicato il nostro primo singolo Mansard Roof, quindi abbiamo avuto modo di prepararci a tutta quest’attenzione.

Vi è facile ricreare l’album dal vivo?
Non c’interessa ricreare l’album, non ci piacciono le band che dal vivo rifanno il disco. Le nostre canzoni dal vivo sono più energiche e ci divertiamo molto a suonare.

The Wombats

2008-05-20T18:59:00.002+02:00

Se dovesse iniziare una nuova rock’n roll revolution, i Wombats sarebbero sicuramente tra i capostipiti del movimento, con canzoni tirate, ritornelli che ti si appiccicano addosso e una sana dose di follia, ma senza la pretesa di voler cambiare la storia dell’indie rock. Arriva alla fine dell’anno questo gioiellino power pop punk, che conquista a cominciare dal titolo A Guide To Love, Loss & Desperation, che sembra rubato ai Joy Divison ma che con la loro musica non ha nulla a che fare nonostante i testi siano tutt’altro che allegri. I Wombats però sono dei furbacchioni e hanno intitolato il singolo che li ha aiutati a raggiungere la notorietà proprio Let’s Dance to Joy Divison, ma non rimuginiamo troppo, casomai balliamoci sopra a colpi di handclapping e con tanto di piedino a scandire il tempo. Matthew “Murph” Murphy (voce, chitarra, tastiera) Dan Haggis (batteria, voce) e Tord Knudsen (basso, voce) sono i Wombats, da Liverpool.

The Wombats, in italiano i vombati, sono dei maialini pelosi in via d’estinzione che vivono in Australia, è vero che avete scelto questo nome perché avete una vera passione per gli animali?
Dan: Sì, in realtà abbiamo in comune una passione per gli zoo safari, un giorno ci siamo stati insieme e guardando gli animali cercavamo un nome per la nostra band, all’inizio la scelta è caduta sulle capre ma poi abbiamo visto i vombati e non hanno più avuto rivali.
Murph: Quando abbiamo iniziato a uscire insieme ci ubriacavamo parecchio, eravamo al college e ogni mattina ci svegliavamo sul pavimento di qualche camera per studenti. E’ stato allora che abbiamo iniziato a suonare cazzeggiando, la prima canzone che abbiamo scritto è un pezzo che parla di una capra con problemi di droga, l’abbiamo suonata anche al nostro primo concerto al The Cavern a Liverpool ma poi è morta di overdose.
Tord: Ci divertiamo anche un sacco a imitare gli animali, Dan è bravissimo a fare il topo, è la sua arma segreta per conquistare le ragazze.

Cercando in rete ho trovato che wombat è un’abbreviazione che si usa in chat per dire: waste of money, brain and time. Non avete nulla a che vedere con questo?
T: In realta lo abbiamo scoperto dopo, ma ci piace, va benissimo per noi perché le nostre canzoni parlano di relazioni umane e poi io sono un enorme spreco di cervello!
Dan: Io sono uno spreco di tempo.
Murph: E io sono uno sperperatore di denaro.

A Guide of Love, Loss and Desperation è un titolo drammatico che va a scontrarsi con i ritmi catchy & party del disco, vi piacciono i contrasti?
M: Il nostro stesso nome è stupido rispetto alla musica che facciamo.
D: La vita è fatta di contrasti e paradossi, e a noi piace confondere e prendere in giro le persone.

Anche l’inizio dell’album è spiazzante, Tales of Girls, Boys and Marsupials è un intro indie gospel spettacolare!
D: E’ cool indie gospel! Ci piace, d’ora in poi lo useremo sempre. Volevamo iniziare l’album in un modo insolito e ci sembrava carino fare qualcosa a cappella, la usiamo anche per aprire i nostri concerti ed è divertente vedere le facce della gente che si aspetta del rock n’ roll e invece si ritrova tre ragazzi che cantano scandendo il tempo con le mani.
M: E’ l’ultima cosa che ti aspetti da una band indie.

Come è nata Let’s Dance to Joy Division?
M: Ovviamente non è una canzone sui Joy Division, avremmo potuto intitolarla Let’s Dance to Radiohead o to Nick Drake, per noi è una canzone che celebra la voglia di ballare e divertirsi senza troppe pretese, non conta dove sei o con chi, quando senti il ritmo salire bisogna lasciarsi andare e ballare.

A voi ragazzi piace ballare?
D: Un sacco! Ci divertiamo a inventare passi assurdi specialmente quando siamo sul tour bus e poi li riproponiamo sul palco.
T: Io ballo almeno quanto bevo!
M: E’ il modo migliore per scaricare le energie negative e per fare evaporare l’alcool.

Tra poco sarà Natale, qual’è il regalo più bello che avete ricevuto nei natali passati?
M: Un robot di Robocop che sparava i pugni, peccato che dopo tre giorni li ho sparati sul tetto di casa e non li ho mai più recuperati!
T: Il piccolo chimico.
D: A me fanno sempre regali assurdi che non capisco, ad esempio ricordo che l’anno scorso qualcuno mi regalò una lanterna a petrolio…

Avete numerose date live alle spalle tra cui un tour in Giappone, qual è l’episodio più assurdo che vi è capitato?
D: Quando siamo andati in Giappone per il Fuji Rock, i poliziotti locali conrollandoci le Visa ci hanno detto: “Noi vi facciamo entrare in Giappone ma voi ci fate trovare al vostro albergo dei biglietti per il festival perché è sold out, l’indirizzo lo conosciamo”.

Qual è il disco che al momento gira di più sul vostro tourbus?
D: La colonna sonora de Il Libro della Giungla e Release the Stars di Rufus Wainwright.
M: Sei così preso da Rufus Wainwright che se ti invitasse in camera sua dopo il concerto per un aftershow privato ci andresti.
D: Sono un ragazzo gentile sai che mi è difficile dire di no!

The Violets

2008-05-20T18:54:00.001+02:00

“We are punk delicate” sì descrivono così i The Violets band inglese uscita dallo stesso scantinato di These New Puritans, XX Teens e Wretched Replica, ma a differenza loro hanno una carta in più che si chiama Alexis McCloed, capello biondo platino e cuore nero, un mix tra Siouxsie e Debbie Harry che dal vivo esplode incutendo persino timore ai malcapitati delle prime file. La poesia e il cinema sono la principale fonte d’ispirazione dei The Violets che trasformano parole e immagini in suoni aggressivi ma dall’animo melodico che si susseguono in The Lost Pages, folgorante album di debutto. Quando arrivo al locale per l’intervista la band sta facendo il soundchek e trovo Alexis accovacciata in un angolo, faccia in giù e mani sule orecchie, immobile in mezzo al frastuono, le picchietto una spalla e lei mi rivolge un’occhiata da psycho killer, poi sorride si alza e mi stringe la mano.
“A volte spavento le persone lo so, lo faccio apposta. Specialmente sul palco mi piace essere aggressiva cantare in faccia a chi sta in prima fila e prenderli per il collo. Poi una volta finito il concerto sono piuttosto introversa e taciturna, sul palco sono più me stessa rispetto al quotidiano”.

Sulla copertina del vostro album ci sono due mani che battono a macchina velocemente, la velocità è riconducibile al vostro suono punk, mentre la macchina da scrivere alla vostra passione per la letteratura e i dialoghi cinematografici?
E’ un’immagine che colgie l’essenza della nostra musica, non tutti riescono a carpirla, ma ci piace essere criptici e anche enigmatici, non ci piacciono i testi da una lettura e via, ci piace il ragionamento. Il cinema e la poesia sono facilmente musicabili perché entrambi trasmettono forti emozioni, non avrebbe senso ispirarsi ad altre band copiando suoni già esistenti, altrimenti diventeremmo noiosi e realisti come tutte le band là fuori, ci piace il lato criptico e astratto delle cose. Per dirla tutta io non mi siederei mai in un pub a scrivere testi circondata da pinte di birra.

E’ vero che il vostro singolo Foreo è stato ispirato dal film Marnie di Hitchcock?
Il testo della canzone è formato da pezzi di dialoghi del film, mi piacerebbe che qualcuno se ne accorgesse un giorno e me lo venisse a dire, ne sarei estasiata. Ma alla fine penso che l’importante sia che ciascuno ascoltando Foreo trovi il proprio significato indipendentemente da quello che ha per me. Amo le ambiguità.

Oltre al cinema, la vostra attitudine, il vostro look e gli artwork, fanno parte di un mondo in bianco e nero che ha anche un risvolto teatrale, che dici?
La nostra estetica è puramente teatrale e avere un’estetica forte è importante nella musica, pensa a David Bowie o a Lou Reed. Siamo circondati da band che vestono fluo e hanno anche il coraggio di dire che non hanno un’immagine studiata, che loro comperano i vestiti al mercatino. Devo aggiungere altro?

Tre film essenziali per i The Violets?
Gli Occhi dell’Assassino con Jennifer Jeson Leigh, ogni film in cui recita è una fonte d’ispirazione per me ma questo in particolare. Labyrinth con David Bowie, la colonna sonora della mia infanzia e poi Suspiria di Dario Argento, una vera opera d’arte sanguinaria. Ma ce ne sono moltissimi è difficile sceglierne tre.

Credi che l’arte e la musica salveranno il mondo?
Solo pere gli intellettuali e per i nostri fans credo, nel senso che spero che le nostre canzoni li portino ad indagare nel nostro mondo e sulle nostre referenze, ma non credo cambieremo la loro visione politica.

The Real Heat

2008-05-20T18:53:00.002+02:00

Shaki, Zaza e Suki sono come un uragano, tre sorelle adolescenti lasciate allo sbaraglio, party kids presenzialiste della notte londinese sembrano fuggite dalle riprese di un episodio di Skins.The Real Heat, questo il loro nome d’arte, stanno scuotendo i club della capitale con il loro pop sintetico. Immaginatevi le Sugababes sotto acido, le Cleopatra trafitte da una luce di wood, le EnVogue con il sangue fluo.Con una manciata di singoli superpower che si chiamano Hearts Not Innit, Stand and Deliver e la recente U Know a cui ha messo mano anche il guru dell’elettronica Richard X, le Real Heat hanno fatto tutto da sole nella loro stanzetta di Brixton, scrivono, producono, si cuciono eccentrici look nu rave, hanno anche licenziato il loro manager dopo solo due settimane perché non faceva bene il suo lavoro. Queste sono ragazze con le palle!

Siete tre sorelle, avete tre età diverse e personalità molto forti, come riuscite a gestire vita e lavoro senza scannarvi, e soprattutto chi vince alla fine?
Shaki: Siamo abituate a litigare! Lo facciamo da quando siamo nate e per noi è normale non ci facciamo nemmeno più caso, urliamo da sempre.
Zaza: Per i vestiti, per i ragazzi, per la musica, abbiamo gusti molto diversi e c’è sempre la lotta a chi arriva primo allo stereo! Raggae, punk, indie, electro,ognuna predilige un genere ma riusciamo a farli convivere insieme nella nostra musica.

Avete una filosofia di vita totalmente D.I.Y. e avete licenziato il vostro manager in un lampo!...
Tutte in coro: Oh Yeahhh!
Suki: Voleva farci fare quello che non volevamo e quando voleva lui: no way!
Zaza: E’ stato un po’ come avere un nuovo boyfriend, le prime due settimane sei eccitata ed euforica ma subito dopo ti accorgi di quanto sia stupido e lo scarichi.

Vi piace essere definite delle club kids?
Shaki: Oh certo che sì!Siamo giovani e ci piace uscire, bere, ballare, conoscere ragazzi e suonare nei club le nostre canzoni. Zaza: Andavamo tutte le settimane all’Antisocial era il nostro club preferito, quando ha chiuso è stato come un lutto.

Qual è diventata la vostra serata preferita ora?
Suki: L’Electrogogo al Madame Jo Jo’s, ma la cosa più bella di Londra è che ogni due settimane c’è una nuova serata pazzesca a cui tutti vogliono partecipare.
Shaki: C’è sempre un’energia fortissima e tutti vogliono essere coinvolti, Londra non si ferma mai ma noi le teniamo passo!

La vostra musica è paragonabile a band quali En Vogue o Sugababes ma con un cuore nu rave, vi ci ritrovate?
Zaza: Siamo tre ragazze e quindi viene naturale pensare a queste band e credo che per il paragonarci a qualcuno renda più facile catalogarci e magari fare arrivare il nome Real Heat a più persone, la nostra musica non è facile da descrivere a parole.

Il Nu Rave è morto o è appena cominciato?
Zaza: No è appena cominciato! Forse il termine è passato di moda ma si è aperta una scena musicale tutta nuova che sta fiorendo proprio adesso e di cui facciamo parte anche noi.
Shaki: La scena dei club è in costante evoluzione come anche la moda e forse in questi due ambiti il nu rave si esaurirà presto, probabilmente l’anno prossimo nessuno si vestirà più nu rave ma la scena musicale sta diventando sempre più forte e ci sono tantissime nuove band eccitanti che stanno per invadere il mondo. Zaza: La novità è che questa scena è fatta proprio dai ragazzi che frequentano i club.

In Inghilterra tutti stanno aspettando che ricominci la seconda stagione di Skins, serie tv trasmessa da Channel 4 che mostra la vita degli adolescenti inglesi in modo diretto senza censure, vi ci ritrovate?
Zaza: Adoriamo Skins! Ci ricorda tanto il periodo della scuola, ragazzi e ragazze in uniformi che scappano da lezione per fumare erba e si ubriacano ai party quando i genitori sono fuori città!

Avete un look molto forte, da chi traete ispirazione?
Zaza: Principalmente da nostra mamma che è sempre stata una persona stylish! Infatti ama i nostri outfit!
Suki: Ma ci influenza un po’ tutto, la città, le persone, la club scene, è impossibile non trarre ispirazione da una città come Londra.

Qual è l’esclamazione che usate più spesso?
Suki: Oh, Fuck!
Zaza: Oh my God! Amazing!
Shaki: Tits! Bollocks!

Qual è la traccia più evidente che lasciate al vostro passaggio?
Zaza: Se passa Suki sicuramente troverete in giro delle cicche di sigarette con traccia di rossetto fucsia, la sua camera è piena di pacchetti vuoti che non butta via…
Suki: E’ vero ma se passi tu lascerai dell’underwear maschile perché ti piace collezionare le mutande di tutti i ragazzi che ti porti a casa! Ahahah!!!
Shaki: Shhhh! Non si dicono queste cose! Io lascerei una scia di scarpe, ne ho tantissime paia e sono sparse per tutta casa.

Com’è il live delle Real Heat?
In coro: Money, success, fame, glamour and fun!

Cosa potete anticiparmi del vostro primo album che uscirà l’anno prossimo?
Zaza: Abbiamo un sacco di canzoni pronte e sono una bomba! Per ora abbiamo un contratto digitale con la Pure Groove dove si possono acquistare e scaricare i nostri tre singoli, ma il disco sarà divertente, diverso, sexy & hot! Siete avvisati!

The Mars Volta

2008-05-20T18:50:00.001+02:00

I Mars Volta sono tra i pochi musicisti che sorti sulle ceneri di un’altra band, in questo caso gli At The Drive-In, sono riusciti con il nuovo progetto a generare interesse più di quanto ne ha avuto l’originale. Famosi per i loro concerti in cui cadono in una trance catatonica irretendo gli spettatori con un fiume di psichedelia e prog-rock, Cedric Bixler-Zavala e Omar Rodrìguez-Lòpez pubblicano oggi The Bedlam in Goliath il loro quarto album nato sotto la maledizione di un Ouija board, come Omar racconta:
Durante un viaggio a Gerusalemme ho trovato in un negozio d’antiquariato una vecchia tavola Ouija e ho deciso di regalarla a Cedric.Durante il tour come supporter dei Red Hot Chili Peppers, giocarci è diventato il nostro passatempo preferito. Ripensandoci ora ci scherzo sopra ma è stata una strana esperienza a tratti orribile, continuavano ad accadere cose brutte, il nostro batterista ci ha lasciato nel mezzo del tour, il mio studio si è allagato, Cedric si è fatto male a un piede, è stato operato e ha dovuto imparare di nuovo a camminare, pensavamo d’impazzire, alla fine ho sepolto la tavola e ho proibito a chiunque di parlarne. Siamo quasi arrivati al punto di sciogliere la band.

Questa storia è diventata il punto di partenza del nuovo album, giusto?
Tutti i nostri dischi sono dei concept e questo è nato dagli spiriti che ci apparivano interrogando l’Ouija. I testi nascono dalle storie che questi spiriti ci hanno raccontato, Golia è stato il primo che ci ha parlato ma poi ci siamo accorti che c’erano anche una donna e una figlia con lui e che erano legati da una storia tragica di morte. L’uomo cercava sempre di far tacere la donna e recitava sempre un poema che è stato trasformato in un testo, è stata una vera esperienza metafisica.

Le canzoni di questo album sono cattive, claustrofobiche e inquiete, non c’è mai un attimo di respiro. Lo consideri il vostro lavoro più aggressivo?
Assolutamente sì. Volevo fare un album continuo, un unico flusso in cui ogni canzone suona come un pugno in faccia. Non ci sono canzoni morbide come potevano essere Televators o The Widow, volevo un album estremo e vitale, ma sto già lavorando al prossimo disco e sarà il nostro lavoro più morbido.

Nonostante questa violenza le canzoni sono più immediate rispetto ai lavori precedenti pur rimanendo fedeli hai vostri canoni folli…
Non ci piace ripeterci. Certo nelle nostre canzoni ci sono dei passaggi riconoscibili ma cerchiamo sempre di ottenere un suono fresco e interessante. Lungo il nostro cammino recente come ti ho detto prima il nostro batterista ci ha abbandonato e noi siamo finiti nella disperazione più totale, non è facile far entrare qualcuno nel nostro mondo, questa energia nervosa si è riversata nell’album. Fortunatamente il nuovo batterista è riuscito a far parte del nostro disegno piuttosto velocemente salvandoci.

Cosa mi dici della collaborazione con Jack Frusciante?
Jack è stato uno dei musicisti che ho usato per articolare la mia musica, è il musicista più bravo che io conosco. Siamo molto amici ed essendo la mia musica un’estensione della mia personalità la capisce subito.

Se voglio proiettare un film come sfondo visivo al vostro nuovo album, quale sarebbe più appropriato?
Se devo scegliere un film per il suo aspetto visivo dico Satyricon di Fellini.

Operator Please

2008-05-20T18:43:00.000+02:00

Gli Operator Please sono giovanissimi, tanto che dal vivo fanno tenerezza con quei visi acqua e sapone e l’innocenza ancora viva negli occhi. Poi li vedi suonare e la loro musica indie pop punk esplode in tutta la sua energia, vera, intensa, magari non precisa ma viva, carica di quell’entusiasmo che solo un teenager possiede. Nessun membro del gruppo supera i vent’anni, si va dai diciassette della violinista Taylor ai diciannove di Amanda voce e chitarra, nel mezzo ci stanno Tim alla batteria, Sarah alle tastiere e Ashley al basso. Hanno formato al band quasi per caso ma poi hanno vinto la battaglia delle band dell’Elanora State High School nella Gold Coast australiana e da lì hanno cominciato a fare sul serio arrivando oggi a pubblicare il loro album di debutto Yes Yes Vindictive. Amanda e Taylor raccontano:

Vi ricordate il momento esatto in cui avete deciso di formare la band?
A: Eravamo a scuola, era il mio ultimo anno di liceo, ma era dal primo che desideravo formare una band, solo che ero appassionata di musica death metal e non era facile trovare dei compagni in grado di seguirmi così ho iniziato a chiedere a tutte le persone che conoscevo, in grado di suonare uno strumento, se volevano formare una band senza chiedere loro che genere di musica preferivano o altro. Non avevo idea di quel che ne sarebbe uscito ma poi abbiamo vinto l’annuale Battle of the Band del 2005 ed eccoci qui.

Come nasce una canzone degli Operator Please?
A: Come una palla di neve, più rotola e più si ingrandisce e prende forma, prima nasce una melodia con la chitarra, poi arriva la voce, tastiere, batteria e poi il violino che credo sia il legante finale lo strumento che dà quel tocco che ci distingue.

Se la passione di Amanda è il death metal qual’è quella degli altri membri della band?
T: Abbiamo un gusto base in comune ma poi ognuno di noi ha una band del cuore personale o un genere, ad esempio Tim il nostro batterista adora il jazz ma nessuno di noi altri lo ascolta.

Taylor è difficile risucire a combinare il suono del violino dentro a canzoni dal cuore punk?
T: All’inizio è stato molto difficile perché ero abituata a suonare solo musica classica scritta su un pezzo di carta. Con la band nulla è scritto e nessuno è in grado di dirmi in che chiave suonare, è stato difficile riuscire ad aggiustare il tutto, ma ora che ho acquisito confidenza mi diverto molto.

L’album s’intitola Yes Yes Vindictive, siete delle ragazze vendicative?
A: Puoi giurarci! Tutti abbiamo un po’ di vendetta dentro di noi, se vogliamo possiamo anche essere molto maleducati.
T: Siamo molto seri e rispettosi ma se qualcuno ci fa un torto non abbiamo pietà, diventiamo shitty!

Just a Song About Ping Pong è una canzone geniale a cominciare dal titolo, come vi è venuto di scrivere una canzone che parla del ping pong?
A: Non lo so onestamente… credo che funzioni perché è una canzone totalmente anticonvenzionale, non è nata facilmente, ci è voluto del tempo per assemblare il tutto, forse anche perché è stato uno dei primi pezzi che abbiamo scritto, ma è nata in modo molto spontaneo.
T: Sicuramanete non ha nessun significato, va presa così per quel che è.

Più che celare un significato credo che lo scopo della canzone sia quello di far ballare e divertire e lo centra in pieno, no?
A: Yeah! Mi piace molto cantarla perchè è quasi uno scioglilingua, qualcuno tempo fa dopo uno show mi chiese se mi sono tagliata via un pezzo di lingua per risucire a cantarla, ma se si conoscono bene le parole non è difficile come sembra.

Quello che mi piace del vostro album è che non ci sono solo party song, ma c’è anche un lato oscuro, oltre alla gioia ci sono anche insicurezze e paure credo tipiche della vostra età…
T: Grazie, sai non è facile essere compresi, ma noi siamo mica felici tutto il tempo, la maggior parte della gente pensa che siamo giovani e stupidi con il sorriso stampato sulla faccia. Credo che il nostro disco mostri più facce che rivelano anche le paure e i nostri disagi.

Mi sembra di capire che a volte non siete presi molto sul serio per via della vostra giovane età, è davvero così?
T: Capita spesso che le persone ci dicano: la musica che fate è perfetta per la vostra età. Ecco questa è la cosa peggiore che qualcuno possa venire a dirci, fa male.
A: Ci sono altre band giovani in giro, guarda i Tiny Master Of Today hanno dodici e quattordici anni e quando suonano dal vivo spaccano il culo a tutti!

Una delle canzoni dell’album si chiama Ghost, credete ai fantasmi?
A: Totalmente! Abbiamo registrato l’album in uno studio ricavato dentro ad una casa abbandonata a Sydney e lì ce n’era uno, lo sentivamo ed io ero terrorizzata a tal punto che il nostro produttore doveva stare con me dentro allo sala sala d’incisione mentre cantavo, se mi lasciava sola mi pietrificavo.

The Enemy

2008-05-20T18:41:00.000+02:00

Da un piccolo pub di Coventry, cittadina situata a est di Birmingham, alle più grandi venue di Londra in diciotto mesi, questo è stato il percorso dei The Enemy, Tom Clarke voce e chitarra, Liam Watts batteria e Andy Hopkins basso e backing vocals, appena maggiorenni e già star della scena indie Uk. We’ll Live and Die in These Towns è stato uno dei debutti più significativi dello scorso anno, lontano dal glam e dalle mode del momento i The Enemy hanno la union jack nel sangue e per questo ascoltando le loro canzoni balzano in mente i Manics Street Preachers, Kasabian o gli Oasis fautori di quel tipico brititsh rock che li ha fatti entrare nella storia e nel cuore degli inglesi stessi, non perché politici o patriotici ma perché raccontano con orgoglio l’Inghilterra, le sue sfaccetatture e i suoi sobborghi popolati da famiglie e da amici veri.
Tom: “E’ stato tutto così veloce! I nostri piedi non hanno ancora fatto in tempo a toccare terra, è tutto così pazzesco che ogni giorno mi sveglio e mi chiedo: “Fucking hell, what is this?”

Avete cominciato aprendo i concerti dei The Paddingtons, The Futurheads e poi Kasabian, suonare con questi nomi vi avrà aiutato parecchio, no?
Siamo stati fortunati perché queste band hanno creduto in noi chiedendoci di far loro da supporter, per noi è stata l’occasione per farci conoscere e far vedere alla gente chi siamo.

Vi chiamate The Enemy ma le vostre canzoni parlano molto d’amicizia, in Inghilterra si dice “Who need enemies when you’ve got friends”, è questo il senso del vostro nome?
Sì, noi non abbiamo tempo per avere dei nemici, ma allo stesso tempo noi siamo gli unici nemici di cui voi avete bisogno.

Ora che avete scritto un album di successo e suonato in tutto il mondo vi chiedo, è tutto come ve lo immaginavate?
E’ esattamente come lo sognavo da bambino in cameretta, uscire ogni sera, partecipare a feste incredibili dopo aver suonato di fronte ad un mucchio di persone che fanno casino e bevono e rovesciano birra, incredibile!

Il vostro suono si potrebbe descrivere come Oasis-punk, sei d’accordo?
Non ci piace essere etichettati, ma Oasis-punk mi piace, perché è un genere che non esiste, l’essere punk è un attitudine che noi abbiamo ma stà alle persone scegliere in quale categoria della loro collezione di cd metterci.

Tu cos’hai nella tua collezione di dischi?
Il primo amore musicale della mia vita sono stati i Rolling Stones poi sono arrivati gli Who che al momento credo di poter affermare siano la mia band preferita in assoluto. Poi non manca la discografia di Oasis e Verve ma l’ultimo gruppo inglese che mi ha veramente entusiasmato sono i Kasabian.

Credi che il successo sia arrivato anche perché i giovani si possono facilmente immedesimare nelle storie che raccontate?
Questa cosa mi ha un po’ scioccato, i nostri testi parlano di esperienza che abbiamo vissuto personalemente o di storie che i nostri amici stretti ci hanno raccontato, non pensavamo vi ci si potessero identificare tante persone. Molti fraintendono i nostri testi considerandoli politici, ma non lo sono, parlano della società in cui viviamo, alcune persone hanno notato riferimenti nei nostri testi di cui noi non c’eravamo nemmeno accorti.

A proposito, sta per uscire un vostro nuovo singolo It’s Not Ok e se non sbaglio è proprio una specie di tributo ai vostri amici, giusto?
Esatto! E’ un vero tributo ai nostri amici, scritto e ispirato a loro stessi, a quello che succede nelle loro vite e a cosa stanno passando nel bene e nel male. A volte mi dimentico di quanti momenti di merda abbiamo passato insieme a Coventry e di quanto siamo fortunati ad esserne usciti, ma questa canzone è un modo per dire a chi ci sta vicino, che non ci siamo dimenticati chi siamo e da dove veniamo.

Le vostre canzoni sono aggressive, epiche e melodiche allo stesso tempo, come riuscite a far convivere questi aspetti?
Con l’alchimia! Io credo che una canzone per funzionare debba avere un lato rock per far pogare i ragazzi e un lato più corale in cui si alzano al cielo le pinte di birra e si ondeggia tutti insieme. Ma abbiamo anche un lato più dark, siamo capaci di mostrarvi lati inaspetatti con una chitarra acustica, credo che ci siano alcuni episodi sopresa nell’album.

Da dove sbuca il titolo We’ll Live and Die in These Towns?
E’ una frase che qualcuno aveva scritto su un muro nella periferia di Coventry, e non può essere più veritiera.

Cosa non deve mancare mai nel tuo guardaroba?
Le Adidas Gazelle.

Lightspeed Champion

2008-05-20T18:38:00.000+02:00

Quando nel 2005 uscì l’album di debutto dei Test Icicles “For Screening Purposes Only” nessuno poteva prevedere quello che avrebbe scatenato sul panorama musicale internazionale. Violento, acido, dance, punk, crossover e schizzofrenico, il debutto dei Test Icicles con questo intruglio sonoro folle aprì la strada a quello che nel giro di un anno venne ribattezzato nu rave. La beffa è che i Test Icicles nel giro di sei mesi si sciolsero lavandosi le mani di tutto quello che è venuto dopo di loro, ognuno ha preso la sua strada e il chitarrista Devonte “Dev” Hynes si è rifugiato ad Omaha in Nebrasca a casa dei Bright Eyes. Quì sotto lo pseudonimo Lightspeed Champion ha composto un delizioso e intimo disco folk Falling Off the Lavender Bridge. A soli ventidue anni Dav è un giovane genio della scena indie destinato a regalarci grandi cose, basta vederlo sul palco raccontare una delle sue storielle con fare giocoso e spontaneo preferendo suonare cover o pezzi scritti la sera prima piuttosto delle canzoni presenti sul disco appena pubblicato. Genialità innocente e genuina.

Come è nata la musica di Lightspeed Champion?
Il fatto è che io scrivo musica sempre, non si tratta di un genere o dal partire da un’idea, mi posso confrontare con tutto, non mi serve partire da uno spunto ma relazionarmi a me stesso ed esprimermi in quanti più modi il mio essere sente la necessità. Qualcuno ha scritto di me che non avrei mai più composto canzoni rumorose: Gesu! Non c’è niente di più falso. Potrei pubblicare un album punk o electro domani se volessi, la musica per me è come respirare, non mi sono mai mosso per tentativi è qualcosa che mi viene naturale fare. Probabilmente il mio prossimo album sarà diverso, ma non sarà un cambiamento intenzionale.

Cosa ti ha spinto ad Omaha, casa dell’etichetta indie Saddle Creek, a registrare l’album?
Ho spedito un mio cd con alcuni demo a Mike Mogis dei Bright Eyes e lui mi ha chiamato, dopo aver parlato per alcuni giorni al telefono mi ha invitato nel suo studio ad Omaha. Mike ha prodotto alcuni dei miei album preferiti di sempre tra cui Danse Macabre dei The Faint e The Ugly Organ dei Cursive. Credo che Mike sia stato in grado di creare un suo suono pur lavorando con generi completamente diversi tra loro, per questo mi piace il suo lavoro. Omaha è un posto incredibilmente divertente, tutti amano la musica e io voglio essere circondato da persone così.

I Test Icicles hanno dato il via inconsapevolmente al fenomeno nu rave. Ti senti responsabile dell’accaduto?
Tutti mi guardano in modo strano ma non è stata colpa mia! Forse solo un pochino…la cosa divertente è che io no ho mai ascoltato musica rave in vita mia ed era l’ultima cosa che avevamo in mente quando scrivevamo canzoni.

Credo che il vero colpevole sia il video di Circle Square Triangle, con i club kids e i fumogeni fluo rosa…
Sì hai ragione, è tutta colpa sua, avremmo dovuto usare del fuoco invece del fumo rosa.

Sembra che tu sia amico di tutti, band tra cui i Klaxons e The Horrors hanno fatto propaganda al tuo disco mandando dei bulletin su MySpace, hai conquistato tutti!
Cool! Non lo sapevo è incredibile, sono davvero dei ragazzi carini, ma siamo molto amici, viviamo nella stessa strada e ci vediamo ogni giorno.

Per presentare l’uscita dell’album hai fatto un secret gig insieme ad Alex Turner degli Artic Monkeys in cui avete eseguito solo cover, confermi?
Alex è un mio caro amico, avevo bookkato il concerto un mese fa con il nome Pan Lovin Criminal ma senza sapere di preciso cosa avrei fatto. Ho chiamato alcuni amici tra cui la batterista degli ipso facto e il bassista dei Semifinalists e insieme ad Alex abbiamo suonato Reptilia degli Strokes, Slow Hands degli Interpol, Get Free dei Vines e C’mon C’mon dei Von Bondies.

Avete scelto degli indie anthem piuttosto recenti quando solitamente tutti tendono a fare noiose cover di pezzi storici…
Il mio periodo musicale indie preferito è quello che va dal 2001 al 2004 perché era eccitante e fresco e poi io amo fare cover. Non che non mi piaccia suonare i miei pezzi, ma è che mi annoio in fretta e quindi magari preferisco suonare canzoni nuove che non sono su disco o eseguire pezzi altrui.

Il Lavender Bridge del titolo è un posto reale?
No. E’ un ponte immaginario che collega la notte al mattino, soffro d’insonnia ed è un vero problema perché dormo tre ore a notte, per questo è come se cadessi dal ponte. Quando ero piccolo avevo una rana imbottita di lavanda che abbracciavo per dormire, mi calmava. (Dev fa un grosso sbadiglio).
Non è assurdo che mentre ti racconto dei miei problemi d’insonnia sbadiglio? (scoppia una risata).

Nella copertina del disco tieni in mano un coniglio nero, nel singolo un gallo, nel video un gatto. Hai mai cantato le tue canzoni ai tuoi animali per capire se sono valide?
Buona idea ma purtroppo non ne ho nessuno! Mi piacerebbe avere un animale. Vorrei un cane, un gatto o un coniglio. Ma sono sempre in giro quindi per ora è impossibile.

Perché preferisci suonare di fronte ad un pubblico di ragazzini piuttosto che adulti?
Sì perché i ragazzi sono meno scettici e se dicono che gli piace una cosa è perché lo pensano veramente e la abbracciano nella sua totalità facendotelo vedere. E poi non si pongono troppe domande e prendono la cosa per quello che è.

Ti ho visto suonare al Rocket con i Test Icicles e ricordo che avete distrutto mezzo locale, ieri hai suonato un delizioso set acustico e ti sei dimostrato un vero entertainer. Sembra che tu sia cambiato insieme alla tua musica, è così?
Wow… non credo di essere cambiato affatto, è solo un modo diverso di presentare la mai musica. Una settimana fa ho fatto un concerto a Tokyo in cui ho suonato solo distorsioni con la chitarra elettrica per tutto il concerto, è stato molto selvaggio e divertente. Dipende molto dalla situazione ma sono sempre io, sono spontaneo.

So che stai per pubblicare un fumetto collegato concettualmente alle canzoni dell’album, quando uscirà?
E’ finito ma non ha ancora una data di pubblicazione, io amo disegnare e mi piace che ogni mia canzone si possa trasformare in un fumetto. All’inizio volevo inserirlo nell’album ma poi ho pensato che avrebbe distratto le persone dalla musica.

Pensi davvero che The Strokes sono la miglior band del mondo?
Sì, First Impression On Heart dei The Strokes e Pinkerton dei Weezer sono i miei due album preferiti di sempre.

Goldfrapp

2008-05-20T18:33:00.004+02:00

Un grande albero con inciso sulla corteccia il numero sette. Nasce da questo sogno fatto da Alison, Seventh Tree, il quarto album dei Goldfrapp che si sbarazzano d’elettronica e lustrini, sesso e morbosità in favore della semplicità. Canzoni nate con in mente una chitarra acustica e con l’idea di poterle riproporre attorno ad un fuoco, come si fa quando si va in campeggio. Volendo è un po’ un ritorno alle origini per il duo composto da Alison Goldfrapp e Will Gregory, ma se Felt Mountain il loro primo album era dark, onirico e ambizioso, Seventh Tree suona scarno, solare, bucolico a tratti ironico.

Com’è successo che avete abbandonato l’electro glam di Black Cherry e Supernature in favore di sonorità acustiche e bucoliche?
Will: Dopo il tour di Supernature le nostre teste stavano scoppiando, ci siamo resi conto che avevamo bisogno di un po’ di pace. Ci siamo ritrovati in una stanza vuota e abbiamo iniziato a scrivere le nuove canzoni con una pace ritrovata, con un nuovo entusiasmo.
Alison: La mia voce ha fatto da tramite, è lei che ci ha guidato. Abbiamo sempre cercato di evolvere o trasformare il nostro suono album dopo album ma i temi che affrontiamo e il tipo di melodie che cerchiamo di comporre rendono riconoscibile il nostro lavoro.

Tutti i vostri album hanno un riferimento alla natura nel titolo, come conciliate quest’aspetto con la tecnologia sempre presente nei vostri lavori?
A: Cercare di conciliare questi due mondi è la principale fonte del nostro divertimento! Credo che quest’album sia fortemente influenzato da film sci-fi come Silent Running, (film del 1972 tradotto in italiano 2002:La Seconda Odissea n.d.g.), film che si pongono domande su cosa sia la natura e il naturale e sul futuro che ci attende. Abbiamo provato anche ad usare strumenti analogici per cercare di avvicinarci alla natura ma è stato un’esperimento fallito in gran parte.

E’ vero che quando avete iniziato a lavorare all’album pensavate ad un suono psichedelico?
W: Nei lavori precedenti abbiamo sempre cercato di sfuggire alla chitarra, anche perché non sappiamo suonarla, ma dopo il frastuono e i suoni saturi dei nostri album abbiamo sentito la necessità di avvicinarci a questo tipo di sonorità. Abbiamo cercato di spingere il nostro suono attraverso una sorta di filtro minimalista. All’inizio cercavamo di dirigere la nostra musica verso la psichedelia ma più cercavamo di spingerci verso questa direzione e più ci rendevamo conto di non saper minimamente cosa voleva dire psichedelico. Così abbiamo fatto una ricerca e sul percorso siamo rimasti affascinati dalla musica di Nick Drake e di Minnie Riperton e ci siamo mossi in quella direzione. A nostro modo abbiamo creato un album acustico psichedelico.

Per la prima volta vi siete serviti di un produttore e la scelta è caduta su Flood, cosa pensate abbia portato nella vostra musica?
A: Quando Flood è arrivato in studio avevamo già tutte le canzoni pronte, il suono era piuttosto definito, Flood è arrivato, ha suonato e aggiunto alcune parti, ma più che altro ci ha consigliato, ha portato coerenza e ci ha impedito di sognare troppo ad occhi aperti ma senza mai imporsi troppo.

Alison hai detto di aver visto in sogno un albero con il numero sette inciso sulla sua corteccia, ma che tipo di sogno era?
Era un sogno bellissimo, pieno di pace, molto rassicurante anche perché mi trovavo in una SPA quando l’ho sognato. Sono state le altre donne della SPA a consigliarmi di chiamare così l’album!

Nella copertina del singolo A&E sei vestita da Pierrot mentre nell’album hai un look da pirata, c’è un concept dietro al nuovo artwork?
A: L’idea è quella di una bambina che trova in soffitta un vecchio baule pieno di costumi e se li mette anche se gli stanno grandi e ci gioca.
W: C’è una canzone nell’album che s’intitola Clown il cui testo dice: “Only clowns will play with your balloons” il concetto dell’artwork è partito da lì, una sorta d’aura oscura ma con un’innocenza di fondo.
A: Ma credo che dovremmo fare un po’ di psicanalisi per capire meglio noi stessi e il nostro lavoro.

Duffy

2008-05-20T18:31:00.001+02:00

Duffy ha soli ventitre anni è la nuova promessa del pop inglese, presentata come la versione “clean” di Amy Winehouse in realtà la giovane ha ben poco da condividere con la regina del rehab. Mentre Amy è grezza, schietta con quell’attitudine da fancazzista che quando canta sembra voler dire “Cosa ci sto facendo qua io?” Duffy è solare, dolce e passionale e quando canta ci mette l’anima. Non sto preferendo l’una all’altra semplicemente va evitato il confronto. Quello di ieri sera al Pigalle Cafè di Piccadilly Circus a Londra, era il terzo concerto della sua vita e se pur ancora un po’ timida Duffy di fronte ad una platea sold out, in cui si celavano insospettabili accorsi a vedere questa next big thing tra cui Faris leader dei the Horrors, ha saputo stregare tutti con la sua voce e le atmosfere soul di Rockferry album di debutto prodotto da Bernard Butler, storico membro fondatore degli Suede.

Hai una voce incredibile, quando hai scoperto di avere queste doti e di voler fare la cantante?
Lo sto ancora scoprendo! E’ tutto nuovo per me e mi ci devo ancora abituare, sono curiosa delle reazioni che la gente ha di fronte alla mia voce ma sto ancora scoprendo da dove vengo, dove voglio andare.

Come sei venuta a contatto con la musica soul?
Amo le canzoni romantiche e sono sempre stata una persona molto sensibile e delicata, è stato difficile per me trovare la giusta scatola che mi contenesse, già da piccola mi sentivo diversa, ero una piccola donna più che una bambina e la musica soul mi ha fatto scoprire e capire chi sono. E’ stato come incontrare un’amica con il mio stesso punto di vista sul mondo.

Come è stato lavorare con Bernard Butler?
Grandioso perché mi ha lasciato la libertà di fare quello che volevo, quando sono entrata in studio i pezzi li avevo praticamente finiti, con Bernard è stato come lavorare con un amico con cui puoi ridere, essere spontaneo e scambiarti consigli. Non conoscevo gli Suede e quando l’ho incontrato non sapevo chi fosse, ero una bambina negli anni ’90 ma sapevo che sono stati una band importante per il panorama britannico.

C’è un'altra collaborazione che ti lega alla scena indie brit, hai cantato nell’album See You in the Morning dei Mint Royale, com’è accaduto che una ragazza sconosciuta sia finita a cantare in questo disco?
E’ successo che il loro manager aveva sentito dei miei demo e così li incontrai ad un festival nel Galles, ho cantato diversi brani per loro ma nel disco ne sono stati usati tre, mi chiesero anche di andare in tour con loro ma ero troppo giovane e inesperta, sentivo che non era ancora giunto il mio momento. Ricordo che non avevo soldi e fu un’opportunità grandiosa.

L’album si intitola Rockferry, si riferisce a un luogo reale o immaginario?
Credo di aver già affrontato diversi rischi nonostante la mia carriera sia appena iniziata, volevo che la gente capisse il mio mondo che io stessa sto ancora cercando di capire, Rockferry è stato il mio biglietto da visita, il mio primo singolo pubblicato su 45 giri in edizione limitata e tra tutte le canzoni che avrei potuto scegliere ho pescato forse la più rischiosa. Nell’album ci sono canzoni molto più immediate di Rockferry che è un pezzo senza ritornello, malinconico, non che la prima canzone che ho scritto. E’ un pezzo che ha provocato una mia battagalia interiore e che mette a nudo lo stato d’animo con cui è stato concepito, è un punto di partenza ma anche di arrivo, è il realizzarsi, questo è il significato che la parola Rockferry ha per me.

Quando canti dal vivo trasmetti una passione incredibile, non ci sono filtri tra te e il tuo pubblico, sei vera ed è una qualità che possiedono in pochi oggi, non trovi?
Grazie, io non sarei in grado di dare un giudizio del genere su me stessa. Era il mio terzo concerto, dici giorni fa continuavo a piangere per l’agitazione, ero una maschera nera di trucco sbavato, ma quando sono sul palco mi rendo conto che è l’unico posto dove mi sento a mio agio anche se devo ancora acquistare la confidenza.

In effetti durante il concerto quando cantavi avevi una voce forte e incredibile mentre quando parlavi al pubblico sussurravi appena, ma è anche questo che ti rende vera…
Sarebbe facile per me recitare una parte e dire con fermezza “Ciao a tutti, benvenuti al mio show” ma così facendo prenderei in giro per prima me stessa. Non mi sentirei di recitare una parte soprattutto con il genere di musica che faccio che si basa sulle emozioni e non sulle menzogne.

Qual è l’artista che ti ha ispirato più di ogni altro?
Bettye Swann, ha una voce incredibile, non smetterei mai di ascoltarla, nelle sue canzoni ci sono molti messaggi subliminali di natura sociale e politica, era una donna coraggiosa che ha avuto il coraggio di prendere una posizione, i suoi dischi sono come un tesoro per me.

Cosa ti piace invece del panorama attuale?
Bat For Lashes è incredibile e poi c’è questo gruppo nuovo americano che si chiama Black Kids prodotto da Butler il cui album uscirà per l’estate, un mix tra Joy Division, Arcade Fire e David Bowie davvero affascinante!

Disco Drive

2008-05-20T18:26:00.001+02:00

I Disco Drive sono architetti del suono, costruiscono strato dopo strato canzoni che non dovendo sostenere nulla di materiale cambiano forma, spessore, prospettiva quando meno te lo aspetti con un risultato finale composto da fondamenta punk-funk, che sorreggono strutture metal, disco, kitchs.Si chiama Things To Do Today il secondo album di questo indie power trio, che concerto dopo concerto si è fatto le ossa all’estero per potersi guadagnare la meritata attenzione in Italia, perché sorpresa!: Alessio, Jacopo e Matteo sono di Torino, non ve lo aspettavate vero?...

Attorno alla release di quest’album c’era una notevole attesa, come vi siete approciati a Things To Do Today rispetto al precedente album What’s Wrong With You, People?
Jacopo: Innanzi tutto quando è uscito il primo album nel 2005 non ci aspettava proprio nessuno e non sapevamo nemmeno se avremmo trovato un’etichetta.
Alessio: Questa volta avevamo un apparato alle spalle e le canzoni sono state affrontate con la consapevolezza di fare un album quindi con meno ingenuità.
J: L’intenzione sin dall’inizio è stata quella di fare qualcosa di diverso dal nostro primo album, abbiamo affrontato delle scelte e scritto canzoni per il disco senza mai averle suonate prima dal vivo, un processo particolare per noi che solitamente scriviamo, suoniamo, aggiustiamo e poi decidiamo se mettere il pezzo sul disco o no.

Però paradossalmente quest’album è molto vicino alla vostra dimensione live.
J: Dopo il primo album tutti ci dicevano che dal vivo eravamo meglio rispetto al disco quindi abbiamo volutamente cercato di trasportare l’atmosfera e l’approcio live nelle canzoni, anche perché tutti e tre amiamo molto di più suonare dal vivo piuttosto che chiuderci in studio a registrare.
A: Il primo album aveva una produzione più levigata da studio mentre questo è più caldo, più grezzo.
J: Io credo che lo studio sia di partenza un freno inibitore che t’impedisce di ricreare l’effetto del live, noi poi dal vivo improvvisiamo molto, cosa che su disco non si può fare.

Quindi di base le vostre canzoni nascono improvvisando?
J: Diciamo che ci sono stati diversi approci, ma la maggior parte dei pezzi li scrive Alessio dall’inizio alla fine, altri invece nascono da divagazioni/improvvisazioni in sala prove o anche live. Questo album è stato metà e metà.
A: Inoltre per quest’album ad un certo punto siamo rimasti soli io e Jacopo, Mauro il nostro bassista non era ancora dei nostri e metà dei pezzi sono nati da due batterie più base mentre gli altri li ho composti io in cameretta.

La cameretta è tornata molto di moda ultimamente…
A: Era dagli anni del punk rock quando componevo canzoni con un quattro tracce a cassetta che non componevo in cameretta! Mi sono accorto che ti basta un computer e Garage Band per fare mille cose velocemente. Questo procedimento permettere a tutti di comporre canzoni e ha fatto tornare cool questo lato casalingo della musica.
J: Molte persone dicono che Garage Band fa schifo ma non è vero basta trovare il giusto metodo per usarlo, molta gente ci chiede che microfoni usiamo o come abbiamo ottenuto certi effetti e quando rispondo con Garage Band e che il microfono è quello di un Mac rimangono spiazzati. Ma applicandosi con passione si ottengono questi risultati.

Avete suonato più volte in Inghilterra, com’è rispetto all’Italia e come siete recepiti dal pubblico?
A: E’ faticoso, estremamente faticoso!
J: E’ totalmente diverso ma ora che in Italia siamo presi più in considerzione tornare a suonare in Inghilterra è difficile perché il trattamento è uguale a zero, niente cibo, niente albergo, pochi soldi.Tutti si aspettano che in Inghilterra, patria del rock, le band siano trattate con un occhio di riguardo ma invece ce ne sono così tante che ti trattano con sufficienza.
A: Abbiamo capito perché molte band importanti italiane non sono interessate ad andare asuonare all’estero, e cioè perchè qua si sta meglio. In un certo senso suonare in Inghilterra è un po’ come stare in vetrina, ma è il prezzo da pagare per poter suonare nei locali fighi davanti alla gente giusta.

Siete descritti come i portavoce del punk-funk italiano, ma ascoltando il vostro album mi sembra un po’ riduttivo, ci sono molte più sfumature nella vostra musica, che dite?
J: Noi abbiamo avuto la sfortuna che il nostro album è uscito un anno dopo di quello dei Rapture anche se era pronto da un pezzo ma non avevamo un’etichetta e pensa che i Rapture non li conoscevamo nemmeno. In realtà abbiamo le stesse influenze e la stessa attitudine, ma in questo nuovo album siamo partiti da lì per andare altrove.
A: Sì, ci piace il punk e anche il funk ma trovo sia riduttivo descrivere il nostro album solo come punk-funk basta vedere la fine che hanno fatto gli stessi Rapture che si sono autocopiati virando verso il mainstream con scarsi risultati.

A chi vorreste essere paragonati?
A: Ai Fugazi, ai P.I.L., alla scena di Washington, ai Gang Of Four, ci sentiamo molto vicino ai Liars come modo di vedere e intendere la musica, l’ultimo disco non mi ha fatto impazzire ma dal vivo sono una bomba. Siamo più New York e meno Londra.

Daft Punk

2008-02-01T17:05:00.000+01:00

Dai tempi in cui hanno inventato il french touch con Homework, album che rivoluzionò il concetto della parola dance che uscì dal sottosuolo dei club per entrare nelle classifiche mainstream, i Daft Punk non hanno mai smesso di far parlare. Da Parigi Guy-Manuel de Homem-Christo e Thomas Bangalter sono il duo di dj più rilevante e imitato degli ultimi dieci anni andando sempre controtendenza per inventarne una nuova, come la scelta di andare in tour senza un album da promuovere, come realizzare un film in veste di registi senza comporne la colonna sonora, come trasformarsi in una copia di robot mantenendo intatta la privacy e diventando dei Dj-superhero. Loro ultima mossa concedersi in un'intervista quando tutti avevano smesso di chiedergliene una stremati dai costanti rifiuti. Thomas Bangalter ci ha raccontato cosa vuol dire essere un Daft Punk.

Avete spiazzato tutti partendo con il tour Alive 2007 senza un album da promuovere, considerando che il vostro tour precedente il Daftendirektour risale al 1997, cosa vi ha spinto a tornare on the road: il desiderio di tornare sopra un palcoscenico, la voglia di ristabilire un contatto con il vostro pubblico o cosa?
Da sempre abbiamo cercato di sovvertire le regole dettate dalla discografia, chi ha deciso che bisogna progettare un tour solo in favore della promozione di un album?Abbiamo sempre fatto quel che ci piace quando ci piace e continuiamo a farlo anche oggi che l’industria discografica sta per esplodere, sempre più artisti decidono d’essere liberi e indipendenti di esprimere se stessi come vogliono. Noi abbiamo deciso di esprimerci con questo tour che è come una performance, qualcosa d’innovativo e sperimentale che nessuno ha mai fatto e che va ben oltre il dj set.

Ho visto il live ed è stata un’esperienza totale, visiva, uditiva, motoria, uno spettacolo in technicolor multivision, da dove è partito il concept per lo show?
Tutti i nostri lavori hanno un punto di partenza comune, che è riuscire a fare qualcosa che nessuno ha mai fatto prima e un live show ci dava maggior opportunità creativa piuttosto che chiuderci in studio e creare un nuovo album. Abbiamo creato un’esperienza visiva con luci e immagini unite al design del palco con l’enorme piramide dentro di cui suoniamo che va a completare l’effetto visivo con i nostri costumi da robot. L’estetica è da sempre al centro dei nostri lavori insieme alla tecnologia, questi gusti combinati insieme danno vita a questo powerfull show.

Immagini, video e suoni sono perfettamente sincronizzati tra loro, lo show che proponete è uguale ogni sera ho avete modo d’improvvisare?
L’unico momento che abbiamo per improvvisare sono i cambi tra una canzone e l’altra il resto dello show non ce lo permette perché è stato concepito come un musical elettronico e come a teatro devi riproporre ogni sera le stesse scene cercando di migliorare di volta in volta.

Sul palco indossate costumi da robot e per questo in molti si chiedono ci siete veramente voi all’interno o se usate delle controfigure. Il mistero fa parte dell’essere Daft Punk?
Indossare quei costumi è una sofferenza, tengono un caldo infernale ma fa parte della performance e io credo che valga la pena indossare quei costumi per esprimere la nostra creatività in modo eccitante e così appagante, esibirci a viso scoperto sarebbe noioso e non alimenterebbe tutte queste domande e questo mistero che da sempre ci segue e che fa assolutamente e volutamente parte del nostro essere. E’ la forma d’espressione quanto più vicina a quello che vogliamo essere.

Su YouTube girano filmati amatoriali del vostro tour più di qualsiasi altro artista, cosa ne pensi?
E’ grandioso, siamo così eccitati all’idea che per questo motivo abbiamo deciso di non pubblicare un dvd dello show ma solo il cd audio. Crediamo che quello che sta succedendo è così contemporaneo e nuovo, cosa ci può essere di meglio dell’espressione artistica dei nostri fan attraverso internet. Poter sperimentare insieme al nostro pubblico è stato incredibile e fonte d’ispirazione per noi.

Tra poco uscirà in dvd Electroma, il vostro primo film girato, cosa vi ha ispirato questo progetto?
Abbiamo iniziato a sperimentare con la musica e la tecnologia quindici anni fa quindi abbiamo deciso che era arrivato il momento di provare a fare la stessa cosa con il cinema. Abbiamo iniziato a filmare con la telecamera in modo totalmente libero, cercando di trasportare su pellicola le immagini che scorrevano nitide e precise nella nostra mente. Il risultato è molto spontaneo e underground, qualità che la musica elettronica oggi non può più avere perché attraverso le nostre nuove forme d’espressione abbiamo ridisegnato il concetto d’underground.

Nel film non ci sono dialoghi ma solo musica e non composta da voi, perchè?
Ci siamo concentrati molto sull’immaginario piuttosto che su di un copione, il surrealismo è stato un forte stimolo per il film e una volta riusciti a trasportare in realtà le immagini che avevamo dentro la testa non ci siamo preoccupati di legarle tra di loro con un filo logico né tanto meno dei dialoghi. In quanto alla musica penso che comporla noi stessi avrebbe deviato il risultato finale del film perché avrebbe condizionato le nostre stesse immagini, inoltre volevamo che Electroma fosse impossibile da datare.

A proposito, cosa pensi di questa nuova ondata di musica elettronica con dj come Digitalism, MSTRKRFT, Justice e Boys Noize?
Penso che questi artisti facciano della buona musica ma penso anche che l’elettronica oggi si sia evoluta in un genere predefinito come può essere il rock e credo sia difficile creare qualcosa d’innovativo, questo non toglie che ci siano in giro bravi artisti come quelli che hai nominato che sanno creare qualcosa di fresco e libero pur non essendo originali.

A quando un nuovo album?
Saremo in tour sino alla fine dell’anno dopo di che entreremo in studio.

Consigliaci un disco:
“Classics” l’ultimo album dei RATATAT.

The Hives

2008-02-01T17:03:00.000+01:00

“Scusate devo interrompere il concerto perché questa canzone è troppo bella e noi siamo troppo bravi! Oddio non ci posso credere! Ma vi rendete conto quanto siete fortunati ad assistere al concerto di una band così brava, siamo la più grande rock’n roll band del mondo! Rock’n roll, ho yeahhhh!”.Pelle Almqvist si diverte così, durante i concerti dei suoi The Hives ferma tutto all’improvviso per autostimarsi, si inginocchia, si tira pugni intesta, mima convulsioni e urla come un James Brown posseduto. Dalla metà degli anni novanta ad oggi, la garage band svedese ha sempre amato descriversi come il gruppo rock’n roll più figo del mondo e oggi con The Black and White Album potrebbero diventarlo veramente, scavalcando una volta per tutte la linea che separa l’indie dal mainstream. Complice Pharrell Williams che ha prodotto parte dei pezzi di questo quarto album, che suona tanto vintage quanto innovativo e che si guadagna a pieni voti il titolo del disco più rock’n roll del 2007. Con le loro uniformi impeccabili da bravi figli di papà, con gli occhi stralunati e l’immancabile buona dose d’idiozia gli Hives sono tornati e faranno tornare l'orticaria al mondo del rock.

Pharrell e i The Hives, un’accoppiata assurda a pensarci ma il disco è una bomba rock, com'è sbocciata questa collaborazione?
Abbiamo conosciuto Pharrell un paio d’anni fa durante un festival in Giappone e lui ci ha detto di essere un grande nostro fans e che gli sarebbe piaciuto lavorare con noi. Prima di metterci al lavoro decidemmo di provare a fare qualcosa di nuovo perché ritenevamo fosse giunto il momento di rischiare, di rimetterci in gioco e Pharrell è il primo nome a cui abbiamo pensato.

Immagino abbiate due punti di vista completamente diversi, ma insieme funzionate benissimo, com’è andata in studio?
Non pensavamo di registrare così tante canzoni con Pharrell, pensavamo sarebbe arrivato in studio con tutte le sue apparecchiature elettroniche con cui noi non abbiamo molta famigliarità e invece la prima cosa che ha fatto una volta entrato in studio è stato abbracciare la chitarra elettrica dicendoci che produrre un album rock è da sempre il suo sogno. Pharrell è molto veloce, è riuscito subito ad immedesimarsi nella band e ci faceva sentire e risentire tutto quello che stavamo registrando a volumi altissimi e continuava a ripeterci: “Fate quello che volete, qualsiasi cosa vi salti in mente”. Insieme abbiamo cercato di fare un buon disco suonato in modo molto diretto adatto sia all'ascolto che dal vivo, e il risultato è imponente. This is our big rock’n roll album man!

Il disco è un vortice si suoni e colori, perchè The Black and White Album?
Questo è il disco più pretenzioso che abbiamo mai fatto e molti album storici e maestosi che hanno fatto la storia si chiamano the black album o the white album così c’è sembrato logico chiamare il nostro nuovo lavoro The Black and White Album perché è un disco perfetto.

Ci sono due anime nel disco una più garage tipicamente Hives, l’altra più sperimentale con tastiere e campioni ma lo stesso rock’n roll, cosa vi ha spinto ad osare arrivati a questo punto della vostra carriera?
Abbiamo provato a spingerci oltre senza sapere bene cosa sarebbe successo, poi avremmo anche potuto buttare via tutto e fare un disco più vicino ai nostri standard ma sentivamo che era giunto il momento di provarci. Mi piace che in ogni caso anche le canzoni più strane hanno mantenuto intatta la nostra identità, chi ha pensato anche solo per un attimo che saremmo tornati con un album hip-hop per via di Pharrell si è sbagliato alla grande. Pharrell ci ha aiutato a non aver paura della tecnologia e ad usarla senza storpiare la nostra natura, e ci siamo divertiti come non mai in studio e si sente in ciascun pezzo. Questo è un disco superfun e siamo molto soddisfatti!

Però un po’ all’hip-hop avete ceduto, siete nel disco di Timbaland con cui avete co-scritto Throw It On Me…
Timbaland è un mito e noi stiamo cercando di lavorare con più persone possibili per espandere il nostro potere, per questo nell’album ci sono più produttori tra cui Jacknife Lee e Dennis Herring non volevamo precluderci nulla questa volta.

Ad ogni album cambiate divisa, il look di Tyrannosaurus Hives vi distingueva dai precedenti per l’utilizzo di cravattini bianchi a fiocco e per le ghette, favolose per altro. Questa volta cosa avete scelto?
Abbiamo delle school uniform, come se facessimo parte della confraternita degli Hives, l’idea è quella di apparire come se appartenessimo ad un’associazione per gentlemen molto esclusiva nel quale entrare è difficilissimo.

Sin dai vostri esordi vi proclamate la più grande rock’n roll band di questi tempi, io credo che con questo album siate destinati a diventarla a tutti gli effetti, sei d’accordo?
Noi lo diciamo perché lo siamo, gli Hives sono la più grande rock’n roll band vivente, è solo che non tutti se ne sono accorti, ma questo non è un nostro problema.

Babyshambles

2008-02-01T16:41:00.000+01:00

Parlare male di Pete Doherty è troppo facile, è il personaggio rock più chiacchierato degli ultimi anni, protagonista indiscusso dei tabloid scandalistici da quando ha iniziato a solcare il palcoscenico con i The Libertines nel 2002. Poi ha incontrato Kate Moss ci si è fidanzato e la sua fama ha fatto il giro del mondo, complice lo scandalo della cocaina. Oggi Kate si è disintossicata, ha lasciato Pete e lo ha rimpiazzato con un nuovo fidanzato mentre lui è ancora in preda alle droghe. Tra un pettegolezzo e un arresto per possesso di stupefacenti Pete ha trovato il tempo di scrivere anche il nuovo album dei Babyshambles, s’intitola Shotter’s Nation ed esce insieme all’ultimo scoop, delle foto in cui Pete fa sniffare del crack al suo gattino. Lasciare da parte tutto questo circo mediatico è difficile, ma Shooter’s Nation è un buon album pop, spontaneo e sincero, scritto da un ragazzo problematico diventato un idolo generazionale, un personaggio che sprigiona un carisma che possiedono in pochi, con quella sua attitudine scazzata, i pantaloni sudici, logori e i capelli sempre bagnati e sporchi che spuntano dall’immancabile cappello di paglia. Pete emana un’aurea che conquista, chiunque lo ha incontrato dice che trasmette un senso di tenerezza e fragilità che fa venir voglia di abbracciarlo all’istante, e lui si lascia abbracciare da tutti. Lo ha confermato anche Drew McConnell, bassista della band con cui abbiamo fatto due chiacchiere.

Ciao Drew, ci racconti qual è stato il clima in cui è nato Shooter’s Nation?
E’ stato un clima molto rilassato, ognuno di noi ha proposto idee che potevano essere un giro di chitarra o una melodia al pianoforte e tutti ci abbiamo lavorato, c’è stata molta più comunicazione e interazione tra noi rispetto a Down in Albion. Abbiamo suonato moltissimo dal vivo e abbiamo cercato di catturare l’assenza di queste session.

Per questo l’album suona così spontaneo?
Trovi?Grazie, ci stai facendo un vero complimento, abbiamo suonato tutto in una stanza evitando di affittare uno studio costoso proprio per cogliere la spontaneità dell’attimo, quasi come se fossimo in una sala prove e non in uno studio di registrazione. E poi eravamo seguiti da Stephen Street ingegnere del suono di Meat Is Murder dei The Smiths.

Il primo album fu prodotto da Mick Jones dei The Clash come mai oggi avete preferito Street famoso sì per The Smiths ma anche per aver forgiato il suono di Blur e Kaiser Chiefs?
Abbiamo scelto Stephen Street perché era l’unico che voleva lavorare con noi! Scherzo ovviamente!Vedi, per il primo album Mick Jones cercò di ottenere da noi il suono più naturale possibile, ricordo che ci fece suonare tutte le canzoni cinque volte di fila e estrapolò da ogni session il pezzo giusto per creare la versione definitiva, ma Stephen ci ha lasciato suonare all’infinito e ha registrato i suoni live singolarmente, ha catturato la spontaneità da ciascuno di noi e questo è quello che rende l’album così vero.

Quale significato si cela dietro al titolo Shotter’s Nation?
Quello che ti posso dire è che è nato durante un torneo della band a canasta!

I testi sono meno cupi e paranoici rispetto a Down in Albion che aveva un alone dark, siete più positivi oggi?
C’è definitivamente più luce in quest’album rispetto al precedente, anche se abbiamo attraversato momenti difficili abbiamo imparato ad affrontare i problemi con più positività.

Pete Doherty è costantemente seguito dai media che cercano l’ennesimo scoop, non pensi che questo in qualche modo ostacoli la credibilità dei Babyshambles?
Non credo che si metta in gioco la credibilità della band, forse sono io che ho una visione ottimista delle persone e penso che non si fidino ciecamente di quello che leggono nella stampa, voglio dire, se io leggo qualcosa di stupido riguardo a David Beckam o a Witney Houston ci rido sopra ed è finita lì, non metto in discussione le loro doti artistiche. So quanto la stampa è in grado di manipolare i fatti e spero che le persone ascoltino il disco dei Babyshambles prima di dare un giudizio, sarebbe sbagliato giudicare il nostro lavoro attraverso le azioni private di una persona.

Pete ha di recente pubblicato estratti dei suoi diari e alcuni poemi nel libro The Book Of Albion, lo hai letto?
No. Da quanto sono stato bambino sono stati pubblicati molti diari di personaggi famosi ma non sono mai riuscito a leggerli, in un qual modo mi è sempre sembrato di invadere la loro privacy, non ho mai dato una sbirciatina nemmeno al diario della mia ragazza.
Se Pete ha voglia di leggermi un poema che ha scritto o un suo pensiero sono pronto ad ascoltarlo e a discuterne ma io non leggero mai i suoi diari, è un’idea troppo strana e intima che spesso sconfina nel glam e nel pettegolezzo e preferisco mantenere una visione innocente sullo stato delle cose.

Un’ultima cosa, è vero che Pete dona tutto se stesso ai suoi fan, e spesso dopo i vostri concerti a Londra li invita a casa sua?
Sì, Pete si concede molto ai suoi fan perché si sente uno di loro e non vuole creare barriere da superstar, non è nella sua attitudine e non nega un abbraccio a nessuno, è lui il primo ad averne bisogno.

Jack Penate

2008-02-01T16:37:00.000+01:00

Colori sgargianti, jeans sgualciti e arrotolati che fanno spuntare i calzettoni da un paio di sneakers consunte, l’esuberanza di Jack Penate traspare immediatamente, sia che s’incontri per strada o che si veda suonare, sorriso sulle labbra e sguardo gentile non lo abbandonano mai. Mezzo inglese e mezzo spagnolo Jack a sedici anni ha deciso che fare il musicista sarebbe stata la sua professione. Raggiunta la maggiore età ha iniziato a farsi le ossa suonando prima nei pub e poi inserendosi nella club scene di Londra diventando, (complice anche MySpace), un punto di riferimento per i giovani frequentatori delle indie night più cool.Non pensate di aver già capito tutto perchè Jack Penate è un cantautore ma con il look a metà strada tra il nu rave e il rockabilly e quando suona la chitarra balla muove i piedi freneticamente, come se le scarpe avessero preso vita trascinandosi appresso il resto del corpo come nel video di Spit At Stars. Alcuni gli danno del clown per questo ma lui se ne fotte, dice di non riuscire a stare fermo quando suona la chitarra come Stevie Wonder scuote la testa mentre suona il pianoforte posseduto dalla sua stessa musica. Niente sintetizzatori, fischietti ne tanto meno sirene della polizia, in Matinèe c’è del sano e divertente rock’n roll influenzato dallo ska, abbinato a qualche episodio più intimista dall’anima soul, che porterà alla ribalta questo nuovo e adorabile ragazzo del quartiere.

Jack, raccontaci com’è iniziata la tua avventura:
Sogno di diventare una star del rock’n roll da quando ho unidici anni, ho iniziato allora a suonare la chitarra, poi verso i sedici ho capito che fare il musicista sarebbe stato qualcosa di più di un semplice hobby. Formai una band con i miei compagni di college e iniziammo a girare i pub suonando, ho ricordi stupendi legati a quel periodo facevamo un casino pazzesco! E’ stato proprio il far parte di una band a farmi capire che volevo diventare un solista e creare la mia musica senza scendere a compromessi e in totale libertà. Ho iniziato così a suonare nei locali di Londra partecipando a serate esclusivamente acustiche esibendomi con una chitarra elettrica. Mi divertivo a fare casino sul palco lasciando i presenti spaesati e intontiti, sono andato avanti per due anni in questa direzione e senza l’aiuto di nessuno il mio nome ha cominciato a girare, mi sono trovato una folta fan base con la gente che veniva a vedermi suonare in qualsiasi parte della città.

Così ti ha notato la XL Recordings e ti ha offerto un contratto, giusto?
Sì ma dopo due anni di lavoro, e per un diciannovenne due anni sono un’eternità! Soprattutto nel presente che si può raggiungere la celebrità in un’ora ma non mi lamento ho accumulato molta esperienza e per diventare un musicista professionista è la giusta base di partenza.

Quali sono gli artisti che ti hanno spinto ad intraprendere questa professione?
Sembrerà un clichè ma ho ascoltato di tutto. Da piccolo ascoltavo Bob Dylan, Joni Mitchell, Tim Buckley e Neil Young, sono rimasto ossessionato da Nick Drake e non ascoltavo altro che folk. Poi è arrivato Jeff Buckley e in seguito ho scoperto il soul d’Otis Reding e il funk di Prince, in seguito è stata la volta del brit pop e a sedici anni dell’hip hop anche se non ha mai influenzato in nessun modo la mia musica.

In questo momento il tuo album non è ancora pronto, conosciamo i singoli Spit At Stars e Turn On The Platform due pezzi rock’n roll, scanzonati e ballabili, ma come descriveresti il mood dell’intero lavoro?
Credo che l’album nella sua totalità mi rappresenti meglio come persona, non ci sono undici canzoni up beat allegre e pop come i singoli da te citati, ovviamente c’è anche questo lato ma ho cercato di creare un album vario attraverso dei sali e scendi emotivi, ci sono episodi felici e danzerecci e altri che ti fan venire voglia di sdraiarti e ascoltare. E’ stato difficile scegliere i pezzi perché un album non è il singolo che senti alla radio e canticchi o balli nel club, l’album sono io e mi rappresenta, non ci sono vie di fuga. Una volta uscito l'album spero che le persone possano capire e vedere come sono fatto dentro.

I tuoi singoli usciti in 12” picture disc sono introvabili e su ebay raggiungono i 100 pounds l’uno, per un’artista emergente non è cosa da poco, inoltre ci sono i tuoi artwork disegnati con i pastelli e dei veri autoscatti in polaroid dentro ciascuno a renderli unici. E’ un altro modo per esprimere la tua creatività o per catturare l’attenzione?
Io amo il lato estetico delle cose e credo sia molto importante valorizzarlo, mi piace molto l’arte surrealista e quando ho del tempo libero mi piace visitare gallerie. Impazzisco anche per l’arte video e ho sempre disegnato, non so se sono bravo o meno, onestamente non mi sono mai preso sul serio da questo lato ma mi piace disegnare. Certo avrei potuto assegnare l’artwork dei miei lavori a qualcuno ma non ne vedo il motivo se posso farlo io stesso, i disegni aggiungono dettagli alla mia personalità e completano la mia musica.

I tuoi passi ballerini sono oggetto di controversia, io li trovo superdivertenti e non capisco come fai a suonare, cantare e ballare in quel modo allo stesso tempo, è stato difficile imparare a farlo?
No assolutamente! (Jack scoppia a ridere n.d.g.) Ballare è una cosa che faccio sin da ragazzo, ascoltando hip hop ho imparato a ballare la break e mi divertivo ad esibirmi alle feste con gli amici.Quando suono il mio corpo è carico d’energia e non riesce a contenerla, così trova sfogo nei miei piedi. E’ un processo naturale come capita a Stevie Wonder che non riesce a tenere ferma la testa, io non posso stare fermo quando suono, fa parte di me. So che alcune persone ridono di me per questo ma onestamente I don’t give a fuck! Ho capito da tempo che nella vita non c’è nulla di più bello d’essere se stessi e a molte persone manca la coscienza per capirlo. Guarda Prince per esempio ha sempre fatto quello che ha voluto fregandosene di tutto e di tutti presentandosi in pubblico truccato o con tutine scollate a mostrare il suo petto villoso e continua a farlo tuttora che ha quasi cinquant'anni. Io non ho mai sentito nessuno prenderlo in giro per questo, fa parte del suo essere. Il mio sogno è quello di poter raggiungere quest’obiettivo e non ho nulla da perdere perchè questo è quello che voglio fare nella vita. All’inizio avevo paura di non essere capito di risultare un pagliaccio, ma per fortuna la risposta del pubblico è andata ben oltre le mie attese.

Com’è Jack Penate dal vivo?
Gioioso, esplosivo, amoroso e non cinico mi piace instaurare un rapporto con il pubblico e non stare davanti a loro con aria superiore voglio che il pubblico capisca che sono uno di loro. Io sono cresciuto negli anni ’90 e ho visto molti concerti, all’epoca l’atteggiamento del brit pop era strafottente, le band salivano sul palco e sembravano pensare: “Avete idea di quanto siate fortunati a vederci? Perché noi siamo i migliori! Fuck You!”. Io non voglio esser così, voglio dire, senza un’audience io per primo non sarei nessuno. Tempo fa alla fine di un concerto un ragazzino che avrà avuto sedici anni è venuto da me dicendomi: “Ti voglio bene, posso abbracciarti?”. E’ stato lì che ho capito che il mio messaggio arriva alle persone, sono un new wave hippie e voglio spargere amore per tutti, basta con la violenza!

Bat For Lashes

2008-02-01T16:35:00.000+01:00

Siete in camera vostra di notte, stesi a letto e la luce dei lampioni filtra dalle veneziane semichiuse con un effetto strobo dato delle fronde degli alberi che si muovono al vento. Il rumore di un windchain arriva da lontano mentre le ombre giocano sul muro dando forma a strane creature che inquietano e incuriosiscono al tempo stesso, proprio come le canzoni di Natasha Khan e delle sue Bat For Lashes.Un mondo notturno in cui innocenza e mistero diventano una cosa sola, mescolando tra una canzone e l’altra immagini estrapolate da film che esplorano il passaggio dalla pubertà all’adolescenza, come E.T., The Goonies, Donnie Darko, spunti rintracciabili tra le immagini del video di What A Girls To Do? Per metà principessa e per metà guerriera Natasha dal vivo è incantevole, ascoltare i pezzi di Fur and Gold è un’esperienza trascendentale, la sua musica ti rapisce e non sai dove ti porta. Abbiamo incontrato Natasha a Parigi dopo un concerto trionfale che ha scalfito un segno nel nostro cuore come farebbero due innamorati sul loro albero.

Le tue canzoni trasmettono sensazioni inquietanti, è come se il pericolo fosse in agguato dietro l’angolo, come se qualcosa di terribile ci attende nell’immediato, da dove scaturiscono queste visioni molto simili ai film anni ’80 di Spielberg?
Mi piace lasciare le cose sott’intese, sono molto legata all’oscurità, alle creature notturne e a ciò che ci fa paura durante l’adolescenza, sono cresciuta con film come i Gremlins, The Goonies o E.T. che parlano di ragazzini che sono cresciuti al sicuro nelle loro case ma una volta usciti si trovano a dover affrontare il mondo e fa paura. Ho guardato quei film centinaia di volte, ne sono ossessionata come lo sono con Donnie Darko. I protagonisti di questi film si trovano in un istante a doversi relazionare con qualcosa di molto grande e difficile da capire, certo fa paura ma è eccitante.

Un po’ come perdere la propria innocenza?
Anche come perdere l’innocenza. E' la relazione tra l’oscuro e i simboli, tutto quello che non puoi vedere ma che sai che c’è e che è lì, la bellezza dell’invisibilità.

Tua mamma è inglese, tuo padre pakistano e da piccola hai
girato il mondo con lui perché giocava nella nazionale pakistana di squash, quest’infanzia nomade ha contribuito allo sviluppo del mondo di Bat For Lashes?
Sicuramente nel mio inconscio sì, ma in realtà ho iniziato a cantare e a comporre musica abbastanza tardi, a sedici anni ascoltavo i Nirvana e il punk rock così cantavo urlando ma facevo veramente schifo, la mia voce non può raggiungere le corde di Courtney Love e io ero davvero arrabbiata e quando cantavo in camera mia i miei genitori mi urlavano: “Stai zitta, è orribile!”. Così ho smesso, mi sono intimidita e ho iniziato a cantare sottovoce, in un modo molto esile. Poi a diciotto anni ho deciso che da grande avrei fatto la cantante seriamente e quando i miei genitori hanno cominciato a sentire le mie canzoni mi hanno detto: “Ma sei bravissima perché non hai cantato prima? La tua voce è magnifica” e io ho risposto: “Perché mi avete detto che facevo pena!”.

L’album s’intitola Fur and Gold, due materiali opposti che danno sensazioni completamente diverse. Cosa accomuna questi due elementi al tuo immaginario?
Questo album è stato costruito assemblando elementi estremi tra di loro, ho usato nuovi e vecchi strumenti per crearlo, il buio e la luce, i bambini e la sessualità. Fur, la pelliccia, rappresenta l’animale: felice, selvaggio, sciamanico e anche il lato umano di ognuno di noi. Gold, è l’oro, è l’ego, la regina, il glamour, il glitter. Entrambi gli aspetti fanno parte di me che a volte sono forte, naturale e selvaggia e altre sono femminile e mi atteggio da diva. Ci sono molti simboli nelle canzoni, sono sempre stata affascinata dalla mitologia, dagli incantesimi e dalle creature che popolano questi racconti. Credo che con gli anni le donne abbiano dimenticato il loro legame con la natura che comprende gli odori, i sensi, gli istinti, il nostro lato selvaggio è andato via via reprimendosi e io ho cercato di recuperare il mio.

Sei diplomata in arti visive e sonore all’università di Londra, quanto questo ti ha aiutato a sviluppare in modo così naturale il tuo mondo?
Moltissimo, per me è molto naturale associare immagini a suoni, quando compongo, mi viene subito in mente un ipotetico video e viceversa, aver studiato animazione, illustrazione e sonoro all’università mi ha aiutato moltissimo, mi ha dato i mezzi per mettere in pratica i miei personaggi, le mie visioni femminili, ancestrali e il mondo che gravita intorno a loro. La musica per me è come un antico rituale che cerco di condividere e di trasmettere anche nel modo in cui mi vesto, è una forma di rispetto verso quello che faccio e verso il mio pubblico.

Jens Leckman

2008-02-01T16:29:00.000+01:00

Jens Lekman è un cantautore svedese, la sua voce baritonale è l’elemento che caratterizza i suoi lavori considerando che musicalmente il giovane Jens ama cambiare pelle in ciascun album. Night Falls Over Kortedala è ambizioso e seducente, Jens prende ispirzione dalle sue memorie e dal suo mondo per creare un album romantico, lussureggiante e ubriaco che folgora chi lo ascolta.

L’impressione che si ha ascoltando le tue nuove canzoni è che hai cercato di fare un passo avanti con la tua musica, c’è più magnificenza, effetti inaspettati, ma le tue melodie bellissime sono sempre al loro posto, ho la sensazione che tu hai perso la tua innocenza ma che allo stesso tempo vorresti preservarla. Me ne parli?
Volevo fare un album in stile Graceland, volevo che le mie canzoni incontrassero nuovi posti, nuove persone e per farlo ho annusato dappertutto come un cucciolo di cane, anche se alla fine ho sentito che avevo lasciato qualcosa in sospeso a Kortedala e ho sentito la necessità di finire quello che avevo iniziato con i miei lavori precedenti. Ho chiuso un cerchio con questo album. Mi sono ritrovato ad ascoltare a ripetizione l’album di Lupe Fiasco “Food & Liquor”, mi sono innamorato del modo in cui usa i samples, mi ha ricordato il lavoro che ho fatto sino ad oggi e che non mi ha mai soddisfatto sino in fondo. Non considero questo album come l’aver intrapreso una nuova direzione ma un completamento, l’aver puntato una luce su quanto ho sempre desiderato fare. Sono il primo che deve farsi convincere dalle mie stesse canzoni e so che c’è sempre qualcuno in agguato dietro l’angolo e per ottenere questo risultato ho avuto bisogno di archi, di un’arpa, della salsa si Willie Rosario, di Enoch Loghts e di tutta la sua fottuta Light Brigade. Infine di una vecchia chitarra scordata, che però non mi convince tutt’ora.

Non conosco nulla riguarda al quartiere di Kortedala a Goteborg, com’è viverci, da come ne parli sembra un quartiere malfamato e pericoloso. Hai raccontato di essere stato assalito più volte per strada quindi mi chiedo come mai non ti sei trasferito prima e se hai intenzione di farlo, dove migrerai?
Mi trasferirò in Australia l’anno prossimo, penso che mi fermerò lì per un anno circa e poi deciderò cosa fare, mi sembra un buon cambiamento rispetto a Kortedala. Palme, caldo, bellissimi tramonti, credo che Kortedala sarebbe perfetta se avesse queste qualità.

Ho sempre immaginato la Svezia come un posto libero e sicuro per la comunità gay, ma sentendo quanto racconti nelle tue canzoni sembra l’esatto contrario. Oppure Kortedala è un mondo a parte?
Kortedala è diversa da tutto il resto. Ma non credo che le persone per strada mi chiamino frocio perché pensano che sia gay, è solo una parola che usano comunemente. E il vecchio che di solito me lo urla dietro è un veterano di guerra matto nella zucca.

Hai registrato tutto il tuo nuovo album in un claustrofobico monolocale ma hai raccontato che alcuni vecchi spiriti ti hanno tenuto compagnia. Sono stati carini con te e si possono sentire in qualche canzone?
Certo! Potete sentirli in tutto il disco, e pensare che mentre lo registravo non mi ero nemmeno accorto che erano lì.

La canzone Shirin è dedicata al tuo parrucchiere, nella copertina del tuo album qualcuno ti sta tagliando i capelli e hai chiamato il tuo studio Kortedala Beauty Center. Sei ossessionato dalla bellezza?
Sono ossessionato dai capelli… negli ultimi tre anni della mia vita ci sono stati un sacco di peli nuovi che sono cresciuti sul mio corpo. In particolare mi sono innamorato di alcuni ciuffetti argento che mi sono cresciuti attorno alle tempie. Sono la testimonianza del fatto che sono il lavoratore più duro di tutto lo show-biz . Però sì, sono ossessionato anche dalla bellezza, ma non solo della bellezza fisica nel senso classico. Il salone di Shirin si chiamava Kortedala Beauty Center ed era nel suo appartamento. Quando se ne è andato gli ho rubato il nome perché credo che il mio appartamento fosse l’unico posto rimasto in tutta Kortedala a produrre ogni tipo di bellezza.

Quando hai scoperto la tua voce e quando hai realizzato di voler diventare un cantante?
Ci ho messo molto ad uscire dalla pubertà. Avevo forse 18 o 19 anni. Ma a quel punto mi ero esercitato per così tanto tempo che è venuta fuori completamente come la coda di un pavone. Sono stato subito molto colpito da quanto fosse profonda.

Qual è il tuo periodo storico peferito e perché?
Mi piace molto il periodo cosiddetto di « esplosione cambriana ». Cioè è lì che si è scatenato il gran casino, no ?

Hai un dono unico nello scrivere i testi, non hai mai pensato di scrivere un romanzo?
Forse non un romanzo ma più una serie di racconti divertenti o piccole poesie. Una volta ho raccontato ad Erlend Oye che mi sarebbe piaciuto fare un album in cui avrei composto musica per scherzo. Lui mi ha guardato e mi ha detto: “Pensavo fosse già quello che stai facendo…”.

Ultra Orange & Emmanuelle

2008-02-01T16:27:00.000+01:00

Gli Ultra Orange sono un duo rock francese formato dal musicista compositore Pierre Emery e dalla sua ragazza, la stylist Gil Lasage. Un giorno su un set cinematografico il fato fa incontrare a Gil la splendida Emmanuelle Seigner e tra le due scoppia una magica alchimia. Donna veramente sexy e attrice libera da ogni imposizione e scelta Emmanuelle ha sempre avuto l’attitudine da rockstar pur non avendo mai cantato, è impossibile toglierle gli occhi di dosso sia che sta recitando in un film o posando per una delle tante campagne moda che oggi la vedono protagonista. Oltre quest’alone hype che circonda Ultra Orange & Emmanuelle c’è però un bel disco, spontaneo, sexy, divertente che rende omaggio alla scena newyorkese degli anni ’60 di Velvet Underground e Nico spingendosi fino ai ’70 dei Blondie di Debbie Harry. Anni carichi d’eccessi e seduzione ed Emmanuelle sa padroneggiare entrambi.

Ciao Emmanuelle, avevi mai pensato di cantare prima d’ora?
Onestamente no! Questo progetto è iniziato per gioco, come fosse un divertimento tra amici, mi hanno chiesto di cantare una canzone e io l’ho fatto, ma in modo molto casuale accompagnata da una chitarra acustica a casa di Pierre. Poi è successo che la canzone è arrivata ad una casa discografica e da lì è partito tutto. Io e i ragazzi ci siamo incontrati due anni fa su un set cinematografico e col tempo siamo diventati molto amici, e credo che questo album è la coronazione di questa forte amicizia.

Che rapporto hai con la musica?
Ascolto rock’n roll da quando sono una teenager: Iggy Pop, Nirvana, David Bowie, Rolling Stone sono i gruppi che amo, la loro musica ha scandito la mia vita, ne hanno fatto parte, ma non mi sono mai immaginata di poter fare del rock in prima persona.

La caratteristica principale del disco è che è molto spontaneo, sembri veramente a tuo agio anche se non hai mai pensato di fare la rockstar. E’ stato un processo naturale per te entrare in questo progetto?
Grazie, hai detto una cosa molto carina, ero perfettamente a mio agio durante le registrazioni che sono state fatte per la maggior parte in una grande casa a Maiorca, che è la mia e quindi ero nel mio ambiente. Ho cantato sdraiata sul letto, saltandoci sopra, in giardino, è un album nato in armonia, in famiglia senza costrizioni dettate dal mercato per questo suona così libero.

In quale modo pensi che la tua figura abbia influenzato la musica degli Ultra Orange?
E’ Pierre che ha composto la musica, i testi e ha prodotto l’album, ma li ha composti pensandomi, un giorno è arrivato sul set di un film inglese che stavo girando dicendomi che aveva scritto un pezzo per me e che avrei dovuto cantarlo. Fidandomi del suo istinto e del nostro rapporto ci ho provato. Noi tre siamo molto simili, ascoltiamo la stessa musica, e abbiamo lo stesso punto di vista su tutto, non avevo mai conosciuto nessuno così affine a me.

Sei un’attrice e ora anche una cantante, ma quando canti dal vivo interpreti un ruolo o sei tu stessa?
E’ ovvio che per me è come interpretare un ruolo, la differenza è che sono libera di fare quello che voglio perché non c’è nessuno a dirigermi e quando interpreti un film dipendi sempre dal tuo personaggio. E’ un ruolo che sento molto mio. Credo che sia la cosa più vicina a me stessa che abbia mai fatto oltre ad aver recitato in Frantic che fu scritto apposta per me.

Onestamente ho sempre pensato a te come ad una rockstar, se un giorno ti proponessero di girare un film biografico sulla storia di una rock band sceglieresti di interpretare Debbie Harry dei Blondie o Kim Gordon dei Sonic Youth?
Onestamente Debbie Harry, so che i Sonic Youth hanno un’ottima reputazione ma non mi sono mai avvicinata alla loro musica mentre Blondie la sento molto più vicina al mio stile e la seguo da sempre.

Come ti sei sentita la prima volta sul palco con gli Ultra Orange?
Ero spaventata come non lo sono mai stata in vita mia e allo stesso tempo eccitata. Oggi che ho fatto già quindici date sono molto orgogliosa di me stessa e mi diverto moltissimo sul palco. Dal vivo facciamo circa quindici pezzi tra cui alcune cover come I’m Sick Of You dei The Stooges, mi sono accorta che tendo a cantare solo canzoni maschili, è difficile per me riuscire a relazionarmi con cantanti femmine. Sono sempre stata un maschiaccio!

Al momento sei protagonista di numerose campagne fashion, come Moschino e Celine, quale stilista senti più vicino al tuo stile?
Ti sei dimenticato GAP! (ride fragorosamente n.d.g.) Non potrei mai scegliere un solo stilista, ce ne sono molti che mi piacciono e credo che ognuno abbia un talento da apprezzare, io amo la moda fa parte del sogno.

Cosa pensa tuo marito Roman Polansky della tua musica?
Mi ha sempre supportato e poi è stato il primo ad apprezzare la mia attitudine rock’n roll, mi ha sempre detto “Tu sei nata rockstar!” Ti ricordo che abbiamo chiamato nostro figlio Elvis.

Gogol Bordello

2008-02-01T16:24:00.000+01:00

Eugene Hutz non è un personaggio qualunque, nato a Kiev in Ucraina a quattordici anni scappa con l’intera famiglia in America a seguito della catastrofe nucleare di Chernobyl trovando rifugio a Burlington nel Vermont. Annoiato dalla provincia scappa a New York dove scopre una folta comunità d’immigrati est europei con cui forma in veste di leader i Gogol Bordello. Super Taranta è il quinto lavoro della band, pubblicato dopo il successo di Gypsy Punks ottenuto in concomitanza con la partecipazione di Heugene in veste d’attore al film Ogni Cosa è Illuminata del 2005 dove recita al fianco di Elijah Wood. In Super Taranta punk, folk, ska, dub e la musica dei balcani si fondono in un unico stile che sconfina nel metal.

La musica dei Gogol Bordello è un turbinio di generi che s’incastrano al folk gitano, qual è il criterio con cui è creato ciascun pezzo?
L’intento dei Gogol Bordello è quello di procurare un orgasmo isterico a chiunque ascolta la nostra musica.
In quest’album abbiamo cercato di incorporare il gusto di ciascun membro facendolo esplodere con l’aiuto guida dell’alcool. Lo spirito dei Gogol Bordello è formato da contrasti.

Alla regia del nuovo album c’è Victor Van Vough, storico membro dei The Bad Seeds di Nick Cave, com’è nata questa collaborazione?
E’ difficile trovare un produttore che si adatti alle nostre esigenze, perché è difficile spiegare nello specifico tutti gli elementi che formano la nostra musica, più volte ci siamo trovati di fronte persone che non capivano il nostro intento. Victor è un fan dei Gogol Bordello sin dai nostri esordi, siamo ottimi amici e per questo sa cosa vogliamo, quando gli dicevo: questa canzone è un raggae metal dub, invece di rispondermi ma che cazzo vuol dire? Diceva ok bene, facciamola allora! Lavorare con lui è stato molto spontaneo.

Quando sei sul palco sembri totalmente coinvolto nella performance, come se perdessi ogni controllo, è un atteggiamento naturale o hai lavorato per ottenere questo risultato spettacolare?
Perdersi nella cerimonia del live fa parte del nostro essere. Sono vittima di una sorta di perfezionismo, solo che una volta raggiunta la perfezione mi viene voglia di mandare tutto a puttane per ricominciare da capo, è una strana sindrome lo so.

Ti sei definito un Nuovo Ribelle Intelligente, cosa significa esattamente?
In realtà è un termine che un giornalista ha usato per descrivere la nostra musica di cui mi sono appropriato perché racchiude l’essenza della band. Per me si tratta dell’essere umano, di mostrare a tutti la propria identità, di non aver paura di vivere tutti gli aspetti che la vita ci offre, può essere una bevuta al bar con gli amici, una passeggiata di notte, esporre le proprie idee senza averne paura.

L’alcool è un elemento costante nella tua vita. Lo consideri un amico o un nemico?
Ne l’uno ne l’altro, ma di sicuro la mia vita non sarebbe la stessa senza alcool anche se abbiamo un rapporto difficile.

So che hai recitato in Filth & Wisdom debutto alla regia di Madonna, cosa mi puoi dire a riguardo?
E’ un cortometraggio di cui sono protagonista, ma l’intera band compare è nel film. E’ da un anno circa che sono a conoscenza del fatto che Madonna è una fan dei Gogol Bordello, attraverso amici d’amici ci siamo incontrati e abbiamo parlato a lungo. Madonna è una persona divertente, rispettosa, e collaborativa, mi ha offerto un ruolo nel suo film e io mi sono trovato davanti ad un’offerta irrinunciabile, ero eccitatissimo all’idea di lavorare con lei. Io interpreto un personaggio dall’animo filosofico che in realtà mi rispecchia molto. I Gogol Bordello hanno contribuito con tre brani alla colonna sonora, sono contento di averlo fatto nonostante non ne avessi il tempo, è stata un’esperienza molto creativa, intelligente e superdivertente. Tutti dicono di lei che è una professionista, dopo averla vista diero alla macchina da presa ho capito perché. Per quanto riguarda i brani dei Gogol Bordello direi che danno un tocco “heavy” alla pellicola, aspettate e vedrete!